Aprovecho que estoy a la escucha su segundo disco en un vinilo que me han regalado recientemente para recordar a los mejores Lynyrd Skynyrd. Nuestros trágicamente desaparecidos héroes de hoy no crearon el epíteto sureño que se aplica a esta trama rockera, pero sin duda alguna son sus grandes adalides y seguramente no existe un disco que mejor represente ese sonido que su disco de debut.
Un álbum acojonante en el que la mezcla de blues, garaje guitarrero y sonido americano destila fuerza y alma en todos y cada uno de los cortes. Es increíble como son capaces de sonar tan poderosos, rotundas y cortantes como en I Ain't The One o Gimme Three Steps o la parte final de Freebird y deliciosamente melódicos, dulces y románticos como en Tuesday's Gone, Simple Man o la propia Freebird. La presencia de las tres guitarras dieron a la banda la posibilidad de explayarse melódicamente y crear capas y capas de riffs, arpegios y quintas a saco, dando un poder y una calidez a las texturas de las canciones que hacen del sonido de los americanos algo único y que nadie ha sido capaz de repetir. Bueno, y no podemos dejar de alabar la poderosa voz de Van Zandt y su capacidad para escribir tanto letras cachondas de machote sureño, como temas románticos a más no poder o himnos a la libertad tan sinceras que ponen la piel de gallina.
Este disco contiene en su cierre el tema Freebird, una pieza que por sí sola merece toda una carrera musical y es uno de los cantos a la libertad y a la vida más rotundos y emocionantes que se hayan registrado nunca sonoramente, con uno de las secciones finales y solos de guitarra más frenéticos y alucinantes del rock clásico.
Lo bueno de estos tios es que eran tan auténticos y descarados que casi se puede respirar el olor de las válvulas ardiendo, la calidez de la música entrando en la sangre directamente por vena. Si a alguien le gusta el sonido de una guitarra y no mueve los pies escuchando a los Skynyrd es que está definitivamente muerto.
Gary Rossington, uno de los pocos supervivientes del trágico accidente que quitó a la banda del mapa, resucitó hace unos años a la banda, la cual sigue girando sin parar contando con el hermano de Ronnie Van Zant en las voces. Hace poco también fallecieron tristemente Bill Powell y Ean Evans, lo cual me hace acordarme que esta semana también ha fallecido Dickie Peterson, bajista y cantante de los míticos Blue Cheer (porca miseria me perdí ver su alargada sombra en el Azkena 2008). Que descansen todos en paz!
http://fonotecaimprescindible.blogspot.com/2009/06/pronounced-leh-nerd-skin-nerd-lynyrd.html
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Lynyrd Skynyrd - 1973 - Pronounced Leh-nerd Skin-nerd
Black Sabbath - 1973 - Sabbath Bloody Sabbath
La historia de Black Sabbath es archiconocida por los amantes del rock duro y clásico setentero, siendo sus primeros seis álbums grabados con Ozzy Ousborne en los gorgoritos considerados obras magnas y precursoras de los géneros pesados en general que aparecerían en años sucesivos hasta nuestros días. De todas las obras del cuarteto ingles, este su quinto disco, Sabbath Bloody Sabbath, es el que más suelo escuchar, el que más me encadila y me fascina.
Todo empieza con una de las mejores canciones del combo, dando título al álbum, con esa sucesión de riffs mastodónticos y partes más suaves, donde la historia desencadenada por Ousborne es apropiadísima para la música apocalíptica que lo acompaña. A National Acrobat es uno de los temas más psicodélicos y progresivos de toda su carrera basada de nuevo en riffs doblados, esta vez disonantes, con unos ramalazos progresivos e increíbles en la parte media y final de la canción que realmente me vuelan la cabeza. Fluff es la típica canción compuesta por Iommi que sirve de contrapunto a toda la fuerza ríffstica de los álbums de Black Sabbath y que demuestra la dulzura y expresividad que tenían estos tipos en su acercamiento más acústico e íntimo a la hora de componer. Sabbra Cadabra sigue con puro rocanrol pero de la mano sabática, con ese sonido a caballo entre el infierno y la psicodelia, encima acicalados con los teclados de, nada más y nada menos, Mr. Rick Wakeman. La segunda parte del álbum se abre Killing Yourself To Live, otra estupenda composición donde Iommi demuestra su destreza y variedad en el buen gusto a la hora de componer. Who Are You? es la canción más extraña y psicodélica escrita por los ingleses en los gloriosos setenta y como para todos los gustos hay colores, a mi me resulta acertadísima su posición en el disco pues le brinda un ambiente de locura realmente inquietante. Looking For Today también se presenta como otra canción estupendamente compuesta, siendo quizá más flexible y menos dura que otras composiciones más clásicas, pero un estupendo broche con el que abrir el cierre inconmesurable en la forma de Spiral Architect. Este es uno de mis temas preferidos de toda la obra sabattiana, donde se muestran arriesgados y experimentales a a la hora de montar el tema musical, con esa estupenda obertura acústica y donde el clímax conseguido es tremendo. Me encanta la letra, lo psicodélico y vibrante de las ideas que transmite, y sobre todo la esperanza y buen gusto que se queda al final.
Una obra magna que los amigos sabáticos no podrían ya repetir jamás y que se convierte en la piedra angular de su carrera.
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Silverchair - 1999 - Neon Ballroom
La historia de Silverchair es bastante curiosa pero no voy a referenciarla aquí habiendo tantos sitios donde se encuentran. Sólo puedo decir que cuando me enteré de que estos muchachos grabaron sus primeros discos en plena adolescencia quedé extrañamente confuso y sorprendido. Bien es cierto que sus primeros discos son un ejercicio sonoro del estilo llevado a la fama por las bandas de Seattle y otras coetáneos enfrascadas en lo que llamamos grunge. A pesar de ello, esos discos son bastante interesantes, con composiciones frescas y bastante redondas y muy sorprendentes para tratarse de gente tan joven.
Pero es a partir de este, su tercer álbum, donde Daniel Jones y cía encuentran el punto de partida creativo para experimentar y buscar nuevos sonidos. Es como si ya no quisieran sonar a las bandas que admiran, sino que quisieran hacer real la música que llevan en sus cabezas y que, especialmente a Jones, le trae por la calle de la amargura. Porque este disco rezuma tristeza, furia y desgarro y es realmente sensible. Temazos imprescindibles del final de una época en Anthem For Year 2000, Emotion Sickness, Black Tangled Heart, Do You Feel The Same, la increiblemente buena Ana's Song o la preciosista Miss You Love. Las nuevas texturas de guitarra bajo y batería, las nuevas inflexiones en la voz de Jones y los arreglos de cuerda y ambientes hacen de este disco algo diferente.
Un disco estupendo de una banda peculiar que ha conseguido subir al pedestal de los que venden millones batallando con demonios típicos de adolescencia, fama y éxito. Terriblemente emocionante.
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Opeth - 2001 - Blackwater Park
Me sorprendo a mi mismo escribiendo esto y pensando en Opeth como uno de mis descubrimientos del año. Yo que he despotricado tanto sobre estas voces de monstruo de las galletas sin encontrarle mucho sentido artístico. Gracias a Dios, estos suecos estuvieron presentes en el Metalway 2009, al que acudí para ver a Heaven & Hell y del que volví con un sentimiento de estafa bastante agudo. Opeth fueron los únicos que me despertaron y me dejaron perplejo.
Blackwater Park fue mi primer acercamiento a su obra, porque recuerdo que presentaron la canción y fue una de las que me dejó impactado. Sí, sigue habiendo voces de monstruito, pero para nada echan a perder la belleza, fuerza y sentimiento que desprende esta canción y todo este disco. Me atrevería a decir que Opeth se iniciaron en su carrera de forma descaradamente death metal para adentrarse cada vez más en las raíces del folk escandinavo y en los cimientos del progresivo setentero. Además, me da la impresión de que cada vez se alejan más del sonido metalero puro y duro para dar consonancia a muchas de las influencias que Mikael Akerfeldt va dejando entrar en su mundo. Los ramalazos a Porcupine Tree y Pink Floyd son clarísimos, no en vano Steve Wilson ha producido el disco e incluso participa tocando pianos, teclados e incluso cantando. Eso sí, la presencia guitarrística es casi abrumadora tanto en las cadencias metaleras y extremas, con unas composiciones con una intensidad y buen gusto de aupa, como en los idilios más folk con esa calidez armoniosa de la voz clara.
Sin duda voy a seguir en mi exploración por sus senderos sonoros aprovechando mi visita al Progressive Nation (dios mio, que ganas de ver a Big Elf!!!), habiendo caído ya dos discos más, Ghost Reveries y Damnation (donde no hay nada de voz de monstruito!), que también me han parecido estupendos y muy alejados de mis prejuicios sobre esta banda, al encasillarla como una banda metalera sin importancia más.
Hoy sólo puedo decir: METAL!
