Luminoso Y Desértico

Lynyrd Skynyrd - 1973 - Pronounced Leh-nerd Skin-nerd

2009-10-14T11:27:00.000-07:00

Aprovecho que estoy a la escucha su segundo disco en un vinilo que me han regalado recientemente para recordar a los mejores Lynyrd Skynyrd. Nuestros trágicamente desaparecidos héroes de hoy no crearon el epíteto sureño que se aplica a esta trama rockera, pero sin duda alguna son sus grandes adalides y seguramente no existe un disco que mejor represente ese sonido que su disco de debut.

Un álbum acojonante en el que la mezcla de blues, garaje guitarrero y sonido americano destila fuerza y alma en todos y cada uno de los cortes. Es increíble como son capaces de sonar tan poderosos, rotundas y cortantes como en I Ain't The One o Gimme Three Steps o la parte final de Freebird y deliciosamente melódicos, dulces y románticos como en Tuesday's Gone, Simple Man o la propia Freebird. La presencia de las tres guitarras dieron a la banda la posibilidad de explayarse melódicamente y crear capas y capas de riffs, arpegios y quintas a saco, dando un poder y una calidez a las texturas de las canciones que hacen del sonido de los americanos algo único y que nadie ha sido capaz de repetir. Bueno, y no podemos dejar de alabar la poderosa voz de Van Zandt y su capacidad para escribir tanto letras cachondas de machote sureño, como temas románticos a más no poder o himnos a la libertad tan sinceras que ponen la piel de gallina.

Este disco contiene en su cierre el tema Freebird, una pieza que por sí sola merece toda una carrera musical y es uno de los cantos a la libertad y a la vida más rotundos y emocionantes que se hayan registrado nunca sonoramente, con uno de las secciones finales y solos de guitarra más frenéticos y alucinantes del rock clásico.

Lo bueno de estos tios es que eran tan auténticos y descarados que casi se puede respirar el olor de las válvulas ardiendo, la calidez de la música entrando en la sangre directamente por vena. Si a alguien le gusta el sonido de una guitarra y no mueve los pies escuchando a los Skynyrd es que está definitivamente muerto.

Gary Rossington, uno de los pocos supervivientes del trágico accidente que quitó a la banda del mapa, resucitó hace unos años a la banda, la cual sigue girando sin parar contando con el hermano de Ronnie Van Zant en las voces. Hace poco también fallecieron tristemente Bill Powell y Ean Evans, lo cual me hace acordarme que esta semana también ha fallecido Dickie Peterson, bajista y cantante de los míticos Blue Cheer (porca miseria me perdí ver su alargada sombra en el Azkena 2008). Que descansen todos en paz!

http://fonotecaimprescindible.blogspot.com/2009/06/pronounced-leh-nerd-skin-nerd-lynyrd.html

http://www.lynyrdskynyrd.com/

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Black Sabbath - 1973 - Sabbath Bloody Sabbath

2009-10-14T09:19:00.000-07:00

La historia de Black Sabbath es archiconocida por los amantes del rock duro y clásico setentero, siendo sus primeros seis álbums grabados con Ozzy Ousborne en los gorgoritos considerados obras magnas y precursoras de los géneros pesados en general que aparecerían en años sucesivos hasta nuestros días. De todas las obras del cuarteto ingles, este su quinto disco, Sabbath Bloody Sabbath, es el que más suelo escuchar, el que más me encadila y me fascina.

