Jean Paul es el proyecto liderado por Raúl Bernal, al que algunos conocerán como teclista de José Ignacio Lapido. En una andadura que comenzó allá por el 2000, ha sido desde que Raúl se afincó en Granada cuando ha comenzado a modelarse de forma apropiada el aspecto actual de Jean Paul, y rodeándose del resto de músicos del maestro Lapido, Víctor Sánchez, Paco Solana y Popi González, andan por los campos de batalla de los escenarios españoles dejando los rastros de sangre y tristeza que se acumulan en sus canciones.
Jean Paul es una banda por y para que Raúl cante, no hay grandes artificios, ni instrumentaciones, están unos textos de escándalo y su voz grave llenándolo todo. Las canciones son semiacústicas y basadas en el folk americano y la canción francesa, con un trasfondo meláncolico y existencialista muy fuerte. Esto es lo que encontramos en su única entrega hasta la fecha, autoeditada y grabada en 2007, el EP Serpientes y Martirios, que puede oirse casi en su totalidad en su myspace y adquirirse en sus conciertos. A principios de 2009 aparecerá su primer larga duración, grabado en Motril, y que seguro que continuará por los derroteros marcados en este primer trabajo.
7 canciones que no salen de mi coche desde aquel concierto en Granada junto a Vetusta Morla. 7 canciones que me ponen los pelos de punta. Era Un Día pone las cosas claras nada más empezar y es una de mis favoritas con frases brutales que dibujan un paisaje y una situación cotidiana al borde del abismo. Pasado El Tiempo me recuerda un poco a ciertas canciones de Nacho Vegas por la forma en que está arpegiada la guitarra que inunda la canción y me parece una canción de amor bestial y descarnada. Fin es posiblemente la más currada y mejor canción del EP (aquí enlazo también el video), dominada por el piano de Raúl y donde los coros de Zahara ponen los pelos de punta. Breviario Del Caos también es estupenda porque pone el contrapunto luminoso al disco, aunque no sea precisamente animoso lo que cuente, da esperanzas dentro del desorden vital. Hay Hombres vuelve a ser profundamente intimista y reposada y de nuevo Zahara pone unos toques de voz muy especiales, sobre todo en el puente instrumental, precioso e intenso. Y de regalo tenemos dos canciones más que parecen grabadas hace más tiempo sólo por Raúl, la estupenda Lagartos, perfecta para cortarse las venas, y la más animada y un poco más vitamínica En El Exilio, que cierra el CD de forma perfecta .
A qué esperas para oírlos, si tienes una fibra viva en el corazón estoy seguro de que latirá con fuerza.
http://www.myspace.com/jeanpauljoue
Salud!
Jean Paul - 2007 - Serpientes Y Martirios
Mogwai - 2008 - The Hawk Is Howling
Aprovechando que voy a verlos en directo en el malagueño Teatro Cervantes a principios del año que viene, dejo por aquí estas impresiones de una de las bandas que me parecen más interesantes del rock experimental contemporáneo.
Aquellos que decidieron llamar a esto postrock seguramente no tendrían muchas bazas o argumentos en su mano de no existir la banda escocesa conocida como Mogwai. Desde su Young Team de finales de los 90, estos tipos han marcado una tendencia y forma de hacer las cosas que ha sido copiada, simulada o tomada como inspiración por una cantidad realmente ingente de bandas.
En esta última entrega, The Hawk Is Howling, todo son perfectos ejemplos de lo que llevan haciendo más de 10 años, de forma que los fans de Mogwai no van a encontrar ninguna sorpresa ni experimento excesivo. Está la fiereza, la suavidad, los altibajos constantes, los cambios melódicos, la instrumentación precisa, sin agobios, en los momentos adecuados, todo medido con precisión para ser anguloso o cristalino, todo dispuesto para alcanzar esos ambientes y clímax que los hacen característicos. Como casi todos sus trabajos, todo es plenamente instrumental y poner el disco en el reproductor puede convertirse en el inicio de un intenso viaje.
Algunos han hablado de inmovilismo después de escuchar el disco (lo cual hablando de Mogwai se me antoja algo quimérico) pero yo creo que a veces esa tan buscada evolución no tiene que ser forzada. Siempre he pensado que lo realmente importante son las canciones, la fibra de la que están hechas y la forma en que se interpreten. Por eso, creo que este es un gran disco de una gran banda.
http://www.mogwai.co.uk/
Salud!
MClan - 1997 - Coliseum
Hoy toca hablar de algo irremediablemente cotidiano. Bandas con infinitas virtudes, buenísimas canciones, alejadas de la comercialidad y la carrera de las listas de éxitos, multitud de reconocimientos por parte de la crítica más ilustre; pero con problemas para subsistir económicamente porque su círculo de admiradores (aunque duros) es muy reducido. Día clave. Entran en contacto con un productor que les hace variar un poco estilos, voces, enfoque y los hacen de oro. Consecuencias: gritos de fans cabreados por “venderse” y explosión de la banda en el mercado nacional de ‘hits’.
Eso parece que ocurrió con los Mclan post-Coliseum. Aunque no me importe que tengan su éxito y no por ello los vaya a demonizar, sí es cierto que hay matices entre los primeros Mclan y los actuales. Coliseum, el álbum grabado en 1997 en Toronto, es hoy por hoy una de las piezas de coleccionistas más importantes del rock en español. Influenciados seguramente por la reapertura del hueco de mercado para con el rock (muy del sur de Norte América) que hicieron los Black Crowes en esa década, es fácil detectar las similitudes entre sí. Un álbum que desde el inicio se sabe que va a conjugar los mejores esquemas del rock de toda la vida: baterías dando palos endiablados, letras ácidas, riffs que llegan a doler por su crudez, sonido de teclado melódico y gravitatorio y sobre todo la enorme voz de uno de los tipos más grandes, Carlos Tarque.