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Caravan - 1971 - In The Land Of Grey And Pink
Reconozco que hay un montón de discos por ahí que empezaron a cautivarme con tan sólo ver su portada. El ejemplo de In The Land Of Grey And Pink es uno de los más claros para mi. Sus tonos pálidos grises y rosáceos dejan vislumbrar la suave melancolía, armonía, calidez y clímax que se esconde en los paisajes sonoros de la tercera obra de los mejores Caravan. El sonido Canterbury de nuestros héroes en su momento más colorido, expresivo e inspirado.
En tan sólo cinco canciones los hermanos Sinclair y Pye Hastings marcan las pautas de un estilo abrumador de componer música alegre, simpática y sensitiva sin caer en la ñoñería. Golf Girl, Love To Love You, Winter Wine y In The Land Of Grey And Pink son preciosos ejemplos de combinación de sonido amable con una base rítmica ajustadísima y dinámica sobre una guitarra esponjosa para dar protagonismo a los vaivanes de los teclados y sobre todo a las propias historias contadas. Por si fuera poco, la segunda cara del vinilo estaba ocupada por Nine Feet Underground, uno de los mejores temas de largo recorrido grabado en los 70, que está a la par de otro de los más grandes temas de Caravan, presente en su album anterior y llamado For Richard.
En Nine Feet Underground hay sitio para todos los paisajes instrumentales de los que eran capaces de ensamblar estos tios cuando andaban tocados por las musas al más psicodélico estilo británico. Jams solídisimas en los que el trabajo del león se lo llevan los vuelos de teclado, con efectos de todo tipo y unos vaivenes de bajo y batería que llevan a la canción a la perfección por todos sus recovecos y vericuetos haciendo de la experiencia subterránea toda una gozada.
Uno de los mejores momentos del sonido Canterbury, en su modo más encarado a la canción en lugar de la improvisación.
http://enunacajanegra.blogspot.com/2007/11/caravan-in-land-of-grey-and-pink-1971.html
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Muse - 1999 - Showbiz
Muse están encaramados desde hace algunos años al olimpo de los que venden discos a cholón y son examinados con lupa tanto por sus fanáticos seguidores como por sus acérrimos detractores. La verdad es que la banda de Matt Bellamy es de las que raramente pueden ser indiferentes. Son manera grandilocuente de expresión, su capacidad para ser fieros a la vez que glamourosos y su histrionismo los hacen una banda peculiar y capaz de catalizar la atención ya sea para bien o para mal. Suenan sobre todo modernos, alternativos, pero con ramalazos progresivos y de rock duro, incluso algo de psicodelia, pero todo desde un tono futurista.
Si sus últimos discos no me están llamando mucho la atención, su primera entrega causó estragos entre los que éramos jóvenes ávidos de nuevas músicas y yo me debo amarlo sobre todo gracias a mi buen Checa. Showbiz suena tan fresco y tan potente como el primer día. La producción del disco es espectacular, con una rotundidad y claridad en los arreglos que potencia lo sabroso de lo compuesto en él. Los pianos, guitarras y voces de Bellamy son los claros protagonistas que eclipsan de alguna forma los buenísimos trabajos de bajo y batería, pero es que el primero es capaz de volarte la cabeza en sus porciones más potentes y rotundas, léase Fillip, Cave, Muscle Museum, Overdue y también en las más románticas y acolchadas como Falling Down o Unintended. Aquí no hay remilgos a la hora de falsetear por doquier y hasta la saciedad o introducir riffs y efectos ruidosos que recuerdan al bueno de Kurt Cobain, pero es que Bellamy también tiene un buenísimo gusto a la hora de interpretar con los teclados y el piano, como en Sunburn. Este tipo es flipante porque igual suena ruidosamente caótico como tonalmente brutal, y es que suele ser acertadísimo a la hora de expresarse con cualquier instrumento, contando la voz dentro de ellos. La capacidad dramática de expresión de estos tipos puede resumirse en temas brutales como Sunburn o la propia Showbiz.
Hasta los esplendorosos Dream Theater se han visto influenciados por ellos y alguno de sus temas en sus últimas entregas suenan verdaderamente a Muse (oigase el tema Prophets Of War de los americanos). Además este disco contiene la mejor canción a mi parecer de la banda, junto a Citizen Erased, ahí es nada, y no es otra que Muscle Museum. En directo Muse son arrolladores y jamás una canción suena igual dos veces gracias al poderío instrumental de Bellamy, capaz de hacer diabluras, sobre todo, al mando de sus guitarras.
http://xpiffystuff.com/2009/09/30/muse-showbiz-1999/
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Cheer Accident - 1988 - Sever Roots, Tree Dies
Mi primera aproximación al universo de Cheer Accident es su primer álbum editado allá en 1988, una época difícil para una música tan sesuda como la encerrada en esta obra y que me lleva a pensar que seguiré indagando en sus aventuras musicales posteriores.
Es un disco muy curioso por la época de su concepción ya que, por ejemplo, las baterías suenan de verdad huyendo de las más que discutibles 80. Tiene mucha fuerza y creatividad en los cambios, en la rudeza y momentos más calmos, pero es siempre elegante aún en la discordancia. Son arriesgados a la vez que melódicos, con momentos muy jazzeros y otros ciertamente caóticos que hacen pensar en el RIO. La voz del tipo me recuerda dependiendo del momento del lugar a Roine Stolt, John Wetton o incluso al histriónico Derek Shulman. Hay paisajes con cuerdas y hasta con un precioso mellotron. El disco se escucha de forma fresca, somera y acertadísima. De todo un poco hay de parte de este ensamble que lleva muchisimos años en la brecha a pesar de ser casi completos desconocidos, y a los que no hubiese conocido jamás de no ser por mi adorada lista de correo de La Caja de Música.
Un poco de riesgo siempre viene bien, incluso viniendo de los 80!
http://centraldoprog.blogspot.com/2008/08/cheer-accident-sever-roots-tree-dies.html
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Riverside - 2009 - Anno Domini High Definition
Uno de los lanzamientos progresivos del año 2009 es fecundado por una de las grandes sensaciones del panorama mundial desde hace ya varios años. Riverside no sólo no defraudan con su ya quinto disco, sino que se asientan en su estética ahondando en ella y dando más pinceladas de calidad compositiva y otorgando un mayor dinamismo y presencia al vuelo de los teclados de Michael Lapaj. Tanto es así que a veces creo estar escuchando un pasaje instrumental de mis amados Deep Purple.
Anno Domini High Definition se reparte en cinco temazos alrededor de 45 minutos, tirando hacia el minutaje antiguo, donde sigue presente el progresivo de carácter metálico de sus trabajos predecesores pero donde se da gran cabida a un heavy prog de tinte añejo con mucha presencia tecladística en solos y doblando a la guitarra Piotr, que parece menos anclada en ese efecto anatémico tan característico. Mariusz Duda sigue impecable en la voz, pero quizá es menos protagonista que en discos anteriores, cediéndolo más al conjunto instrumental y al equilibrio poderosísimo que rezuman los temas, llenos de claroscuros, cambios incesantes y estructuras variadas, ricas y entretenidísimas. El disco se escucha del tirón hasta la estupefacción de que estos polacos lo han vuelto a hacer y siguen erigiéndose como una de las referencias fundamentales del progresivo más duro de nuestros tiempos. El éxito que cosechan se lo ganan disco a disco, y ya van cinco!
http://melovoyage.blogspot.com/2009/06/riverside-ano-domini-2009.html
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Emerson, Lake And Palmer - 1971 - Tarkus
ELP fue de los primeros supergrupos de la historia, entonces en pañales, del movimiento progresivo mundial. Bajo la batuta egocéntrica y megalómana del diablo de los teclados, Keith Emerson (viniendo de The Nice), la clase en el bajo y la personalísima voz de Greg Lake (viniendo, nada más y nada menos, de King Crimson) y uno de los bateristas más dinámicos e imaginativos del contexto progresivo de la época en la figura de Carl Palmer (viniendo, ahí es nada, de Atomic Rooster), ELP se configuraron como uno de los adalides de la fusión de la música clásica más ortodoxa con el mundo y los canones del rock, llegando a vender millones de copias y a la fama mundial.
Su segundo trabajo es el que más me gusta, y tengo colgado a su protagonista, el tanque-armadillo, en la pared de mi cuarto entre vinilos de Kansas, The Cure, U.F.O. y R.E.M. Este disco está fundamentado en su primera cara, ocupada en toda su extensión por Tarkus. Aquí se da rienda suelta a todo el dominio compositivo del trío, tejiendo una amalgama de texturas, de tiempos y ambientes que hacen del tema una de las piezas fundamentales del progresivo cimentado en cortinas de teclados de todo tipo. Emerson se configura en todo el corte como un magistral intérprete del hammond, el mogg y el piano, tanto en lo compositivo como en lo pasional que trasciende. Lake y Palmer cimentan todo eso a la perfección, incluso el primero lanza alguna que otra guitarra bastante acertada, dando a pensar qué hubiera sido de esta banda de contar con un cuarto megalómano a las seis cuerdas.
El resto de temas son quizás de un menor calibre, sobre todo Jeremy Bender y la excusa cachonda de Are You Ready, Eddie?, dedicada al productor del disco, Eddie Offord. Aún así, me parecen francamente buenas Bitches Crystal y Infinite Space.