Todo empieza con una de las mejores canciones del combo, dando título al álbum, con esa sucesión de riffs mastodónticos y partes más suaves, donde la historia desencadenada por Ousborne es apropiadísima para la música apocalíptica que lo acompaña. A National Acrobat es uno de los temas más psicodélicos y progresivos de toda su carrera basada de nuevo en riffs doblados, esta vez disonantes, con unos ramalazos progresivos e increíbles en la parte media y final de la canción que realmente me vuelan la cabeza. Fluff es la típica canción compuesta por Iommi que sirve de contrapunto a toda la fuerza ríffstica de los álbums de Black Sabbath y que demuestra la dulzura y expresividad que tenían estos tipos en su acercamiento más acústico e íntimo a la hora de componer. Sabbra Cadabra sigue con puro rocanrol pero de la mano sabática, con ese sonido a caballo entre el infierno y la psicodelia, encima acicalados con los teclados de, nada más y nada menos, Mr. Rick Wakeman. La segunda parte del álbum se abre Killing Yourself To Live, otra estupenda composición donde Iommi demuestra su destreza y variedad en el buen gusto a la hora de componer. Who Are You? es la canción más extraña y psicodélica escrita por los ingleses en los gloriosos setenta y como para todos los gustos hay colores, a mi me resulta acertadísima su posición en el disco pues le brinda un ambiente de locura realmente inquietante. Looking For Today también se presenta como otra canción estupendamente compuesta, siendo quizá más flexible y menos dura que otras composiciones más clásicas, pero un estupendo broche con el que abrir el cierre inconmesurable en la forma de Spiral Architect. Este es uno de mis temas preferidos de toda la obra sabattiana, donde se muestran arriesgados y experimentales a a la hora de montar el tema musical, con esa estupenda obertura acústica y donde el clímax conseguido es tremendo. Me encanta la letra, lo psicodélico y vibrante de las ideas que transmite, y sobre todo la esperanza y buen gusto que se queda al final.

Una obra magna que los amigos sabáticos no podrían ya repetir jamás y que se convierte en la piedra angular de su carrera.

http://nueva-ola-del-heavy.blogspot.com/2008/08/1973-sabbath-bloody-sabbath-black.html

http://www.black-sabbath.com/

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Silverchair - 1999 - Neon Ballroom

2009-10-08T13:40:00.000-07:00

La historia de Silverchair es bastante curiosa pero no voy a referenciarla aquí habiendo tantos sitios donde se encuentran. Sólo puedo decir que cuando me enteré de que estos muchachos grabaron sus primeros discos en plena adolescencia quedé extrañamente confuso y sorprendido. Bien es cierto que sus primeros discos son un ejercicio sonoro del estilo llevado a la fama por las bandas de Seattle y otras coetáneos enfrascadas en lo que llamamos grunge. A pesar de ello, esos discos son bastante interesantes, con composiciones frescas y bastante redondas y muy sorprendentes para tratarse de gente tan joven.

Pero es a partir de este, su tercer álbum, donde Daniel Jones y cía encuentran el punto de partida creativo para experimentar y buscar nuevos sonidos. Es como si ya no quisieran sonar a las bandas que admiran, sino que quisieran hacer real la música que llevan en sus cabezas y que, especialmente a Jones, le trae por la calle de la amargura. Porque este disco rezuma tristeza, furia y desgarro y es realmente sensible. Temazos imprescindibles del final de una época en Anthem For Year 2000, Emotion Sickness, Black Tangled Heart, Do You Feel The Same, la increiblemente buena Ana's Song o la preciosista Miss You Love. Las nuevas texturas de guitarra bajo y batería, las nuevas inflexiones en la voz de Jones y los arreglos de cuerda y ambientes hacen de este disco algo diferente.

Un disco estupendo de una banda peculiar que ha conseguido subir al pedestal de los que venden millones batallando con demonios típicos de adolescencia, fama y éxito. Terriblemente emocionante.

http://partofthequeue.blogspot.com/2007/07/silverchair-neon-ballroom-1999.html

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Opeth - 2001 - Blackwater Park

2009-10-05T15:02:00.000-07:00

Me sorprendo a mi mismo escribiendo esto y pensando en Opeth como uno de mis descubrimientos del año. Yo que he despotricado tanto sobre estas voces de monstruo de las galletas sin encontrarle mucho sentido artístico. Gracias a Dios, estos suecos estuvieron presentes en el Metalway 2009, al que acudí para ver a Heaven & Hell y del que volví con un sentimiento de estafa bastante agudo. Opeth fueron los únicos que me despertaron y me dejaron perplejo.