Temas de todo tipo, desde los espectaculares y apoteósicos: “Deja que lo muerda”, “Maxi ha vuelto”, “Algo más fuerte”, pasando por los nostálgicos: “Vuelve”, “Tarde”, “Nacional 120” y “Dónde está la revolución” (¡Salud Ruta N y Ricardo!) para acabar comprobando que desde los tejados todos los gatos son pardos. Me cuesta muchísimo no dejarme llevar por la emoción para convencer con la razón de la calidad de este álbum. Te gustará si te gusta el rock cantado en español y bandas internacionales como: Allman Bros, The Black Crowes, Gov’t Mule. En definitiva, el sonido del buen rock setentero americano. Este disco cerraba una época gloriosa de la banda junto con su primer álbum, Un buen momento (1995) y ha generado un sinfín de nuevos grupos a su vez influenciados en estos dos álbumes: Ron Vudú, 69Revoluciones, Sol Lagarto…
En el anecdotario, un hecho que cambió el transcurso de la banda. Hubo un accidente de tráfico en el transcurso de esta gira en el que resultaron heridos gravemente dos componentes: Iñigo Uribe (teclados) y Juan Antonio Otero ‘Oti’ (batería). Oti estuvo de baja sin saber si volvería a apretar las baquetas, aunque se recuperó unos meses después. Lo de Iñigo fue más grave y la banda decidió no esperarle para el siguiente disco (el que causó los gritos de los fans), “Usar y tirar”. Sólo mencionan un “agradecimiento especial”… Posteriormente, se pudo recuperar para la música de los madrileños 69 Revoluciones.
¡¡¡Sírvanos!!! ¡Whisky, cerveza será lo mejor! (y que le pongan un ron-cola a Migue xD)
www.m-clan.ws
Jose Ignacio Lapido - 2008-11-28 - Málaga, SalaVivero
El Maestro y su banda de visita por Málaga para presentar Cartografía dos años y medio después de la última vez (bueno, eso fue lo que le apuntó El Errante al propio José Ignacio, pero habría que tirar de archivo jeje). Cuando ya parecía que el granadino no iba a traernos su nuevo disco en directo por estas tierras, nos da la sorpresa y anuncia el bolo. Yo me enteré en ese viaje trepidante que hice con Mario y Hale hace un mes para ver la presentación del libro de Jordi Vadell sobre las letras del Maestro (con mini actuación acústica de mis paisanos, Dos Mil Locos, grandes rocanroleros) y para asistir a lo que prometía ser un bombazo: la presentación de Cartografía en Granada. Ese concierto ya lo comenté en este mismo medio, y sinceramente creía que esa actuación sería irrepetible, tanto por calidad, como por longitud de repertorio. Una vez más me equivoqué, un clásico mio totalmente atemporal. Al parecer en la recta final de la presentación del disco, José Ignacio y sus muchachos están repitiendo este concierto por donde quiera que van.
A pesar de que la Sala Vivero estuvo un poquito fría y algo desangelada, quizás demasiado grande para albergar este tipo de bolos, es cierto que la gente respondió y estuvo animando bastante, cosa que a medida que avanzaba el concierto se veía reflejado en las caras de los tipos que andaban encima de las tablas. A mi me parece que esta gente cada vez disfruta más desgranando el universo personal de José Ignacio delante de la gente, se les ve motivados hasta en las peores plazas y con una gran complicidad. El sonido estuvo francamente bien, se escuchó perfectamente el rhodes y el hammond de Raulito Bernal (por cierto, cuanto más escucho el EP de Jean Paul más maravilloso me parece), que suele ser el más perjudicado en estos encuentros eléctricos, y el resto de trupe, Víctor, Paco y Popi estuvieron estupendos como siempre. Me encantó la línea de bajo de Paco para el final apoteósico de Qué Fue Del Siglo XX.
No nombró el setlist porque el que lea esto seguro que ya lo conoce (bueno, dejo una foto...), pero vuelvo a hacer notar que Cartografía en directo es un pelotazo y que Lapido tira cada vez más descaradamente hacia el pop de los 60 y el blues más castizo. Sino échenle una escucha al sonido de su nueva guitarra durante los riffs más añejos.
Espero que eso que se rumorea por ahí sobre el final de la edición de más discos por parte de José Ignacio no sea más que un bulo o que, si acaso, este hombre se eche atrás y nunca se canse de regalarnos sus coplas. Sabemos que es alguien que nunca dejará de hacer canciones, pero esperemos que no se canse de sacarlas a la luz debido a lo complicada que está hoy día la dichosa industria cultural de este país.
Muy graciosa de recordar la típica interlocución público-José Ignacio, con esa mala follá que le caracteriza como buen granadino ilustre que es, a la pregunta del Errante de "¿En qué consiste el truco, José Ignacio?", la respuesta del Maestro no pudo ser más suya... "En comer poco". Quiera o no quiera, hasta en su subsconciente él se considera un tipo maldito.
Gracias a Mario y a Blanca por las fotos, compañeros incombustibles en las noches eléctricas.
http://www.joseignaciolapido.com
Salud!
Quique González y La Aristocracia Del Barrio - 2008-11-13 - Málaga, Sala Vivero
El bueno del señor González lleva consiguiendo desde hace un tiempito hacerse un hueco entre los que de verdad influyen, entre los que de verdad sabes que no te van a defraudar, entre los que de verdad son verdaderos maestros, entre los que de verdad son clásicos del rock nacional. Su voz y su forma de hacer las cosas es ya totalmente propia, no necesita ninguna comparación ni apoyo de nadie.
Su banda actual, La Aristocracia del Barrio con el mago Javi Pedreira y Karlos Arancegui, es la más duradera que ha tenido en toda su carrera y con ella consigue varias cosas: acercarse definitivamente al rock americano más clásico de los Petty, Dylan, sonar realmente crudos, sin trampa ni cartón ni adornos o arreglos coloristas, y rozar de forma muy tangencial lo alternativo y psicodélico gracias a los mil trucos de Pedreira, un guitarrista de portentosos recursos y mayor ffeling, y la forma de tocar de Karlos. Jacob lleva siendo un crack desde siempre, le da un buenísimo sustain y feeling a las líneas de bajo, y no tenía nada nuevo que descubrir en él.