Otro disco fundamental y de los grandes al que cualquiera que se acerque al progresivo debería atender.
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R.E.M. - 1986 - Life's Rich Pageant
Sin duda, mi disco más preferido, soñado y vivido de R.E.M. es Automatic For The People. Ese disco desprende una magia y una vitalidad muy especial. Pero no sé cómo ni porqué, ayer me encontraba en el coche y me puse a escuchar este Life's Rich Pageant y volví a sentir lo vibrante, lo fresco, lo terriblemente sincero y acogedor que es y pensé que seguramente este era el primer gran disco de R.E.M., el que los configuró definitivamente como una de las bandas más importantes del rock alternativo de los 80 en USA.
Hay terriblemente contagiosas y vitaminadas a lo largo de todo el disco, sonando más rockeros que nunca incluso con ramalazos casi punkis con una acentuación exacerbada en el ritmo, siempre desde la vertiente vitalista e intimista de Stipe y los suyos. Estos temas son Begin The Begin, These Days, Hyena, I Believe y Just A Touch. Y esto no es lo mejor del disco, porque además presenta la que me parece la mejor y más emocionante canción que R.E.M. haya hecho nunca, que no es otra que Fall On Me, donde los coros de Mike Mills son fundamentales para conseguir poner los pelos de punta de la forma que lo hace. Bendita suerte la que tuve de que la hicieran hace ya varios años la única vez que he ido a verlos en directo a Madrid.
Lo dicho, este disco con todo lo bueno que tenían los R.E.M. de entonces con más frescura y cara dura que nunca, con sus temas trascendentales de siempre sobre amor, política desgarrada, sentimiento americano crítico e intimismo, con ese punto de ironía y melancolía que desprende todo lo que Michael Stipe toca.
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Abramis Brama - 2009 - Smakar Söndag
Una de esas delicias sonoras que uno sería incapaz de descubrir sin las nuevas tecnologías es lo que ofrece Abramis Brama al admirador del rock duro más descaradamente setentero. Después de su excelente Rubicon de 2005, la nueva entrega de este año sigue por los mismos derroteros a los que estos suecos nos tenían acostumbrados en sus cuatro álbums anteriores.
Todas las referencias siguen intactas, el poder furibundo de riff en la cumbre y la voz desgarrada y sincera como bandera. Ni trampa ni cartón, rock duro a la stoner directo a la yugular basado en la potencia y en el dinamismo, con algún pequeño momento más acústico y rayando lo psicodélico pero en pildoritas pequeñas. Lo que abunda en el disco son los guitarrazos con sabor añejo y crudo y los riffs poderosos como sustento al vuelo de la voz. Que sí, que entonan en sueco, pero eso no quita ni un ápice al disfrute que se puede sentir con estos tipos.
Aparte de sus bombazos sónicos habituales, con Nej tenemos un momento acústica acompañado de voces femeninas de reminiscencia claramente zeppeliana, uno no puede evitar acudir a la folklórica Bron-Yr-Aur. En Enkel Resa encontramos a los Abramis potentes de siempre, pero con secciones mas aletargadas, lisérgica y psicodélicas. Med On Forsat sea quizá la más larga y ambiciosa de sus canciones.
Viva Suecia!
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Pink Floyd - 1973 - The Dark Side Of The Moon
Uno de los discos más famosos y vendidos de la historia de la música popular contemporánea y seguramente uno de los que más calidad tenga dentro de ese grupo. Si hay un disco de la extensa discografía de Pink Floyd que valga toda una carrera ese es sin duda The Dark Side Of The Moon. A pesar de extensas críticas sobre la valía, originalidad o expresividad de uno u otro disco de los británicos, en ninguno se deja sentir lo que se deja sentir en este con tanta fuerza: pura magia.
Esta es otra de esas producciones musicales a lo largo de la historia que parece tocada por las musas en todas sus concepciones de expresividad y emotividad. Desde principio a fin, esta colección de canciones es onírica y ultraterrenal. En el plano puramente musical, tenemos el progresivo clásico psicodélico y experimental con ramalazos de blues de los Pink Floyd primigenios pero con una concentración alarmante en la composición para crear auténticas obras maestras en cada uno de los temas y sobre todo en su conjunción total.
No voy a decir nada más, simplemente que no escuchar este disco es un delito contra el buen gusto, desde el primer suspiro de Speak To Me a la apoteosis grandiosa de Eclipse (copiada por más de uno, como U2).
http://elpozovina.blogspot.com/2008/03/pink-floyd-dark-side-of-moon-1973.html
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Psicotropia - 2006 - Grog
El progresivo mundial también vibra al ritmo hispano. El segundo álbum de los madrileños Psicotropia rezuma atrevimiento, dinamismo y extremismo por todos lados. Alejados de los ritmos típicos y de la cadencia natural, apuestan por un rock duro progresivo de tinte crimsoniano del duro para adentrarse en un terreno donde los riffs de guitarra predominan musicalmente en compases complejos, llenos de contrarritmos y rupturas, en un alarde del intenso placer que encuentran estos tipos en hacer complejas composiciones.
Esto no redunda en música ininteligible sino más bien te adentra en un universo entre psicodélico y duro que, aumentado aún más por las oníricas letras, hace de la escucha un vibrante viaje. Su tercer disco esta al caer y al parecer recibirán la ayuda de algunos miembros de los también hispanos Kotebel.
El progresivo nacional, a pesar de gozar de escasa repercusión, también goza de buena salud con grupazos como Senogul, Kotebel o los propios Psicotropia, capaces cada uno de ellos desde distintas vertientes del progresivo de completar grandes obras a la altura de cualquier banda internacional de renombre dentro del género.
http://spanishprogressiverock.blogspot.com/2008/01/psicotropa-grog.html
http://www.myspace.com/psicotropia
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Green Manalishi - 2007 - Unknown Force
Gracias a Uxío y a una pequeña referencia a este grupo vasco llegue a la escucha de este, su segundo álbum, llamado Unknown Force. Si a uno no le dicen que esta banda opera dentro de nuestras fronteras de forma contemporánea, sin duda se creería que anda ante compases operados por unos ingleses de pelo largo, buena pegada, pantalones acampanados y buen gusto al mando de sus instrumentos setenteros. Ahí es nada, porque la realidad es mucho mejor que eso y cuando menos te lo esperes podrías disfrutar de su directo.
En Unknown Force hay un buen gusto exacerbado por el rock clásico, las voces melódicas y las lineas rockeras de gran vitalidad. El disco es supervitaminado y sin duda deja un grandísimo sabor de boca, fresco y rockerísimo, con una producción francamente cálida que beneficia a los temas que enganchan y van directo al corazón amante del rock clásico.
Es de estas bandas que te hacen seguir pensando que el rock duro y clásico es el estilo más vilipendiado de nuestra piel de toro, y es que hay por ahí fuera grandísimas bandas que merecen tener más atención por su gran calidad.
http://www.myspace.com/greenmanalishirock
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Blood Ceremony - 2008 - Blood Ceremony
Con ese nombre no nos darán ninguna sorpresa estos canadienses si en su debut oimos claras y serias reminiscencias a Black Sabbath o Black Widow. La sorpresa agradable y que da grandes trazos de color es la presencia de la flauta, tocada por la vocalista, traida aquí y allí en una forma debida claramente a Ian Anderson. Con esos aderezos, decir que las canciones ya sea en su lado más enérgico y oscuro o en los trazos más pastorales, todos rezuman a Black Sabbath por los cuatros costados, tanto en el sonido de las guitarras como del bajo y la batería, como la voz ligeramente impersonal y entonación casi falsa. Los riffs y los tonos bajos y esos desarrollos baterísticos en plan jazzero son la marca de la casa.
Es agradable ver trabajos de este calibre y rotundidad en 2008, recreando una música ya alejada en el tiempo pero que ha envejecido realmente bien y sigue estando de plena actualidad. El sonido es bastante buena en su producción y lo más sobresaliente a mi modo de ver es la calidad de las composiciones, huyendo del protagonismo exacerbado de ningún instrumento, estando todo francamente bien equilibrado y con mucho brillo en el conjunto.
Algo de evolución y tintes más arriesgados serán bienvenidos si esta gente se embarca en una nueva producción musical, pero en este lado de la carretera cualquier cosa en este ambiente es bienvenida con alegría.
http://hard-rock-cafe.blogspot.com/2008/11/blood-ceremony-blood-ceremony-2008.html
http://www.myspace.com/bloodceremony
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Deep Purple - 1972 - Machine Head
Para la vuelta al cole, que mejor que uno de los discos más grandes y legendarios de la historia del rock en todas sus vertientes, en este caso el clásico y duro. Deep Purple llegaron a su cima creativa con Machine Head viniendo de flirtear con el rock clásico, psicodélico y progresivo pasado por el filtro creativo de esos auténticos megalómanos que son Blackmore, Paice y Lord. De la mano de Ian Gillan y Roger Glover conseguirían el sonido que los mostraría al mundo como monstruos del rocanrol, capaces de todo en directo y encabritando a los mejores Zeppelin. Si no lo creen vayan al documento en directo más brutal de la historia, titulado Made In Japan.