Blackwater Park fue mi primer acercamiento a su obra, porque recuerdo que presentaron la canción y fue una de las que me dejó impactado. Sí, sigue habiendo voces de monstruito, pero para nada echan a perder la belleza, fuerza y sentimiento que desprende esta canción y todo este disco. Me atrevería a decir que Opeth se iniciaron en su carrera de forma descaradamente death metal para adentrarse cada vez más en las raíces del folk escandinavo y en los cimientos del progresivo setentero. Además, me da la impresión de que cada vez se alejan más del sonido metalero puro y duro para dar consonancia a muchas de las influencias que Mikael Akerfeldt va dejando entrar en su mundo. Los ramalazos a Porcupine Tree y Pink Floyd son clarísimos, no en vano Steve Wilson ha producido el disco e incluso participa tocando pianos, teclados e incluso cantando. Eso sí, la presencia guitarrística es casi abrumadora tanto en las cadencias metaleras y extremas, con unas composiciones con una intensidad y buen gusto de aupa, como en los idilios más folk con esa calidez armoniosa de la voz clara.

Sin duda voy a seguir en mi exploración por sus senderos sonoros aprovechando mi visita al Progressive Nation (dios mio, que ganas de ver a Big Elf!!!), habiendo caído ya dos discos más, Ghost Reveries y Damnation (donde no hay nada de voz de monstruito!), que también me han parecido estupendos y muy alejados de mis prejuicios sobre esta banda, al encasillarla como una banda metalera sin importancia más.

Hoy sólo puedo decir: METAL!

http://extremecult.blogspot.com/2009/08/opeth-blackwater-park-2001.html

http://www.opeth.com/

Caravan - 1971 - In The Land Of Grey And Pink

2009-10-05T08:32:00.000-07:00

Reconozco que hay un montón de discos por ahí que empezaron a cautivarme con tan sólo ver su portada. El ejemplo de In The Land Of Grey And Pink es uno de los más claros para mi. Sus tonos pálidos grises y rosáceos dejan vislumbrar la suave melancolía, armonía, calidez y clímax que se esconde en los paisajes sonoros de la tercera obra de los mejores Caravan. El sonido Canterbury de nuestros héroes en su momento más colorido, expresivo e inspirado.

En tan sólo cinco canciones los hermanos Sinclair y Pye Hastings marcan las pautas de un estilo abrumador de componer música alegre, simpática y sensitiva sin caer en la ñoñería. Golf Girl, Love To Love You, Winter Wine y In The Land Of Grey And Pink son preciosos ejemplos de combinación de sonido amable con una base rítmica ajustadísima y dinámica sobre una guitarra esponjosa para dar protagonismo a los vaivanes de los teclados y sobre todo a las propias historias contadas. Por si fuera poco, la segunda cara del vinilo estaba ocupada por Nine Feet Underground, uno de los mejores temas de largo recorrido grabado en los 70, que está a la par de otro de los más grandes temas de Caravan, presente en su album anterior y llamado For Richard.
En Nine Feet Underground hay sitio para todos los paisajes instrumentales de los que eran capaces de ensamblar estos tios cuando andaban tocados por las musas al más psicodélico estilo británico. Jams solídisimas en los que el trabajo del león se lo llevan los vuelos de teclado, con efectos de todo tipo y unos vaivenes de bajo y batería que llevan a la canción a la perfección por todos sus recovecos y vericuetos haciendo de la experiencia subterránea toda una gozada.

Uno de los mejores momentos del sonido Canterbury, en su modo más encarado a la canción en lugar de la improvisación.

http://enunacajanegra.blogspot.com/2007/11/caravan-in-land-of-grey-and-pink-1971.html

http://www.caravan-info.co.uk

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Muse - 1999 - Showbiz

2009-10-03T01:48:00.000-07:00

Muse están encaramados desde hace algunos años al olimpo de los que venden discos a cholón y son examinados con lupa tanto por sus fanáticos seguidores como por sus acérrimos detractores. La verdad es que la banda de Matt Bellamy es de las que raramente pueden ser indiferentes. Son manera grandilocuente de expresión, su capacidad para ser fieros a la vez que glamourosos y su histrionismo los hacen una banda peculiar y capaz de catalizar la atención ya sea para bien o para mal. Suenan sobre todo modernos, alternativos, pero con ramalazos progresivos y de rock duro, incluso algo de psicodelia, pero todo desde un tono futurista.