Todo lo anterior, nos lo volvieron a demostrar el jueves en la Sala Viv
ero, al que acudí con la más nutrida representación de amigos malaguitas en mucho tiempo, y en las que se celebraba el 10º aniversario de la carrera del madrileño sobre las tablas. Un setlist elegido por la gente en la web sólo podía depararnos un auténtico aluvión de temazos, unos realmente fieles a los originales, otros llevados al lado más rockero, otros con un perfil más minimalista, pero casi todos con variaciones en cambios de ritmo, de volumenes y en forma de ser tocados. Quique cada vez está más cómodo cantando a medida que pasan los años y se atreve a hacer muchas cosas en pleno directo, a veces le traiciona un poco el ímpetu, pero desprende, y de qué manera, cómo le sangran todas esas canciones por dentro. Perfecto Quique, todo un caballero del rocanrol.
Como siempre, después de
ver a algunas bandas tantas veces en directo, es un aútentico placer encontrarte cara a cara con canciones que nunca has oido en directo, y lo del jueves fue una montaña rusa. Piedras y Flores, Palomas En La Quinta, Pájaros Mojados, Avión en Tierra tocada por Quique en total soledad para delicia del amigo Sergio el Errante, y en la que se tuvo que dejar la piel para llevarla a buen término con la guitarra, Se Nos Iba La Vida, Calles De Madrid, El Campeón...en fin, un dislate al no poderse predecir que iba a ocurrir en el escenario en ningún momento. Evidentemente, tampoco faltaron los grandes clásicos Salitre, La Ciudad Del Viento, Kamikazes Enamorados, Pequeño Rocanrol, una versión más rockera y con compases arrastrados de Cuando Éramos Reyes...Ese es el tipo de concierto que debería estar dispuesto a llevar a cabo cualquier banda digna, capaz de repasar cualquier punto de su discografía sin ningún drama, de forma fiel o adaptando los sonidos, las texturas, y llevándola a nuevos terrenos. Una deliciosa maravilla. Una esperanza y un atisbo de certeza de que Quique seguirá en el camino de las buenas canciones, del rock crudo y de verdad, por mucho tiempo. Gracias a Mario por las fotos!
http://www.quiquegonzalez.com/
Salud!
Tempest - 2001 - Balance
Tempest son una banda afincada en California, pero su alma Lief Sorbye es de Oslo, y eso marca y se nota. Aquí se encuentra, en mi opinión, uno de los mejores ejemplos actuales de mezcla de rock con el folk del norte de Europa. Y hablo de rock y de folk en mayúsculas, porque están igual de presentes las guitarras eléctricas más zigzagueantes, que los violines, flautas y whistles más tradicionales. Y además está Lief y su voz.
Llevan 20 años en la brecha y siguen firmando temas realmente atroces en autenticidad, belleza y armonía. La banda es una maquinaria perfectamente engrasada y de habilidades magníficas a la orden de estupendas canciones, muchas de ellas tradicionales, algunas llevadas a aguas más rockeras, y otras perfectamente defendidas en su augusticidad.
Muy difícil encontrar sus discos por ahí a no ser que los encargues. Ojalá viniesen más y a un mayor número de emplamientos en Europa, porque sin duda un concierto de estos tipos debe ser mucho más que una fiesta. Fíjense en la hermosa colección de mandolinas de Lief Sorbye...la envidia de Jimmy Page!!!
http://www.tempestmusic.com/html/lief.html
Con Balance consiguieron uno de sus mejores discos, sonando realmente maduros, arriesgando en algunos tramos y amarrándose a las raíces en otros, pero siempre estando estupendos y, sobre todo, sonando auténticos. La envidia de más de unos pocos que dicen que hacen rock celta...
http://tinyurl.com/6rwr5p
Password: folkyourself.blogspot.com
http://www.tempestmusic.com
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2008-11-07 - Vetusta Morla+Jean Paul - Granada, Sala El Tren
Una excursión de nuevo a Granada por segunda vez en menos de un mes a visitar la Sala El Tren. Llegamos un pelín tarde, pero gracias a Dios el concierto de Jean Paul sería relativamente largo a pesar de ser sólo los teloneros de Vetusta Morla, pero es que los de Tres Cantos no tienen aún tantas canciones en la mochila como para dar un show de proporciones adecuadas a ese precio.
La cuestión es que Jean Paul, alias Raúl Bernal más amigos, me sorprendieron muy gratamente. Las escuchas anteriores a través de su myspace me habían dejado muy buenas sensaciones y éstas se confirmaron gratamente en directo. Para el que no lo sepa, Raúl Bernal es el teclista de la banda de Lapido, que además se rodea del resto de componentes en este proyecto, con Popi González a la batería, Víctor Sánchez a la guitarra y Paco Solana a los coros y guitarra acústica. También andaban por allí completando la formación un bajista y un tipo haciendo de multinstrumentista con banjo y acordeón!!!
El sonido que consiguieron fue bastante bueno a mi parecer, las canciones desde ahí arriba son todavía más carnales y devastadoras, drama puro saliendo de la gravísima voz de Raúl, que se convierte sin duda en el alma dominadora de las canciones. El acompañamiento y los arreglos brillan intensamente en su simplicidad, con esas notas que Víctor nos brindaba como pequeños rayos de luz. El banjo y el acordeón también le van perfectos a esta raza de canciones que Raúl nos regala. Se les vio muy compenetrados y con ganas de hacerlo bien y llevar todo a buen término. Al final me hice con su EP Serpientes y Martirios (y de regalo dos cervezas para El Peatón), y a la espera me quedo de hacerme con su primer larga duración que debería estar a puntito de caramelo para salir. Ojalá tengan suerte, podamos disfrutarlos durante mucho tiempo y no sean vilipendiados por el asqueroso business musical de este país.
Vetusta Morla parecen haberse convertido en un fenómeno de ciertas proporciones en muy poco tiempo de vida, y yo creo que el rock español debe estar de enhorabuena. Porque si escuchas el disco a las primeras de cambio te convence, a las segundas te oprime, y a las terceras te encanta. En directo todo eso se cumple con un plus más. Desgranaron su Un Día En El Mundo en más o menos una hora y la gente se queda seca de más. El sonido fue buenísimo, los juegos de guitarras cristalinos planearon y se hicieron su sitio, y la banda sonó compactísima sobre una buena base rítmica. Pero, que quieren que les diga, a pesar de que las canciones son buenas, creo que este grupo sería probablemente otro más del montón...si no estuviese Pucho. Este tipo podría estar tocando con una filarmónica detrás y, a pesar de ello, él solito llenaría el escenario. Maldita sea, que voz más maravillosa tiene. Sólo por oir Año Nuevo o Copenhague merece la pena vivir un poquito más.