Este disco es fundamental para los amantes del rock duro y clásico y también para los más metaleros, y no es nada desdeñable los ramalazos progresivos que, desde el blues o el rock duro, presenta este disco, tal vez un poco menos que en entregas anteriores. En los treinta y tantos minutos de Machine Head todo es clásico atemporal, desde el pelotazo sónico de Highway Star con uno de los solos más famosos de la historia, pasando por el himno rockero por excelencia de Smoke On The Water, el mejor blues de Lazy y la formidable Space Truckin'. Pictures Of Home y Maybe I'm A Leo son quizás clásicos de menor calibre pero que sonrojarían a cualquier melenudo setentero con ansias de triunfar. Es curioso como el tema elegido como single, Never Before, sea el más flojillo del disco.
Deep Purple en su cima creativa sin ningún género de dudas.
http://thehousesoftheholy.blogspot.com/2007/02/deep-purple-machine-head.html
http://www.deeppurple.com/
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Tabletom - 1979 - Mezclalina
Cualquiera malagueño que se considere como tal conoce de una u otra forma a Tabletom, la mítica banda malagueña, ya sea de oidas, de asistir a sus incombustibles conciertos por la provincia, por el carisma de sus componentes, los hermanos Ramírez o ver más de una vez de juerga por las calles del centro al inigualable Rockberto.
Lo cierto es que yo soy de esos que siempre he disfrutado de ellos sin acercarme a su discografía ni de lejos. Es gracias a mi buen amigo Dani y a sus sesiones como DJ fanático que me acerqué a su disco La Parte Chunga y a su himno a la ciudad de Málaga. La curiosidad puede al fin conmigo y entonces descubro este disco, Mezcalina.
Mezcalina es esencialmente progresivo, jamás el combo mañagueño haría algo parecido en toda su extensa carrera en años (que no tanto en discos). Jamás serían tan atrevidos a mi parecer y tan rockeros, tan influenciados por los añejos 70 pero dejando entrever lo que más tarde llegaría a ser su sonido definitivamente malaguita. En tonos muy jazzísticos y con gran presencia de los vientos, como en el resto de sus aventuras compositivas, también encontramos partes muy rockeras y gratamente psicodélicas, donde Rockberto brilla con luz propia con su voz rota pero aún valídisima y perfecta para dar rienda suelta a los sueños de estos malagueños a finales de aquel siglo de oro.
Entiendo perfectamente como este disco está considerado una joya para muchos, porque desde hace unas semanas para mi también lo es. De lo mejor que se ha hecho en mi tierra, aquí al ladito mía.
http://luisan77.blogspot.com/2009/08/tabletom-mezclalina.html
http://www.tabletom.com
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Surfin' Bichos - 1994 - El Amigo De Las Tormentas
El Amigo de Las Tormentas es el unico disco de Surfin' Bichos que he oido hasta el momento y la verdad es que me ha sorprendido gratamente. Me parece que es claramente protagonista la voz y las letras de este tal Fernando Alfaro, el cual escribe de forma muy introspectiva, onírica pero cercana a la vez. La música seguramente es cercana a lo que llamaríamos rock español independiente (etiqueta que me suena a guasa), y al parecer estos tipos fueron muy aclamados por la crítica y fueron abanderados del movimiento en la piel de toro. Creo que tienen un aspecto ruidoso en su rock bastante acertado y muy propio de principio de los 90, de los Pixies incluso algo nirvanero.
Algo que no me hace mucha gracia es la voz femenina metida aquí y allá, me parece que le hace perder energía y fuelle a las canciones, extremadamente antipersonal y del lado del pop que no me llama nada la atención. A pesar de eso las canciones me parecen muy interesantes, sobre todo Comida China y Subfusiles, El Amigo de Las Tormentas y Atracción Planetaria, De Sol a Sol.
Ya digo que no tengo mucha idea sobre esta banda pero me han resultado muy interesantes y desde ya me voy a dedicar a recopilar sus discos que no parecen muchos.
http://es.wikipedia.org/wiki/Surfin%27_Bichos
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Anekdoten - 2007 - Time Of A Day
Anekdoten son de esas delicias que nacieron en los 90 en Escandinavia para recuperar el progresivo sinfónico de toda la vida, versioneando en sus inicios nada menos que a King Crimson. Con los años han llegado a definir un sonido realmente característico que en los primeros compases de cualquier pieza los identifica con la dulzura, con la apertura de abismos interiores y exteriores, con el encuentro con la melancolía y con la furia siempre desde el sentimiento y el alma.
En su último trabajo Time Of A Day consiguen alcanzar la belleza perfecta en forma de canciones. A veces me es difícil consignar lo que encierra este disco, es simplemente tan bello que es imposible de definir. El abuso del mellotron y los teclados vintage me flipa especialmente, el cello y la flauta son identificativos de esta banda, pero igualmente son brutales la base rítmica siempre omnipresente y muy protagonista y el uso de las guitarras cristalinas y acolchadas arpegiando al infinito o arrastrando riffs más pesados de herencia crimsoniana. La producción del disco es simplemente sensacional, las canciones están gratamente beneficiadas en todos los sentidos.
Realmente uno no deja de sorprenderse de escuchar nuevos talentos y música tan sobresaliente en este nuevo siglo. Y una vez más desde Escandinavia. 30 Pieces, A Sky About To Rain, son explosiones de la belleza más melancólica y brutal. El crescendo instrumental donde la compensación armónica y de volumen es sobrecogedora de Every Step I Take. Enigmática y onírica es The Great Unknown con una interpretación vocal mágica. In For A Ride me recuerda intensamente a los primeros Camel en cuanto a las teclas, siendo fan de estos últimos me reconozco entusiasta de esta canción, en la que el bajo tiene preponderancia y hace un trabajo estupendo. Prince Of The Ocean y Stardust And Sand son las más calmada del disco a lo largo de todo su recorrido y en ellas la voz tiene mucho protagonismo aportando gran profundidad con sus letras.
Anekdoten son una banda de 5 estrellas en la escena musical de nuestra época, sea en tono progresivo o en cualquier otro con tendencia artística.
http://pollovolante.blogspot.com/2008/07/anekdoten-time-of-day-2007.html
http://www.anekdoten.se/
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Jimi Hendrix - 1967 - Are You Experienced?
Cualquier rockero de alma conoce al gran Jimi, y si no es así, debería morderse las uñas hasta que no lo conozca. Además de ser recordado como uno de los tipos que más contribuyó a la modernización de la guitarra, en su forma de tocarla, en la búsqueda y experimentación con nuevos sonidos, efectos, distorsiones, Jimi Hendrix tenía un talento para componer, fusionar e interpretar que estará vedado siempre al resto de los mortales. Porque Jimi tenía fuego dentro y necesitaba sacarlo. Y siempre se suele olvidar en general la maravillosa voz y la carnal forma de cantar que tenía.
Este es el disco de debut de la Experience y además de tener canciones fabulosas y suponer un devastador disco de debut en todos los sentidos, encontramos a un Mitch Mitchell estupendo a la batería y Noel Redding cumpliendo bastante bien con unas líneas de bajo clásicas pero efectivas. Aquí la Experience ya empieza a flirtear con esa mezcla de blues, los primeros ramalazos del rock duro que había de venir, la psicodelia pura y todo desde un prisma lleno de alma y gusto por la melodía. Temazos a enmarcar y recordar para toda la historia son Purple Haze, Manic Depression, Hey Joe, The Wind Cries Mary, Fire y Third Stone From The Sun, cuyo fraseo principal he oido decenas de veces en jams de multitud de bandas.
Uno de los discos esenciales para entender el rocanrol en toda su extensión.
http://eclipsedelalma.blogspot.com/2008/09/jimi-hendrix-are-you-experienced-1967.html
http://www.jimi-hendrix.com/
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Van Der Graaf Generator - 1975 - Godbluff
Hace tiempo hice una reseña sobre H To He Am The Only One y lo nombré como mi disco preferido de Van Der Graaf Generator. Su reciente visita al Teatro Cervantes de Málaga me dio la excusa para revisitar sus discos y darme cuenta de que, efectivamente, Godbluff es una auténtica obra maestra, digna de ser monumentada y encandilada por todos los tiempos.
En tan sólo cuatro canciones, realmente épicas, profundas, sesudas, imbrincadas y sentidas como pocas, los reformados Van Der Graaf Generator, como siempre con Peter Hamill liderando el combo, firmaron uno de los mejores retornos de todos los tiempos allá en 1975. Undercover Man, Scorched Earth, Arrow y Sleepwalkers son auténticos estamentos que cuando se llegan a comprender te abren la mente a miles de momentos musicales, tempos, estructuras y vaivenes propios del progresivo.
Un Hamill inconmensurable y totalmente emocionate con esos altibajos, dramáticos, casi físico es el sentimiento que transmite a la hora de cantar, la instrumentacin es tan magnifica, con unos pasajes de teclado encantadores de la mano del propio Hamill y de Hugh Banton, uno de los tipos más sorprendetes que he visto nunca en directo, manejándose con los teclados y el bajo a pedales de forma indescriptible. El disco está lleno de melodías inquietantes, ahora paisajísticas, ahora vibrantes, ahora agresivas, ahora oníricamente dulces. Los vientos de David Jackson para dar el tono épico unas veces, otras acolchado y psicodélico. Guy Evans tampoco se queda atrás en su maestría a las baquetas, estando preciso e imaginativo a la vez.