Si sus últimos discos no me están llamando mucho la atención, su primera entrega causó estragos entre los que éramos jóvenes ávidos de nuevas músicas y yo me debo amarlo sobre todo gracias a mi buen Checa. Showbiz suena tan fresco y tan potente como el primer día. La producción del disco es espectacular, con una rotundidad y claridad en los arreglos que potencia lo sabroso de lo compuesto en él. Los pianos, guitarras y voces de Bellamy son los claros protagonistas que eclipsan de alguna forma los buenísimos trabajos de bajo y batería, pero es que el primero es capaz de volarte la cabeza en sus porciones más potentes y rotundas, léase Fillip, Cave, Muscle Museum, Overdue y también en las más románticas y acolchadas como Falling Down o Unintended. Aquí no hay remilgos a la hora de falsetear por doquier y hasta la saciedad o introducir riffs y efectos ruidosos que recuerdan al bueno de Kurt Cobain, pero es que Bellamy también tiene un buenísimo gusto a la hora de interpretar con los teclados y el piano, como en Sunburn. Este tipo es flipante porque igual suena ruidosamente caótico como tonalmente brutal, y es que suele ser acertadísimo a la hora de expresarse con cualquier instrumento, contando la voz dentro de ellos. La capacidad dramática de expresión de estos tipos puede resumirse en temas brutales como Sunburn o la propia Showbiz.

Hasta los esplendorosos Dream Theater se han visto influenciados por ellos y alguno de sus temas en sus últimas entregas suenan verdaderamente a Muse (oigase el tema Prophets Of War de los americanos). Además este disco contiene la mejor canción a mi parecer de la banda, junto a Citizen Erased, ahí es nada, y no es otra que Muscle Museum. En directo Muse son arrolladores y jamás una canción suena igual dos veces gracias al poderío instrumental de Bellamy, capaz de hacer diabluras, sobre todo, al mando de sus guitarras.

http://xpiffystuff.com/2009/09/30/muse-showbiz-1999/

http://muse.mu/

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Cheer Accident - 1988 - Sever Roots, Tree Dies

2009-10-01T07:21:00.001-07:00

Mi primera aproximación al universo de Cheer Accident es su primer álbum editado allá en 1988, una época difícil para una música tan sesuda como la encerrada en esta obra y que me lleva a pensar que seguiré indagando en sus aventuras musicales posteriores.

Es un disco muy curioso por la época de su concepción ya que, por ejemplo, las baterías suenan de verdad huyendo de las más que discutibles 80. Tiene mucha fuerza y creatividad en los cambios, en la rudeza y momentos más calmos, pero es siempre elegante aún en la discordancia. Son arriesgados a la vez que melódicos, con momentos muy jazzeros y otros ciertamente caóticos que hacen pensar en el RIO. La voz del tipo me recuerda dependiendo del momento del lugar a Roine Stolt, John Wetton o incluso al histriónico Derek Shulman. Hay paisajes con cuerdas y hasta con un precioso mellotron. El disco se escucha de forma fresca, somera y acertadísima. De todo un poco hay de parte de este ensamble que lleva muchisimos años en la brecha a pesar de ser casi completos desconocidos, y a los que no hubiese conocido jamás de no ser por mi adorada lista de correo de La Caja de Música.

Un poco de riesgo siempre viene bien, incluso viniendo de los 80!

http://centraldoprog.blogspot.com/2008/08/cheer-accident-sever-roots-tree-dies.html

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Riverside - 2009 - Anno Domini High Definition

2009-09-28T08:36:00.000-07:00

Uno de los lanzamientos progresivos del año 2009 es fecundado por una de las grandes sensaciones del panorama mundial desde hace ya varios años. Riverside no sólo no defraudan con su ya quinto disco, sino que se asientan en su estética ahondando en ella y dando más pinceladas de calidad compositiva y otorgando un mayor dinamismo y presencia al vuelo de los teclados de Michael Lapaj. Tanto es así que a veces creo estar escuchando un pasaje instrumental de mis amados Deep Purple.