A ver si no se malean con tanto éxito, parecen que hacen sold out donde quiera que van, y siguen por esa senda de buenas canciones, que fundamentalmente es en lo que consiste todo esto del rocanrol para conseguir lo que ellos están consiguiendo. Convertirse en especiales y brillar con luz propia.
http://www.vetustamorla.es/
http://www.myspace.com/jeanpauljoue
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Extreme - 2008-10-31 - Madrid, La Riviera
El viernes cumplí uno de esos sueños que de los que poco a poco voy cumpliendo a lo largo de mi vida y que cuando era un mozuelo jamás creía que podrían realizarse. Para alguien que cuando tenía 16 añitos y escuchaba día tras día una disco que le sacaba de sus casillas, de una banda que sabía que ya no existía y que probablemente jamás podría ver en directo, de la cual escribía sus frases por doquier en cualquier pizarra, y se hartaba de chillarlo por la calle con su novia y de llorarlo en la soledad de su habitación, lo del viernes era simplemente un ritual, un sacramento.
Así me hicieron sentir Nuno, Gary, Pat y Kevin el viernes. Extreme es una auténtica apisonadora, sus canciones hablan ya por sí mismas y su defensa encima de las tablas no sería siquiera necesaria para explicitar los grandes que son. Pero, amigos mios, en directo Extreme son mastodónticos, y no lo digo ya porque Nuno Bettencourt sea una guitarra hecho hombre y eclipse a cualquiera que se le acerque, es que la banda es compacta, es brillante y te engancha como si fuese la peor de las drogas.
Las sensaciones eran encantadoras durante todo el concierto. Y encima ellos parecían pasarlo igual de bien o más que los que abarrotábamos la Riviera. Uno no puede dejar de pensar cómo tios tan compenetrados en el escenario, con esa pinta de amigachos pudieron separarse en el 1996 dejándonos medio huérfanos a más de uno. Ojalá no se cansen y sigan haciendo discos.
Aquí pongo un enlace a un montón de videos del concierto gracias a esos cacharros celulares que no nos dejan en paz ni de día ni de noche:
http://www.youtube.com/watch?v=hVWQsbqDtpg
http://www.extreme-band.com/
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Jose Ignacio Lapido - 2008-10-18 - Granada, Sala El Tren
No sé cuantas veces he visto ya al Maestro y su banda en directo, jugando fuera o en casa, acústico o directo, presentando todos sus discos en solitario. Pero es que de nuevo lo vuelve a hacer, ponerme en pie, a saltar gritando de forma que al día siguiente tenga la garganta a punto de estallar. Es francamente emocionante ver a este tipo una y otra vez sobre las tablas, con su vida consagrada al rocanrol, fiel a su estilo y a sus canciones.
Cuando apareció a mitad de año su ya quinto disco, Cartografía, tenía un poco de miedo porque su carácter más acústico, íntimo, podrían hacerlo más difícil de defender en directo. No podía estar más equivocado. El Maestro ayer jugando en casa me demostró que la banda puede ejecutar el papel perfectamente y hacer que las canciones den de sí todo lo que encierran en su interior. De Cartografía se hicieron todos los temas a excepción de Largo De Contar y Cuando Se Apaga La Luz, absolutamente todas las restantes, brillando con luz propia Cuando El Ángel Decida Volver, En Mil Pedazos, Nunca Se Sabe y Algo Me Aleja De Ti.
El concierto, además de servirnos para disfrutar de Cartografía en directo, nos reservaba unas pocas perlas, como ese comienzo desolador de Demasiado Tarde, una de las mejores canciones de Lapido que en mi opinión representan su carrera y forma de hacer música de manera perfecta. Otras perlitas que oía por primera vez en directo fueron Me Voy, indiscutible que no debió quedarse este tema como cara B, En Mi Mente, interpretada magníficamente con un trabajo de Víctor encomiable a los coros, y como siempre los momentos ceroinómanos con Zapatos De Piel De Caimán, La Noche Que La Luna Salió Tarde, Esta Noche y Qué Fue Del Siglo XX. Destacar que parece que por primera vez interpretaron la remodelada Sigue Estando Dios De Nuestro Lado que, aunque consigue despertar mi nostalgia y arrancarme la sonrisa y la lágrima a partes iguales, me parece muy inferior a la que conseguían desplegar los Cero en sus actuaciones. Por cierto, magnífica la nueva adquisición de Lapido, una Gibson negra preciosa, para ejecutar esos temas más blueseros y darles ese puntito que no puede conseguir su SG color vino.
En fin, una nueva noche con el Maestro tan redonda como siempre. No puedo olvidarme de que el día fue intensamente lapidiano, con la presentación por la mañana del ensayo titulado En Cada Lamento Que Se Hace Canción que versa sobre las letras de José Ignacio y está escrito por el ilustre Jordi Vadell, miembro de la lista de correo El Poeta Eléctrico (http://www.elpoetaelectrico.com), donde el analísis y la pasión están mezcladas en grandes dosis para conformar una amena y muy informativa lectura. La presentación estuvo estupenda, con bastante gente en la sala Val Del Omar (uno no puede dejar de pensar en Antonio Arias y sus Lagartija Nick), la presencia de Jordi y el propio José Ignacio, y una más que acertada actuación de Juan Antonio y Toni de los malagueños Dos Mil Locos (http://www.dosmillocos.com) interpretando 3 canciones del Maestro en riguroso acústico para los allí reunidos, Tiros, Rincones Secretos y La Antesala Del Dolor. Por supuesto, me hice con las firmas de todos ellos en sus ediciones respectivas. Un día para guardarlo y revisitarlo a menudo.
http://www.joseignaciolapido.com
http://www.elpoetaelectrico.com
http://www.dosmillocos.com
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Super 400 - 2004 - Blast The Message
Kenny, Joe y Lori son Super 400, el power trío del nuevo milenio, como a ellos les gusta nombrarse. Aquí no hay ni trampa ni cartón, rock and roll castizo, lleno de soul, con un gusto por las melodías y los arreglos directos y cálidos, con una dulzura que mata de espanto. Las raíces de estos tipos son tan claras y son sonido tan espiritual y lleno de fuerza que es imposible no cautivarse con ellos.