Vibrante, una perfecta obra de arte de vanguardia para la época y de finura exquisita en la composición e interpretación. Sin duda, uno de los discos fundamentales del rock progresivo clásico y de todos los tiempos.
http://obratotal.blogspot.com/2008/03/van-der-graaf-generator.html
http://www.vandergraafgenerator.co.uk/
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The Screamin' Cheetah Wheelies - 1996 - Live Volume 1 & 2
Los Screamin' Cheetah Wheelies eran una de esas bandas americanas hasta la médula, que desprendían efluvios sureños en cada nota y cada compás. Decir que los amarás si te gustan Lynyrd Skynyrd, los Black Crowes o Gov't Mule es algo evidente. Además, del regusto guitarrístico, la música llena de alma, los riffs cálidos y los momentos de jams más alucinados y electrizantes, tenemos la voz incomparable de Mike Farris, un tipo que sigue en solitario y al que tuve la suerte de contemplar en el Azkena 2009. Mike se dedica ahora a hacer soul rocanrolero de una forma sublime, en la que prima su voz y el mensaje religioso sobre el resto de elementos, pero eso es otra historia.
Donde los Cheetah Wheelies brillaban de verdad era en directo y eso queda testimoniado en documentos como éste, un bootleg que estimo debe ser del año 96-97, tras la edición de su magistral segundo disco llamado Magnolia, donde las versiones de las canciones son más extendidas, con más jams y momentos electrizantes y con un Farris encumbrado a frontman destructor.
Más blues sureño de los 90 para disfrutar a todo volumen.
http://hellyeahrocknroll.blogspot.com/search/label/SCREAMIN%27%20CHEETAH%20WHEELIES
http://www.myspace.com/cheetahwheelies
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Ritual - 2003 - Think Like A Mountain
Como tantos otros llegué a la música de los suecos Ritual gracias a la nueva encarnación de los clásicos sinfónico progresivos Kaipa en este siglo XXI. Y esto es así porque en esos discos canta Patrick Lundström, cantante, guitarrista y alma de Ritual. Si escuchas cualquiera de las canciones en las que él cante entenderás perfectamente porque uso la palabra alma.
Este es el tercer disco de esta banda sueca, de lo mejor que han hecho junto a su último trabajo, The Hemulic Voluntary Band, del cual estaría hablando aquí sin ninguna duda porque es un discazo de progresivo, sino fuera porque Think Like A Mountain sin ser realmente mejor, a mi me remueve las entrañas. Ritual no hace un progresivo complejo, ni sibarita, es un grupo centrado en las canciones, en lo expresivo, usando sus ramalazos progresivos, su gusto por instrumentos acústicos y su buen hacer en arreglos armoniosos, sin muchos malabares pero lo suficientemente interesantes e imbrincados para mantener del oyente ávido y del que busca sensaciones más directas. Como digo, la voz de Patrick hace del conjunto algo verdaderamente especial, su peculiar timbre, su forma acolchada y acogedora se te mete en la cabeza y en los huesos. Auténticas delicias temas como la apertura de What Are You Waiting For, la maravillosa y trascendental Humble Decision, la más rockera y agresiva Explosive Paste, la flotante y onírica Mother You've Gone Much Too Long, el lado más folkie en Moomin' Took My Head y la acústica On y un pelotazo de canción como un pino bajo el título de Infinite Justice.
Estoy harto de decirlo, pero no sé que tiene Suecia que su música me destrona.
http://www.ritual.se
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The Decemberists - 2009 - The Hazards Of Love
Me gusta como ha quedado la imagen de la portada. Este disco merece que todo lo referido a él sea grande. Me parece mentira estar escribiendo esto sobre un disco de una banda de la que me he reido sin tener ni puta idea de lo que hacía. Gracias a Débora y a un ratito a gustísimo en su casa de Edimburgo he tenido la enorme suerte de acercarme a esta banda y a la obra de Colin Meloy, un tipo que tiene una sensibilidad y un genio para escribir canciones y obras de arte en forma de música sólo destinado a los grandes.
Toda la obra de The Decemberists es más que apetecible para el que disfrute de los sonidos folk, con ramalazos de pop independiente, de historias sinceras y de sentimientos a flor de piel. Pero amigos míos, si os gustó The Crane Wife y lo que ese disco apuntaba en cuanto a lo progresivo, en The Hazards Of Love nos encontramos con la OBRA en mayúscula hasta ahora de la banda. Ojalá sigan por estos derroteros en futuras ediciones.
Centrando la música y la letra en un drama trágico sobre el amor con ciertos toques de ironía, romanticismo y aires de cuento, nos encontramos ante uno de esos viajes para los oidos y el corazón que se cruzan en nuestras vidas muy de cuando en cuando. Con muchísimo protagonismo para instrumentos como el acordeón y los hammonds, The Hazards Of Love tiene todas las señas de identidad de esta banda pero también se adentra en terrenos rocosos, en secciones de riffs poderosos y distorsionados y una sección rítmica muy potente a lo largo del álbum. Con esos altibajos y pendientes de todo tipo clásicas del progresivo sinfónico de imbrincada estructura, la voz de Meloy adereza todo el conjunto con su historia estremecedora y su buen gusto por la melodía. Sin que haya especial protagonismo de instrumentos salvo en contadas excepciones, el disco tiene una producción que raya en lo exquisito. El disco es para oirlo del tirón, pero los momentos en los que participa la voz femenina encarnando el personaje de Margaret son realmente para helar la espina dorsal.
Recomendado para cualqueir criatura humana sensible a la música y con ganas de que le pellizquen. Ojalá podamos verlos en directo.
http://lainfinitamelodia.blogspot.com/2009/07/decemberists-hazards-of-love-2009.html
http://www.decemberists.com/
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Rose Hill Drive - 2008 - Moon Is The New Earth
El mundo del rock está de enhorabuena desde que los amiguitos de Rose Hill Drive decidieron juntarse en el instituto para dar rienda suelta a sus sueños y buenos gustos para juntarse en un garage de Boulder, Colorado, y con los años lograr que gente como un servidor siga pensando que el rocanrol es la música por excelencia y que mayores alegrías y sensaciones puede despertar. Ya es un rollo mi historia sobre como me dejaron boquiabierto sin conocerles de nada en aquella memorable edición del Azkena Rock Festival vitoriano, así que pasaré de esa movida para relataros lo que induce en mi interior el segundo disco de estos los hermanos Jake y Daniel Sproul y su compadre Nathan Barnes.
Si sabes de que va la cosa, no voy a decirte que te gustarán si te flipan Led Zeppelin o cualquiera de los power tríos setenteros enraizados en el hard rock bluesero por excelencia. Te diré que vayas a la tienda porque además de eso, el alma y la pasión que ponen estos tios al componer e interpretar sólamente esta reñido con su buen gusto para hacer canciones, construir ritmos básicos pero ardientes, destrozar las guitarras en un fuego eléctrico abrasador y hacer de la música un artificio mágica, lleno de sensaciones positivas y esperanzadores aunque traten todo tipo de temas. En este disco encontramos también algo de stoner, mucha más psicodelia que en el anterior y un buen gusto por las armonías vocales y por los arreglos incendiarios.
Todo en Rose Hill Drive suena a clásico pero con una producción brillante, siendo limpia o crudísima donde la canción lo exige, con una compensación perfecta en los instrumentos que te hace disfrutar de la maquinaría entera y temer que te arrolle como una apisonadora, las guitarras y bajos poderosísimos o hippiosamente psicodélicos y un ciclón a la altura de John Bonham tanto en sonido como en estilo.
Las canciones son un pelotazo de principio a fin, si acaso se echa de menos lo que esta banda es capaz de transmitir en sus increíbles directos, en los que la música prácticamente se hace carne abrasadora.
Rose Hill Drive son de las mejores bandas del mundo, si te gusta el rock de verdad no puedes perdértelas.
http://www.rockrockblog.com/2008/06/rose-hill-drive-moon-is-new-earth.html
http://www.myspace.com/rosehilldrive
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Mahavishnu Orchestra - 1973 - Birds Of Fire
Dentro de mi escasa por no decir paupérrima sabiduría sobre jazz, sí me atrevo de mis propios gustos y de lo que encuentro de este estilo apasionante, y es su cruce en gran número de bandas y discos con el rock en diferentes facetas. La Mahavishnu Orchestra es una de las bandas que en este terreno más me llaman la atención y creo que contribuyeron a esa fusión sónica entre ambos mundos, siendo altamente espirituales y arriesgando en lo variado de las texturas, ritmos e interpretación, sin necesitar mensaje vocal para copar a uno de sensaciones.