Anno Domini High Definition se reparte en cinco temazos alrededor de 45 minutos, tirando hacia el minutaje antiguo, donde sigue presente el progresivo de carácter metálico de sus trabajos predecesores pero donde se da gran cabida a un heavy prog de tinte añejo con mucha presencia tecladística en solos y doblando a la guitarra Piotr, que parece menos anclada en ese efecto anatémico tan característico. Mariusz Duda sigue impecable en la voz, pero quizá es menos protagonista que en discos anteriores, cediéndolo más al conjunto instrumental y al equilibrio poderosísimo que rezuman los temas, llenos de claroscuros, cambios incesantes y estructuras variadas, ricas y entretenidísimas. El disco se escucha del tirón hasta la estupefacción de que estos polacos lo han vuelto a hacer y siguen erigiéndose como una de las referencias fundamentales del progresivo más duro de nuestros tiempos. El éxito que cosechan se lo ganan disco a disco, y ya van cinco!

http://melovoyage.blogspot.com/2009/06/riverside-ano-domini-2009.html

http://www.riverside.art.pl/en/

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Emerson, Lake And Palmer - 1971 - Tarkus

2009-09-28T06:58:00.000-07:00

ELP fue de los primeros supergrupos de la historia, entonces en pañales, del movimiento progresivo mundial. Bajo la batuta egocéntrica y megalómana del diablo de los teclados, Keith Emerson (viniendo de The Nice), la clase en el bajo y la personalísima voz de Greg Lake (viniendo, nada más y nada menos, de King Crimson) y uno de los bateristas más dinámicos e imaginativos del contexto progresivo de la época en la figura de Carl Palmer (viniendo, ahí es nada, de Atomic Rooster), ELP se configuraron como uno de los adalides de la fusión de la música clásica más ortodoxa con el mundo y los canones del rock, llegando a vender millones de copias y a la fama mundial.

Su segundo trabajo es el que más me gusta, y tengo colgado a su protagonista, el tanque-armadillo, en la pared de mi cuarto entre vinilos de Kansas, The Cure, U.F.O. y R.E.M. Este disco está fundamentado en su primera cara, ocupada en toda su extensión por Tarkus. Aquí se da rienda suelta a todo el dominio compositivo del trío, tejiendo una amalgama de texturas, de tiempos y ambientes que hacen del tema una de las piezas fundamentales del progresivo cimentado en cortinas de teclados de todo tipo. Emerson se configura en todo el corte como un magistral intérprete del hammond, el mogg y el piano, tanto en lo compositivo como en lo pasional que trasciende. Lake y Palmer cimentan todo eso a la perfección, incluso el primero lanza alguna que otra guitarra bastante acertada, dando a pensar qué hubiera sido de esta banda de contar con un cuarto megalómano a las seis cuerdas.

El resto de temas son quizás de un menor calibre, sobre todo Jeremy Bender y la excusa cachonda de Are You Ready, Eddie?, dedicada al productor del disco, Eddie Offord. Aún así, me parecen francamente buenas Bitches Crystal y Infinite Space.

Otro disco fundamental y de los grandes al que cualquiera que se acerque al progresivo debería atender.

http://djkoppig.blogspot.com/2008/06/elp-1971-tarkus.html

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R.E.M. - 1986 - Life's Rich Pageant

2009-09-19T02:46:00.000-07:00

Sin duda, mi disco más preferido, soñado y vivido de R.E.M. es Automatic For The People. Ese disco desprende una magia y una vitalidad muy especial. Pero no sé cómo ni porqué, ayer me encontraba en el coche y me puse a escuchar este Life's Rich Pageant y volví a sentir lo vibrante, lo fresco, lo terriblemente sincero y acogedor que es y pensé que seguramente este era el primer gran disco de R.E.M., el que los configuró definitivamente como una de las bandas más importantes del rock alternativo de los 80 en USA.

Hay terriblemente contagiosas y vitaminadas a lo largo de todo el disco, sonando más rockeros que nunca incluso con ramalazos casi punkis con una acentuación exacerbada en el ritmo, siempre desde la vertiente vitalista e intimista de Stipe y los suyos. Estos temas son Begin The Begin, These Days, Hyena, I Believe y Just A Touch. Y esto no es lo mejor del disco, porque además presenta la que me parece la mejor y más emocionante canción que R.E.M. haya hecho nunca, que no es otra que Fall On Me, donde los coros de Mike Mills son fundamentales para conseguir poner los pelos de punta de la forma que lo hace. Bendita suerte la que tuve de que la hicieran hace ya varios años la única vez que he ido a verlos en directo a Madrid.