Los conocí también en uno de mis viajes con Hale al Azkena, convirtiéndose en otra más de las razones por las que amo ese festival.
Aquí dejo su segundo álbum Blast The Message, un auténtico placer para el oido, la mente y el alma.
http://www.megadownload.net/download/rs/25279292/super_400_-_blast_the_message.zip
http://www.super400.com/
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2008-08-21 - Sex Museum en la Feria de Málaga
Ayer jueves tuve la suerte de desperezarme en el sofá y echarle ganas para ir al Real de la Feria. Gracias a Dios. Vaya pedazo de concierto. Si en sus discos ya se deja entrever de lo que va la cosa, en directo esto es harina de otro costal. Los hermanos Pardo hicieron el amor con la música durante dos horas, mantenidos por el soldado del rocanrol Javi Vacas proyectando fusilazos con su bajo y con un baterista de espanto, el mexicano Jota. Marta Ruiz pone la elegancia y los pildorazos de hammond, haciendo de la experiencia algo realmente mágico. De las canciones que conozco tocaron auténticos temazos como I've Lost My Faith, Wassa Massa, Flying High, Two Sisters y la increiblemente vitamínica I Enjoy The Forbidden, aparte de marcársela con un Neil Young y un poco de Deep Purple.
Esto convencido de que si estos tipos hubiesen nacido en un país anglosajón otro gallo les cantaría. Es magnífico ver a estos tipos que después de más de 20 años aún siguen peleándose con la carretera y dando conciertazos como éste, en un lugar relativamente hostil, llevándose al público de calle y en el bolsillo. Al final el puesto de camisetas estaba petado de gente y yo me hice con su último trabajo, Fifteen Hits That Never Were, donde revisitan sus grandes "éxitos".
Sex Museum suenan a todo el rock de siempre, pero sobre todo suenan a ellos mismos, son realmente cautivadores, pero sobre todo son desenfrenados, bombásticos y zigzagueantes. Me encantan.
Larga vida a Sex Museum!
http://www.sexmuseumrock.com/
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Wicked Minds - 2006 - Witchflower
http://link-protector.com/262443/
http://link-protector.com/262444/
Jose Ignacio Lapido
Para muchos conocido como "El Maestro", José Ignacio García Lapido lideró desde la penumbra con su guitarra y sus artes compositivas a la mítica banda granadina 091 durante los 80 y los 90 del pasado siglo. Tras parir algunos de los mejores discos del rock patrio y desmembrarse la banda tras su "Último Concierto" hace más de 10 años, José Ignacio decidió embarcarse en un viaje en el que cantaría sus propias canciones. Enamorado del blues y del rock americano más clásico, sus tonadas hablan sobre los clásicos temas de amor, desesperanza, muerte y rebeldía siempre desde la estética del perdedor, con un profundo sentido de la ironía y, por qué no decirlo, un trasfondo a veces de esperanza.
El ejercicio del canto nunca será el fuerte del mayor de los Lapido, y más si se le compara con el magnífico chorro de voz del frontman de los Cero, José Antonio García, "El Pitos". Pero es su derroche de sinceridad, pasión y actitud rocanrolera lo que hace que, de una vez por todas, él mismo sea el más adecuado para cantar sus letras, siendo por otro lado tan extremadamente personales.
Hasta 2008 no saldría a la luz "Cartografía", el nuevo fruto discográfico de Jose Ignacio y su banda. Y digo su banda porque es la que más continuidad ha tenido en todos estos años, con la incorporación de Paco Solana al bajo al poco tiempo de editarse su álbum anterior. Jose Ignacio sigue en la misma vena compositiva de siempre recogiendo su propio testigo y ahondando un poco más en los medios tiempos, arreglos desnudos y una clara tendencia a poner el silencio en grandes pedestales. Además, se atreve con nuevos registros vocales y giros constructivos un poco inesperados en él, lo cual es muy de agradecer para el oyente acérrimo. La presencia de Raúl Bernal es ya abrumadora, y en muchas canciones toma incluso mayor protagonismo que las guitarras. Es un disco que no sorprenderá al fan de Lapido, pero le seguirá conformando y confirmando como uno de los mejores artífices de su banda sonora vital. Uno no puede más que quitarse el sombrero ante temazos como "Cuando El Ángel Decida Volver", "Escala De Grises", "En Mil Pedazos", "Nada Malo" o "Nadie Sabe".
Como se ha dicho por ahí, estoy de acuerdo en que es un disco monstruosamente defendible en acústico, pero que tal vez tenga sus dificultades con las válvulas ardiendo detrás. Espero tener la oportunidad de ver el show pronto y comprobarlo.
Live - 1999 - The Distance To Here
Sin duda los discos de los americanos Live llegan al alma. En todos ellos encontramos melodías que por sus texturas, melancolía, espiritualidad, fiereza o ganas de vivir, tocan la fibra sensible del más pintado. Y es que Ed Kowalckzyk tiene una de las formas más completas y polifacéticas de cantar al amor en todas sus posibles vertientes y colores.
Seguramente uno piensa que de recomendar uno de sus discos sin pensarlo dos veces habría que citar su exitoso segundo álbum, Throwing Copper, con el que dinamitaron records de ventas en Estados Unidos, y dejaba auténticas joyas del rock adulto como Lightning Crashes, Selling The Drama o I Alone.
Pero a mi personalmente, The Distance To Here es un disco que desde la primera vez que lo oí me pone la carne de gallina. Se me saltaron las lágrimas la primera vez que oí Run To The Water sin entender siquiera lo grandioso de su letra, se me rizan los cabellos con la voz de Ed en Dance With You o We Walk In The Dream.