Este segundo disco de la Mahavishnu sigue la senda del primero y sigue marcado por la destreza interpretativa y compositiva de uno de los guitarristas más orgánicos y místicos de la historia, que no es otro que John MacLaughlin, y por el violín de John Goodman. La sección rítmica y los arreglos de piano y teclados son igualmente importantes en el sonido de la banda, pero nada como las batallas y vaivenes de las guitarras y violines. El sonido de la Mahavishnu tiene algo especial, algo de tremendamente talentoso y dinámico, virtuoso a la vez que pasional, sin duda desprende algo mágico y trascendental.
Sinceramente es música para escuchar con el corazón y que el tiempo no podrá marchitar por su gran espiritualidad.
http://galope101.blogspot.com/2009/03/mahavishnu-orchestra-birds-of-fire-1973.html
http://www.johnmclaughlin.com/
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Dixie Dregs - 1975 - The Great Spectacular
Los Dixie Dregs encarnan a la perfección lo que la música instrumental puede hacer llegar a sentir al oyente atento o casual. Mezclan el jazz, el country y el rock progresivo de manera fresquísima y directo haciendo de la escucha una lluvia de sensaciones muy agradable, luminosa y divertida. Las diferentes encarnaciones de la banda desde mediados de los 70 hasta nuestros días siempre han tenido a la figura de Steve Morse como estandarte. Steve ha sido nombrado a lo largo de la historia varias veces mejor guitarrista del mundo y este es su proyecto inicial, el cual resucita de cuando en cuando para algunas actuaciones en directo, siendo su principal ocupación actual su propia banda y ser guitarrista principal de Deep Purple (ya desde hace más de 10 años).
Este es el primer LP de los Dregs y en el se conforma lo mejor de su época inicial, en la que la guitarra de Morse no es tan excesivamente protagonista como en otro álbums posteriores. Aquí todos los instrumentos contribuyen con mucho peso específico al producto final, con unas bases rítmicas y estructuras interesantísimas y muy entretenidas. El disco es muy luminoso, se escucha con una facilidad pasmosa a pesar de su relativa complejidad. Yo pongo énfasis en el trabajo del violín que me parece estupendo, amo ese instrumento y su aparación en casi cualquier trabajo relacionado con el rock.
http://hzrdconspiracy.blogspot.com/2007/08/dixie-dregs.html
http://www.stevemorse.com
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Lagartija Nick - 2009 - Las Marcas De Mi Larga Duración
De nuevo aprovechando la ocasión de que los veré relativamente pronto en el Sonorama 2009 de Aranda del Duero, relato mis impresiones tras un par de escuchas de Las Marcas de Mi Larga Duración. Las armas afiladas y directas empuñadas en los dos discos anteriores de Arias y cía están puestas de nuevo en alto en la última entrega de los granadinos Lagartija Nick. Esta formación se está convirtiendo en bastante estable y nos está dando muchas alegrías tanto en el estudio como en el escenario, parece que el cuarteto montado por Antonio Arias, su mujer Lorena Enjuto, el incombustible Erik y el menor de los Lapido ha encontrado su sitio y se encuentra cada vez más cómodo en él.
Todos los que amamos a esta banda encontraremos lo esperado en este nuevo disco. Los temas recurrentes a los que Arias lleva dando vueltas toda su carrera como las drogas, la grandeza y misterio del universo, la literatura, el cine y la ciencia ficción. Todas se siguen dando la mano en el entramado musical, casi místico, que despliegan los granadinos disco a disco. Si el ambiente opresivo y de oscuridad sigue estando presente, ahora también encontramos grandes dosis de luz y ambientes casi poperos y como siempre de psicodelia y furor punk primigenio. En este disco además encuentro que las canciones son mucho más concisas, directas, las ideas y arreglos son muy efectivos, van a la cara y sin remilgos, sin entretenimientos. Esta inmediatez lo hace muy fresco y revitalizante
Me encanta la canción que da nombre al disco en la que se hace una similitud entre un vinilo y una vida, francamente estupenda en el ambiente, gran homenaje al gran círculo negro. Un discazo para escuchar del tirón, llenarte de energía y dar gracias porque tipos como estos que llevan tanto tiempo en la brecha y encima son de nuestra tierra sigan haciendo música emocionante.
http://www.lagartijanick.com/
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High Tide - 1969 - Sea Shanties
Un disco de locura para su época, facturado nada menos que en 1969, el debut de High Tide. Liderados y caracterizados por las batallas trepidantes de la guitarra de Tony Hill y el violín de Simon House, a pesar de que la producción no es lo mejor ni mucho menos, me gusta porque le da una sonoridad cruda y áspera que le da viveza y veracidad. Tenemos auténticas jams con luchas incensantes de guitarras y violines que batallan a lo largo y ancho de todo el disco, sobre todo en sus fases más trepidantes y chirriantes, sirviendo en el resto de ocasiones como soportes melódicos perfectos a las partes cantadas.
Este disco es seminal en cuanto a lo que ofrece en sonoridad de guitarras riffeantes y su intercalamiento con el violín en tramos claramente progresivos y psicodélicos, incluso metaleros para muchos. Estupendos momentos de mayor remanso con una ambientacion de violín estupenda sobre arpegios de guitarra y contemplacion mezclados con los momentos más rugosos y explosivos. La voz de Tony Hill a veces me recuerda mucho a Jim Morrison.
Una de esas joyas que andan ocultas y que sólo se puedan encontrar cuando se escarba bien en las raíces. Menudas raíces tiene el prog. Discos como este con 40 años tienen tal vigencia y poder que debería hacer sonrojar a más de un moderno.
http://peppermintstore.blogspot.com/2008/02/high-tide-sea-shanties.html
http://www.progarchives.com/artist.asp?id=1659
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Yes - 1972 - Close To The Edge
El rock progresivo no sería el mismo sin Yes y sin este disco, obra cumbre y magna dentro del género y de la música popular en general. Música tan ancestral, tan espiritual, tan imbrincada a la vez que emocionante sólo puede cocerse cuando unos tipos están tocados por el genio y las musas. Anderson, Howe, Squire, Bruford y Wakeman consiguieron lo que muy pocos son o han sido capaces de hacer: meter magia en un trozo de vinilo.
Con tan sólo tres canciones a cual más épica, encontramos aquí todo el pastiche que significa rock progresivo sinfónico con todas y cada una de las letras. Close To The Edge, And You And I y Siberian Khatru, tres canciones que por sí solas dan a conocer mundos. Abre los oídos, deja a tu mente que vuele, que imagine y que sueñe con esos paisajes que pintan las guitarras cristalinas y zigzagueantes, el todopoderoso y rimbombante Rickerbacker, el dinamismo y feeling de los ritmos, la maestría y buen gusto de todos los teclados vintage de la época, la voz en falsetto agradable y onírica.
Uno de los discos más importantes del rock progresivo de todos los tiempos.
http://thehousesoftheholy.blogspot.com/2007/05/yes-close-to-edge.html
http://www.yesworld.com/
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Queens Of The Stone Age - 2000 - Rated R
Restingido a todo el mundo, en todos los lugares, todo el tiempo. Eso se puede leer en la tapa del mejor disco del proyecto de Josh Homme tras el fin de Kyuss, aún teniendo en el barco al brutal Nick Oliveri. Los Queens son hoy día un fenómeno de masas y tal vez no muchos conozcan o sepan donde están sus raíces en el desierto de California. Lo cierto es que Josh Homme ha conseguido que sus argucias musicales con forma más experimental y psicotrópica aliñada con caldos más cercanos al mainstream haya llegado a estar en la cumbre del rock mundial por méritos propios.
Este es el segundo disco que facturaron y para mi gusto es el más acertado en cuanto a canciones, si acaso Songs For The Deaf es más visceral, sobre todo por la colaboración de Dave Grohl a las baquetas. Si con Rated R empezaron a ser reivindicados, con Songs For The Deaf se coronaron como grandes del rock internacional. En el caso de este disco estamos ante una suerte de stoner pasado por un filtro más ligero y experimental como decía anteriormente, desechando un poco la forma de cantar de John García e inclinándose por tonos más melodiosos y sutiles en el caso de Homme, porque cuando canta Oliveri le sale el punk que lleva dentro (sobre todo en Quick And To The Pointless). La cuestión es que nos encontramos ante canciones que sin ser excesivamente complicadas, tienen esos pequeños detalles que las llevan más allá y te hacen alucinar, manteniendo los tonos graves en las guitarras y en los punteos, pero desde un lado mucho más etéreo. Aunque aún sigue habiendo grandes huecos para pelotazos hardrockeros como con la inicial y vapuleante Feel Good Hit Of The Summer.
Tenemos en este disco de lo mejorcito de la discografía de los Queens, en su época inicial y actual, como la que abre el disco, The Lost Art Of Keeping A Secret, Autopilot, In The Face, Monsters In The Parasol o el impresionante corte final de I Think I Lost My Headache.
Es curioso como a medida que Kyuss se acercaba a su final sonaba cada vez más denso y más extremadamente stoner y como los Queens están haciendo el camino contrario, estando alejadísimos hoy día de la estética del desierto de aquellos 90 que tanto ha influido a cientos de bandas en todo el mundo. Seguramente sea eso lo que los hace realmente especiales.
http://downloadgraphy.blogspot.com/2008/08/queens-of-stone-age-rated-r.html
http://www.qotsa.com/
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Oasis - 1994 - Definitely Maybe
Dejando de lado el marketing, la polémica y las estupideces de los hermanos Gallagher, no se puede negar que los dos primeros álbums de los de Manchester son de una gran factura, de grandes detalles y de canciones emocionantes y memorables. El paso de los años y las tonterías les pasarían mucha factura, aunque hoy día sigan estando a flote, nada tan chisposo y rocanrolero volverían a hacer desde su debut. Un disco suciete, con dosis de psicodelia y fragancia típicamente inglesa pusieron en el candelero a esta banda en medio mundo. Seguramente marcaron a mi generación como pocas bandas hicieron, siendo para muchos deleznables por su destructivas campañas publicitarias que nos bombardeaban en la radio y televisión por doquier.
Lo innegable son las canciones, la inspiración en los 60, el buen hacer de Noel en la composición y en la caradura y talante rocanrolero de Liam, que se metía en el bolsillo con su pose de malababa a cualquier chulito de la época. Live Forever, Supersonic, Slide Away, Up In The Sky, Cigarettes And Alcohol, Rock And Roll Star, Shakermaker...estos chicos no inventaron nada, pero lo hacían con mala follá y directos al corazón, y eso nos ganaba.
Que buenos recuerdos mientras lo oía el otro día en el coche.
http://oidosvirgenes.wordpress.com/2009/03/08/oasis-definitely-maybe-1994/
http://www.oasisinet.com/
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Hypnos 69 - 2006 - The Eclectic Measure
Hypnos 69 es una banda ante la que me quedo sin palabras, son sencillamente acojonantes. A lo largo de todas sus entregas hasta la fecha, esta aún joven banda nos regala un mar de influencias que van desde el space rock, el rock más clásico, la psicodelia, algo de rock progresivo y ramalazos de stoner. En sus comienzos ya mezclaban todos esos ingredientes, pero eran más punzantes y rockeros. En la actualidad gozan de menos agresividad, pero de una grandeza y plasticidad sólo reservada a los verdaderos genios. The Eclectic Measure es un título perfecto para lo que nos ofrecen los hermanos Houtmeyers y sus compinches Tom Vanlaer y Steven Marx. El dinamismo, el buen gusto, la ambientación y lo rockerísimos que pueden llegar a ser convierten a este disco en una de las mejores piezas de artrock que he oido en mucho tiempo. Estos belgas son bastante underground como no podía ser de otra forma, ante esta música rockera y psicodélica, pero igualmente sesuda y compuesta desde la seriedad y el saber hacer.
Un viaje anclado en lo enigmático y en las sonoridades añejas y clásicas, interpretado con una maestría sin igual. Con el bueno de Steve Houtmeyers ha querido tocar la flor y nata de la escena desértica californiana, lo cual no me extraña lo más mínimo viendo el trabajo guitarrístico increíble. Lo mismo suena tan ambiental y lisérgico como el mejor Gilmour o muestra su abanico de riffs pasado por el fuzz a lo Page o Homme.
Lo dicho, muy grande Bélgica.
http://payasosenlalavadora.blogspot.com/2009/06/hypnos-69-eclectic-measure.html
http://www.myspace.com/hypnos69
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Baron Rojo - 1982 - Volumen Brutal
Siguiendo una buena rutina que estoy adquiriendo, comento un nuevo discazo de una banda a la que voy a ver en directo en breve. En este caso, la ocasión es mucho más que especial porque además de ver a los míticos Black Sabbath bajo su cartel actual de Heaven & Hell, nada más y nada menos que podré asistir a la reunión de los míticos Barón Rojo en su formación original con los hermanos De Castro, Sherpa y Hermes Calabria. El fin de semana del Metalway promete simplemente por esas dos actuaciones, lo demás vendrá de gratis.
A lo que vamos. El rock duro más o menos multitudinario de este país sería diferente, no sé si mejor o peor, si no hubiese existido Barón Rojo, influyentes como ellos solos. Me quito el sombrero ante este pedazo de disco, redondo se le mire por donde se le mire y lleno de temazos de rock duro directos a la cabeza y al corazón, lleno de ritmo, guitarras vertiginosas y sección rítmica prodigiosa. Si echamos la vista atrás y vemos la historia, las condiciones de grabación, lo que rodeaba a la banda en aquellos primeros ochenta, la gente que participó de una u otra forma en el estudio, las actuaciones en vivo que dieron en Inglaterra, entendemos que lo único que podía salir de allí sólo podía ser grande. Grande como es Volumen Brutal.
Si tiramos como siempre de lo que realmente importa, y eso son las canciones, sólo hay una que me deja algo indiferente y esa es Dame La Oportunidad. Ahora miramos el resto y nos echamos a temblar. Siguen siendo hoy día, más de veinte años después casi todas aseguradas en cualquier concierto del Barón: Incomunicación, Resistiré, Los Rockeros Van Al Infierno, Las Flores Del Mal, Concierto Para Ellos, Hermano del Rocanrol, Satánico Plan...Barón Rojo encarnaron a la perfección el sentimiento de una parte de su generación, los amantes del rock duro patrio se identificaban a la maravilla con ellos y con sus letras, que a pesar de que alguna ha envejecido regular y te provocan una sonrisilla, es innegable que en su tiempo reflejaban muchos sentimientos aunados de rebeldía y pasión por la música.
Por eso y mucho más...larga vida al Barón!
http://www.elwater.cl/showthread.php?p=998579
http://www.baronrojo.net/
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Pearl Jam - 1994 - Vitalogy
Para muchos este disco marca el fin del iniciático sonido grunge de la banda de Seattle. A mi la verdad es que me importa un carajo tal cosa, reconozco que llegue a Pearl Jam relativamente tarde, cuando publicaron Yield, a pesar de ser totalmente adecuados para mi generación y deber haberme reventado la cabeza junto a Nirvana. Como digo, todo eso me da igual. Para mi este disco de Pearl Jam es su obra cumbre y no creo que hayan hecho nunca nada tan completo, tan artístico y tan lleno de sentimientos encontrados. Si quitamos las aventuras o bromas sonoras repartidas en tres cortes del disco (sobre todo el insufrible final), creo que estamos ante uno de los mejores discos de los 90.
Y si no, baste echar un vistazo a la lista de temas (eliminando las tres chorradicas) y ecahrse a temblar con los temas más abruptos y demoledores, los más calmos e igualmente escalofriantes y llenos de vitalidad y sentimiento, algunos puro rock duro visceral, todo con unas pinceladas de buen gusto y sentido artístico. Last Exit, Spin The Black Circle!!!!, Tremor Christ, Nothingman, Corduroy, Immortality, Satan's Bed, Better Man, Whipping...No sé, me parece tan claro la brutalidad de la colección de canciones que cae por su propio peso.
Un discazo más que significativo para una generación.
http://russelitesmusic.blogspot.com/2009/06/vitalogy-pearl-jam-albummp3-download.html
http://www.pearljam.com/
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Rainbow - 1976 - Rising
Este álbum es sin duda la cima artística del tándem, mejor o peor acompañado, que Ritchie Blackmore y Ronnie James Dio montaron a mitad de los 70 con el nombre de Rainbow. El también grandioso debut ya anticipaba lo que se muestra en este segundo álbum y en Long Live Rock 'N' Roll se comienza a percibir el giro comercial que Ritchie daría a la banda, con la consecuente marcha de Ronnie.
Rising es un disco que seguramente ha influido de forma enorme en la forma de entender el rock más duro, heavy metal o como se lo quiera llamar, de corte épico y fantasioso desde los 70 a nuestros días. Aquí encontramos las armas que Ritchie llevaba depurando en Deep Purple desde sus inicios pero con acercamiento claro a la música clásica y medieval. Todo ello pasado por el filtro del rock y con el aporte magistral de uno de los mejores cantantes de la historia, poniendo magia, ardor, dulzura, estremecimiento y una voz portentosa. Rising tiene todo para perdurar en la historia del rock como un disco enorme, pero sobre todo contiene en su quinto corte una de las canciones más épicas jamás escritas: Stargazer. Dream Theater acaba de editar hace poco una versión de este tema como bonus para la edición de su último disco y, he de decir que admiro enormemente el trabajo de los americanos, no le llega a la original a la suela de los zapatos en emotividad.