Es un disco que tiene la producción justa, los temas están arreglados pero sin la devastación de su álbum V o la crudeza de Throwing Copper. Creo que es su mejor obra sin duda, y creo que tardarán mucho en repetir algo parecido, sobre todo viendo sus últimos discos.
http://www.filesend.net/download.php?f=8d9a21cd0bebeaf50143bd8698738a49
http://www.friendsoflive.com/
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Riverside - 2005 - Second Life Syndrome
Riverside son desde hace varios años una de las grandes esperanzas del movimiento progresivo europeo. Los polacos han compuesto hasta la fecha tres álbums realmente buenos, donde se combinan los ambientes y los riffs en un tono oscuro, meláncolico, fantasmagórico, todo dentro de un esquema realmente sinfónico. Muchos los encuadran dentro del progmetal, pero para mi son mucho más sinfónicos que otra cosa.
Aparte de los colchones de teclados y una base rítmica realmente compensada, lo que verdaderamente me encanta de esta banda es por lo que me recuerda a los Anathema de sus mejores años. La voz de Mariusz Duda es realmente cautivadora y enganchante, y el sonido de guitarra de Piotr Grudzinski es una marca de identidad clara desde el primero a fin de los discos.
Este en concreto es el que más me gusta de los tres que tienen publicados hasta la fecha, destacando enfervorecidamente los temas Conceiving You, I Turned You Down y Second Life Syndrome, realmente magníficos. Además, tuve la suerte de verlos en directo cuando telonearon a Dream Theater en Atarfe y dejaron una más que buena impresión, sobre todo teniendo en cuenta que los allí reunidos (jeviatas de toda la vida) no se esperaban nada de aquello.
http://www.megaupload.com/es/?d=XSBWVZ5C
http://www.riverside.art.pl/eng/main.html
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Led Zeppelin - 1975 - Physical Graffiti
Uno de mis discos preferidos de una de las más grandes bandas de todos los tiempos. Creo que le tengo tanto cariño porque fue uno de los primeros albums de los dioses ingleses que oi, pero es que además son más de 80 minutazos de auténtico rocanrol zeppeliano en todas sus posibles vertientes y variantes.
Formado por canciones de varias épocas que de otra forma seguramente no habrían visto la luz, el hecho es apreciable tanto en la diferente producción de las canciones, la poca unidad o cohesion que muy apreciable a veces entre ellas, y sobre todo es remarcable el cambio en la voz de Robert Plant. Dicen que sufrió una operación en sus cuerdas vocales durante aquellos años, cualquiera sabe.
A pesar de todo ello, la colección de canciones es estupenda y resulta tan ecléctica que es muy fácil quedar enganchado a la escucha de principio a fin a pesar de la longitud del trabajo.
Qué decir de la portada, totalmente maravillosa en su edición de vinilo, con sus diferentes carpetas y ventanucos donde apreciar mogollón de escenas a cual más variopinta. Hay incluso interpretaciones sobre el tipo sentado en la escalera con un par de perros negros y las dos puertas del edificio, uno más luminosa y otra más oscura. Adivinad en cual de las dos puertas está situado el individuo en cuestión, que podría ser John Bonham...
Estupendo!!!
http://rapidshare.com/files/118721903/Physical_Graffiti.rar
http://www.ledzeppelin.com/
Depeche Mode - 1989 - 101
Pop electrónico por aquí??? Depeche Mode es eso y mucho más. Después de casi treinta años en la brecha, y de pasar por multitud de pintazas diferentes a cual peor, es imposible no darse cuenta de que los chicos de Basildon esconden mucho más detrás de esa máscara.
Sin duda, de no ser por oirlos gracias a mi hermano jamás estaría escribiendo esto y jamás me habría parado a oir obra tan emocionante. Porque 101 es uno de los directos más alucinantes que jamás he oido, que me hacía temblar hasta los tuétanos con 14 años y lo sigue haciendo hoy día. La película filmada por Anton Corbjin es igualmente emocionante y entrañable.
Esta lista de temas en sus álbums originales pueden sonar desfasados y deshinchados para el buen amante del rock con mayúsculas o minúsculas, pero atendiendo al concepto de la canción, a su temática y a su ambiente, es justo decir que Depeche Mode hicieron grandes canciones desde principios de los 80. Lo que vendría después tampoco tiene desperdicio con discazos como Violator o Songs Of Faith And Devotion.
Ahí queda eso!
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Yawning Man - 2005 - Rock Formations
Conocí este disco hace un par de años, al verlo referenciado en uno de los Azkena Rock Festival a los que he tenido la suerte de ir con mi buen amigo Hale. Este el primer disco de estudio de Yawning Man (y único hasta la fecha), una banda que al parecer lleva desde los 80 dando la brasa en los desiertos de California. Existen historias de todo tipo a su alrededor sobre que tocaban con un generador en medio del desierto. Sus componentes Mario Lalli, Alfredo Hernández y Gary Arce son fundamentales en la escena stoner californiana formando parte de bandas tan fundamentales como Kyuss, Fatso Jetson, Orquesta del Desierto, y ayudar a grabar a Brant Björk su gran "Jalamanta".
Yawning Man hacen jams instrumentales bastante psicodélicas, en directo parece que maratonianas, con guitarras llenas de reverb y tremolos, ambientes envolventes, etéreos y densos. Son francamente sorprendentes y una delicia para la escucha.
Tendré la oportunidad de verlos en el Azkena de este año, y son sin duda uno de los grandes atractivos del festival para contar con mi presencia este año.
En palabras del bueno de Brant Björk en el 2002:
"Yawning Man was the sickest desert band of all time. You’d just be up there in the desert, everybody’d just be hanging, partying. And they’d show up in their van and just, mellow, drag out their shit and set up right about the time the sun was goin’ down, set up the generators, sometimes they’d just go up there and drink beers and barbecue. Sometimes it would be a scene; sometimes it would be very intimate. It was very casual and loose and everybody would like, while they’re playing, everyone would just lounge around. They were kinda like a house band. It wasn’t militant like Black Flag. It was very drugged, very stone-y, it was very mystical. Everyone’s just tripping, and they’re just playing away, for hours. Oh, they’re the GREATEST band I’ve ever seen"
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King Crimson - 1974 - Red
Estamos sin duda ante uno de los grandes pilares del rock progresivo de todos los tiempos. Para algunos King Crimson son de los primeros pioneros del estilo, o al menos, los primeros en poder hacerlo comercializable después de telonear a los Rolling Stones presentando su maravilloso In The Court Of The Crimson King.