Los tres trabajos de Dio con Blackmore son para mi de lo mejor de su carrera, incluso mejor que lo que hizo después con Black Sabbath, y especialmente este disco es para enmarcarlo en oro blanco.
http://demons-eye.blogspot.com/2007/11/rainbow-rising-rainbow.html
http://en.wikipedia.org/wiki/Rainbow_(band)
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Poseidotica - 2008 - La Distancia
Emparentados con el buen gusto, la psicodelia, el stoner y el progresivo con sed de desierto, los argentinos Poseidotica facturan en su segundo trabajo una auténtica obra maestra, y lo dijo sin remilgos ni tapujos. Un disco con tantos matices, tan fluido, tan lleno de altibajos, de ambientes magistralmente interpretados que te sumergen en un mundo totalmente onírico y ajeno a las sensaciones rutinarias. Este música totalmente instrumental está muy arraigada en el pasado, pero suena tan fresca y de verdad porque está grabada en directo en tan sólo un par de días, con una calidez y una veracidad abrumadoras. Aquí todo es narcótico, cuando desean serlo a drede de forma cristalina en los momentos ambientales más acolchados y mágicos y cuando se revuelven en riffs y en contrarritmos más densos y desérticos, demostrando que pueden rockear duro como nadie, pero dentro de la lisergia pura. El trabajo de todos los instrumentos es brutal, la sección rítmica y la guitarrística, sin tirar de artilugios técnicos de locura, sino ahondando en la composición lustrada y en el buen hacer. Hasta el theremin y los teclados análogicos tirados aquí y allá rezuman buen acierto y gusto.
Nunca me canso de oir este disco, tan actual y a la vez tan tradicional, lleno de recovecos y pasajes simbólicos que a la vez tiene una gran directividad y punzada. Mis preferidas son La Distancia, Sueño Narcótico, Tiempo y Espacio, Campo Magnética y la brutal Las Magnitudes, que cierra el disco de forma tan magistral que no puedo dejar de pensar en el próximo disco que nos dejen estos tipos. Además, el libreto es precioso y contiene un relato corto escrito por el bajista Martín Rodríguez también titulado La Distancia, que parece contener la historia que acompaña a la música contenida en el disco. No sabría decir qué fue antes, si el huevo o la gallina.
http://pitucasabierta.blogspot.com/2009/04/poseidotica-la-distancia.html
http://www.poseidotica.com.ar/
Salud!
2009-06-06 - Focus + Mezquita + Marujita - Festival del Lago de Bornos
De vuelta de un fin de semana de los que marcan época, dispuesto a verborrear de las maravillas musicales y sensitivas vividas en el Castillo de Los Ribera de Bornos. Suponía que el fin de semana gaditano sería mágico, pero no hasta tal punto. Ante todo decir que este tipo de citas son algo imborrable de la memoria, poder disfrutar de un género tan complicado, tan underground y tan fuera de las masas es sólo posible porque unos pocos tipos mantienen la llama del rock andaluz y progresivo en el corazón y se arriesgan a montar tinglados como éste para traernos a los que no tuvimos la suerte de disfrutarlos en su momento de mayor esplendor a bandas como Imán Califato Independiente, Cai, Guadalquivir, Bloque...y este año a Focus y Mezquita.
La mágica noche abrió con el gaditano Loboblues que hizo lo que pudo con su guitarra y caja de ritmos para calentar un poco la noche y al poco animado y expresivo público hasta el momento con sus blueses instrumentales.
Marujita comenzó a poner la noche en su sitio y despertó grandes alabanzas y ganas de fiesta en un público mayorcito que empezaba a entregarse al jolgorio y al bailoteo. Este banda es apropiadísima para este festival, andando a caballo entre el rock andaluz con algún ramalazo de progresión en plan El Bicho y canciones más directas y aflamencadas en plan La Cabra Mecánica, de hecho su cantante se parece física e interpretativamente al Lichis en su fase más canija. Los 7 integrantes de Marujita dieron un estupendo concierto, demostrando además su acierto y buen hacer instrumental, sobre todo el dúo guitarrístico, con banjo y mandolina incluidos, y el tipo que se manejaba al piano con un dominio del ritmo latino estupendo. Las voces intercaladas de los dos cantantes, masculina y femenina, también eran muy acertadas y agradables. Encima tuvieron la suerte de que el mismísimo Thijs van Leer saliera a la palestra para una pieza con alta dosis de improvisación en la que tocó la flauta y sacó algunos de esos gorgoritos tan característicos que después volvería a brindarnos.
Focus dio un conciertazo de una magnitud realmente inenarrable para unos tipos como de Thijs van Leer y Pierre van der Linden, con tal bagaje musical y conciertos a sus espaldas. La banda se completa con dos pedazo de músicos de aupa, Bobby Jacobs al bajo, y un brillantísimo Niels van der Steenhoven a la guitarra. Me atrevo a decir sin pestañear que este ha sido uno de los mejores conciertos de rock progresivo que he asistido en mi vida. La conjunción, la magia que consiguen desprender estos cuatro tipos es emocionante a más no poder, en más de una vez se me aguaron los ojos ante la belleza de las piezas desmembradas en tan emblemático lugar. Sin duda, Thijs y Pierre han hallado en Niels a un tipo con un buen gusto y una maestría que hace olvidar al gran Jan Akkerman y dejar boquiabierto al respetable. Los mejores momentos para mi fueron Sylvia, Focus III y una versión acojonantísima de Eruption. Hocus Pocus y Harem Scarem supusieron los momentos más asalvajados y rockeros de una banda que suena potentísima, cojuntadísima y más que digna de presentar su nuevo material y capaces de recuperar sus piezas más antiguas y fundamentales para entender el progresivo europeo. Focus demostraron que su leyenda sigue viva y, para los que no tuvieron la suerte de disfrutarlos en su época de mayor esplendor, la actualidad es un bello e intenso reflejo de lo que fueron sin lugar a dudas. Destacar el trabajo de Pierre van der Linden, que a su edad se marcó dos solazos de locura con una potencia, habilidad y plasticidad acordes a su leyenda como batería, una auténtica gozada. Un concierto espectacular que no se me olvidará en la vida, tanto en lo musical como en lo sensible y personal.
A Mezquita no les había seguido la pista hasta unos días antes del festival, y he de decir que su primer disco supuso para mi una gran sorpresa de fusión de sinfonismo y flamenco, a la altura de Triana o Cai sin lugar a dudas, incluso con una mayor dosis de progresión que los anteriores, siendo mucho más atrevidos en lo rockero, progresivo y en el uso de teclados en el sentido más setentero (otro día lo rescataré para este blog). Su concierto sonó rockerísimo, con ausencia total de guitarras españolas, y con una interpretación y manejo de la instrumentación casi magistral. Me quedo con el recuerdo de la estupenda Recuerdos de Mi Tierra y la emocionantísima Ahora Que Somos Dos.
A buenas horas de la madrugada terminó este mágico Festival del Lago, que ojalá tenga larga vida y nos siga brindando la oportunidad de revisitar y sentir musica tan especial y de verdad durante muchísimo tiempo. Yo intentaré volver año tras año, aunque sea para revivir la felicidad que he sentido en este.
Larga vida a Bornos!
http://www.festivallagodebornos.com/
Salud!
La Vacazul - 2004 - Vienen Tiempos
Nuestro viejo amigo del rock’n’roll y creador de este blog musical me lleva insistiendo y amenazando con que escriba sobre uno de los grandes discos de la poca destacable escena hardrockera española. No puedo permitir que escriba de esto, así que aquí tenemos.
La Vacazul es básicamente un grupo de rock liderado por la figura creativa de Jairo Zavala y Javier Vacas. Es uno más de los proyectos en los que está inmerso Jairo (no nos olvidemos de sus 3000 Hombres, el Depedro y las colaboraciones con multitud de bandas). Y de Vacas, pues me ahorro seguir porque es más de lo mismo o peor. “No pueden parar de crear”.
El álbum que presentamos fue el cuarto de su carrera, en 2004, y, a nivel de críticas y público, el de mayor éxito; no en vano estuvieron dos años dando vueltas para que alguna compañía les contratase. Empezando por el propio CD, que contiene una historia cómic sobre los tiempos que nos vienen, el disco es fascinante. Y coincido con la masa en cuanto a que este es su disco más redondo.
Es un disco mucho más maduro, muy de banda y muy directo y parece a veces que es (no por mala producción) un disco en concierto. Es decir, que no se han dejado nada y que suena totalmente hecho, como si estuviese muy bien ensayado. A veces pienso que es como una larga suite de 50 y pocos minutos. Las cuerdas y las baquetas adquieren su rol rockero de siempre, pero también me gusta que los teclados tengan su importancia y que no sólo sean meros acompañantes. No diría que es un disco extremadamente rockero, es algo más suave que lo anterior, pero se notan algunas pequeñas influencias sureñas.
Los temas fundamentales: “Vienen Tiempos”, “Mucho Mejor”, “Presidemente”, “Mi día”…. Hoy lo he vuelto a escuchar e igual con algunos álbumes quizá habría sacado otro orden para las canciones. “Mi día” suena a despedida. Y un álbum como “Vienen Tiempos” con la presentación cómic y todo, me pide el cuerpo que empiece directamente en el primer tema contándonos qué tiempos son los que vienen, pero bueno… ¡Siempre está el Winamp o similar para que reordenemos las listas de reproducción!
No os digo más. Están grabando su sexto álbum, quinto de estudio. Así que en cuanto acabe la gira de Depedro posiblemente tengamos buenas noticias que contar.
El vídeo, de no mucha calidad económica, “Chico Listo” fue grabado en las calles de la bella ciudad de Málaga. ¡Echadle un vistazo!
http://www.youtube.com/watch?v=QtspthOtKIs
http://www.lavacazul.com/
http://www.myspace.com/vacazul
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