Después de mucho vaivenes en la formación, estamos ante su época más estable, con el eterno Robert Fripp junto a una sección rítmica de espanto formada por Bill Bruford y John Wetton, Éste último es uno de los músicos de los 70 que por más bandas importantes ha pasado, dejando en todas el sello inconfundible de sus líneas de bajo y su personal voz.
Red es un disco inconmesurable, que en cinco canciones viaja por diferentes puntos de vista del progresivo. Desde el más heavy de la homónima Red, a la improvisación de Providence o el sinfonismo de Starless. Un disco fundamental para entender mucho del progresivo más duro y enérgico que tanto se prodiga en nuestros días y que ha influido a prácticamente todo aquel que se ha dejado llevar por la aguas del rock más imbrincado y complejo.
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Migue
Rush - 1976 - 2112
Rush es posiblemente la banda más importante que haya salido de Canadá. Este powertrío de lo más poderoso surgió a comienzos de los 70. Muy cercanos al sonido clásico hardrockero y protoprog, muy influenciados por Led Zeppelin, dieron al poco tiempo rienda suelta a tribulaciones más progresivas y a sus más grandes discos a mi modo de ver de mediados de los 70. En los 80 se dieron una vuelta de tuerca a sí mismos reinventándose casi por completo, introduciendo sintetizadores y percusión electrónica, con canciones más cortas aunque no por ello muy radiables pero manteniendo la calidad en la composición y la interpretación en niveles altísimos. Ya en los 90 vuelven al sonido hardrockero de los inicios pero con un sonido totalmente moderno y mucha menos carga de electrónica. Siguen todavía en la brecha editando álbums de calidad después de más de 30 años juntos. Un auténtico lujo.
Este disco es posiblemente una de sus obras cumbres y uno de mis preferidos. La tremenda canción 2112, que habla sobre viajes espaciales en galaxias distantes donde los monjes del templo de Sirinx guardan la esencia de la música, es una auténtica maravilla y un auténtico himno a pesar de lo zigzagueante de su estructura.
En este disco mezclaron a la perfección esa posición hardrockera basada en los riffs directos, con unas composiciones que van creciendo y complicándose, propias del progresivo de la época. Lo hacen entretenidísimo, lleno de matices, cambios de ritmo y, sobre todo, muy buenas canciones. La voz de Geddy Lee está como siempre soberbia y manteniendo esos registros imposibles. Musicalmente es brutal, siendo los tres músicos magníficos y con una compenetración que da miedo.
Son una de mis grandes espinas en cuanto a conciertos se refiere.
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Duncan Dhu - 1989 - Autobiografía
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The Atomic Bitchwax - 1999 - The Atomic Bitchwax
Este es el estratosférico nombre del proyecto paralelo de Chris Kosnik de Black Nasa y Ed Mundell de Monster Magnet, que poco a poco se ha ido haciendo un hueco en el espacio underground stoner americano y se ha convertido en uno de los grandes referentes del género. A pesar de no contar ya con Mundell y haber reemplazado también a Keith Ackerman en la batería, los Bitchwax actuales siguen siendo los mismos de siempre, ahora con Finn Ryan a las seis cuerdas y también aportando la voz en algunos temas.
En este primer disco de nombre homónimo sentaron las bases de lo que hasta ahora son sus señas de identidad perfectamente reconocibles: temas en su mayoría instrumentales basados en riffs dinámicos y sugerentes, llenas de contundencia en la sección rítmica y velocidad, inmersos en la sonoridad de los 70, con mucho fuzz, reverb y un sonido claramente stoner.
En este primer album forjaron muchos de sus temas clásicos como Hey Alright, Birth To The Earth o Shitkicker.
Perfectos para hondear la melena al viento y pisar el acelerador en las grandes rectas de las autovías.
Están a punto de sacar su cuarto álbum!
http://www.badongo.com/file/4318382
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Anglagard - 1992 - Hybrys y 1994 - Epilog
Se dice que los discos de Anglagard supusieron el renacimiento en los 90 del prog a la vieja usanza, aquel que en los 70 dejaba con la boca abierta y con los sentidos a flor de piel a gran parte de los amantes de la música.
No viví aquello porque entonces era un imberbe, pero el descubrimiento de estos tipos supuso para mi reafirmarme en mi convencimiento de que hay momentos de la historia en que una serie de personas son tocadas por la genialidad, por la belleza, de forma tan sublime que son capaces de parir obras como la que tenemos entre manos. Y esas obras son atemporales.
Sólo nos dejaron dos discos estos suecos, Hybrys y Epilog, inmersos desde entonces en diferentes proyectos, pero dejaron tal huella en la escena progresiva mundial que nadie duda en calificar ambos discos como obras maestras, fundamentales en lo que ha venido después y básicamente preciosos.
El otoño, la oscuridad, el frío, el norte...son las imágenes que se crean en la cabeza si te dejes inundar por los temas. Influidos por el sinfonismo más puro, el folk, los Crimson más dinámicos y oscuros, y con unas atmósferas cargadas de mellotron, estas canciones no pueden dejar indiferente a cualquier con un mínimo de sensibilidad musical.
Francamente imprescindibles.
http://www.mediafire.com/?8zthwmmdakk
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Djam Karet - 2003 - A Night For Baku
Djam Karet son una jam band de California que llevan dando guerra desde los 80. Su nombre es indonesio y significa "Tiempo Elástico", algo más que apropiado.
Escuchar un disco de Djam Karet es embarcarte en un viaje a lo desconocido, a paisajes intrigantes o inmensamente bellos, cristalinos, llenos de luz o embriagadoramente turbadores.
Sus instrumentaciones son imbricadas con una compenetración que roza lo inhumano, y en sus discos han visitado casi todo lo musicalmente soñable, incluso la electrónica, fundamentados en lo que podríamos llamar jazz-rock.
Este disco editado en 2003, A Night For Baku, tiene todo lo que puede esperarse de una colección de canciones de Djam Karet, la banda sonora para un nueva travesía que no sabes donde puede acabar. Estos se dice sobre los Baku: "The Baku are spirits of the dream world who are devourers of evil dreams and nightmares..."
Sólo para oidos inquietos.
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Los Coronas - 2006 - Surfin' Tenochtitlan
Apartado del mundo blog durante unos meses (me quedé sin internet en casa)...
Los Coronas supusieron para mi una de las mayores sorpresas del Azkena Rock Festival 2007 y mi bautismo en la música surf. Tal fue el impacto que me causó, que seguramente los considero mi gran descubrimiento del año pasado. Este disco recopila sus mejores temas grabados de nuevo para la ocasión.
Esta banda nació como idea de Fernando Pardo (de los no menos maravillosos Sex Museum, que también estoy comenzando a apreciar) y David Krahe (ahora a las seis cuerdas con Josele Santiago) y de sus inmensas ganas de hacer rocanrol inflamado de reverberación y surf. El resultado es una auténtica pasada, y encima últimamente cuentan con Javi Vacas (Vacazul, e infinitos proyectos más) al bajo, garantía de calidad. A disfrutar!
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Mother Superior - 2007 - Three Headed Dog
Estoy absolutamente abrumado por el descubrimiento de ayer. Tan sólo he oido un disco de estos tipos, pero es increiblemente acojonante. De nuevo un powertrío que es capaz de sacarme de mis casillas, y es que son capaces de llevar al directo la contundencia, plasticidad y dinamismo que desarrollan en este disco, estamos hablando de una banda con mayúsculas. Quedo a la espera de seguir indagando en su discografía, pero se puede decir que ayer me alegraron, y de qué manera, el día.
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Migue
Anathema - 1999 - Judgement
Creo que los hermanos Canavagh y el bueno de Duncan Paterson no sabían de qué manera iban a estar tocados por la genialidad y por las musas a la hora de componer y crear esta colección de canciones. Sin duda, creo que estamos ante uno de los discos más emotivos de finales del siglo pasado. Una obra realmente cumbre, llena de armonía, fiereza, con esos crecimientos de intensidad casi épicos, rozando el cielo y el infierno a la vez. Como alguna vez leí que se describía el álbum Disintegration de The Cure (algún día también caerá comentario sobre este disco), la música en este disco es "unearthly", algo así como de otro mundo.
Es la obra de la madurez de Anathema, una vez dejado atrás su pasado más doom y siniestro acompañado de voces guturales, con la música puesta en un lugar un pelín más dinámico y menos rotundo pero con sus señas de identidad aún intactas, consiguieron el álbum perfecto con temazos como Deep, Pitiless, Forgotten Hopes o la inconmensurablemente lacrimógena One Last Goodbye. Difícil de igualar.
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Migue
Nebula - 2003 - Atomic Ritual
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091 - 1993 - Tormentas Imaginarias
A partir del álbum 12 Canciones Sin Piedad se empiezan a forjar las auténticas joyas y obras maestras firmadas, como siempre, por José Ignacio Lapido. En mi opinión, Tormentas Imaginarias es el mejor disco de Ceronoventayuno. La banda se encuentraba muy madura, con un sonido apabullante, cristalino y poderoso, afilado y limpio, y consiguió retratar temas redondos que, en algunos casos, ahondan en la perfección. José Antonio García, el Pitos, canta a lo grande y de forma desgarradora y la llegada de Jacinto Ríos y Víctor Lapido parecía llenar de aire fresco la cueva de tres que formaban los dos Josés junto al bueno de Tacho.
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Rose Hill Drive - 2006 - Self Titled
Jake y Daniel Sproul junto a Nathan Barnes son Rose Hill Drive de Boulder, Colorado, y en 2006 publicaron su primer album de estudio y único hasta la fecha. Son una banda con mayúsculas, que sin tener un sólo album editado y a pesar de su juventud ya había compartido escenario con leyendas de la talla de los Who, Black Crowes, Queens Of The Stone Age, Wilco o Gov't Mule. Simplemente con la ayuda de un directo arrollador, demostrando sus armas afiladas, apasionadas y explosivas, el powertrío se ha ganado una base de fanáticos no sólo en USA, sino alrededor de todo el mundo. Su mezcla de rock poderoso y blues con unos arreglos dinámicos y la voz imposible de Jake Sproul nunca te deja respiro y siempre deja con ganas de más. Permanecen impredecibles pero siempre te aseguran que lo nuevo que vas a oir te dejará boquiabierto, con ganas de repiquetear con la bota en el suelo, menear la melena al viento o dar un auténtico grito de alegría.
Tuve la suerte de conocerlos en el Azkena Rock Festival del año 2005, donde partían en una posición malísima (4.30 de la tarde) y se fueron como uno de los grandes vencedores de todo el festival. No en vano volvieron a España en 2007 gracias al gran éxito cosechado. El sonido de los temas de la banda que se podían encontrar por la red antes de que se editara su primer album es para echarse a temblar, porque no sólo sus temas propios derrochan calidad a raudales, sino que se atreven a dar conciertos en los que versionean discos enteros, como el Led Zeppelin II, sonando como un verdadero huracán. En este primer álbum se recogen un par de canciones de estas demos, Cool Cody y Man On Fire (versión final de Soul On Fire), un poco retocadas e incluso con diferentes letras pero igual de contundentes y maravillosas.
En el disco hay sitio para los Rose Hill Drive más rudos que encontramos en las demos, con temas como Showdown, Raise Your Hands o The Guru, y para el lado más acústico con una concatenación de canciones que definen un único concepto en la forma de In The Beginning, Brain Novocaine, Declaration Of Independence and It's Simple. La canción más épica del disco es Reptilian Blues con más de ocho minutos de deseos y anhelos entre riffs electrizantes.
Rose Hill Drive son energía pura y dura, sin contemplaciones, sin remilgos, sinceros, te miran cara a cara y se desnudan con toda la contundencia y elegancia de su juventud. Lo mejor está por llegar.
http://www.rosehilldrive.com/
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Kansas - 1976 - Leftoverture
Empezaré este pequeño espacio con uno de mis discos más amados. Recientemente me regalaron una copia en vinilo y completé así la colección de la época dorada de esta banda americana, tan mágica e influyente en relación al género en cuestión. Pocas bandas han sido capaces de conseguir tal armonía y capacidad de expresión conjunta en letra y música. Especialmente este álbum y el siguiente que editarían en 1977, Point Of Know Return, me ponen los pelos de punta y sin duda serían los discos que, de elegir, me llevaría a un isla desierta.
http://www.kansasband.com/
Salud!
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