Lo dicho, este disco con todo lo bueno que tenían los R.E.M. de entonces con más frescura y cara dura que nunca, con sus temas trascendentales de siempre sobre amor, política desgarrada, sentimiento americano crítico e intimismo, con ese punto de ironía y melancolía que desprende todo lo que Michael Stipe toca.

http://music-discography.blogspot.com/2008/07/rem-1986-lifes-rich-pageant.html

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Abramis Brama - 2009 - Smakar Söndag

2009-09-19T02:33:00.000-07:00

Una de esas delicias sonoras que uno sería incapaz de descubrir sin las nuevas tecnologías es lo que ofrece Abramis Brama al admirador del rock duro más descaradamente setentero. Después de su excelente Rubicon de 2005, la nueva entrega de este año sigue por los mismos derroteros a los que estos suecos nos tenían acostumbrados en sus cuatro álbums anteriores.

Todas las referencias siguen intactas, el poder furibundo de riff en la cumbre y la voz desgarrada y sincera como bandera. Ni trampa ni cartón, rock duro a la stoner directo a la yugular basado en la potencia y en el dinamismo, con algún pequeño momento más acústico y rayando lo psicodélico pero en pildoritas pequeñas. Lo que abunda en el disco son los guitarrazos con sabor añejo y crudo y los riffs poderosos como sustento al vuelo de la voz. Que sí, que entonan en sueco, pero eso no quita ni un ápice al disfrute que se puede sentir con estos tipos.

Aparte de sus bombazos sónicos habituales, con Nej tenemos un momento acústica acompañado de voces femeninas de reminiscencia claramente zeppeliana, uno no puede evitar acudir a la folklórica Bron-Yr-Aur. En Enkel Resa encontramos a los Abramis potentes de siempre, pero con secciones mas aletargadas, lisérgica y psicodélicas. Med On Forsat sea quizá la más larga y ambiciosa de sus canciones.

Viva Suecia!

http://blancodesertico.blogspot.com/2009/06/abramis-brama-2009-smakar-sondag.html

http://www.abramisbrama.com/

Pink Floyd - 1973 - The Dark Side Of The Moon

2009-09-10T07:54:00.000-07:00

Uno de los discos más famosos y vendidos de la historia de la música popular contemporánea y seguramente uno de los que más calidad tenga dentro de ese grupo. Si hay un disco de la extensa discografía de Pink Floyd que valga toda una carrera ese es sin duda The Dark Side Of The Moon. A pesar de extensas críticas sobre la valía, originalidad o expresividad de uno u otro disco de los británicos, en ninguno se deja sentir lo que se deja sentir en este con tanta fuerza: pura magia.

Esta es otra de esas producciones musicales a lo largo de la historia que parece tocada por las musas en todas sus concepciones de expresividad y emotividad. Desde principio a fin, esta colección de canciones es onírica y ultraterrenal. En el plano puramente musical, tenemos el progresivo clásico psicodélico y experimental con ramalazos de blues de los Pink Floyd primigenios pero con una concentración alarmante en la composición para crear auténticas obras maestras en cada uno de los temas y sobre todo en su conjunción total.

No voy a decir nada más, simplemente que no escuchar este disco es un delito contra el buen gusto, desde el primer suspiro de Speak To Me a la apoteosis grandiosa de Eclipse (copiada por más de uno, como U2).

http://elpozovina.blogspot.com/2008/03/pink-floyd-dark-side-of-moon-1973.html

http://www.pinkfloyd.com/

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Psicotropia - 2006 - Grog

2009-09-09T07:57:00.000-07:00

El progresivo mundial también vibra al ritmo hispano. El segundo álbum de los madrileños Psicotropia rezuma atrevimiento, dinamismo y extremismo por todos lados. Alejados de los ritmos típicos y de la cadencia natural, apuestan por un rock duro progresivo de tinte crimsoniano del duro para adentrarse en un terreno donde los riffs de guitarra predominan musicalmente en compases complejos, llenos de contrarritmos y rupturas, en un alarde del intenso placer que encuentran estos tipos en hacer complejas composiciones.

Esto no redunda en música ininteligible sino más bien te adentra en un universo entre psicodélico y duro que, aumentado aún más por las oníricas letras, hace de la escucha un vibrante viaje. Su tercer disco esta al caer y al parecer recibirán la ayuda de algunos miembros de los también hispanos Kotebel.

El progresivo nacional, a pesar de gozar de escasa repercusión, también goza de buena salud con grupazos como Senogul, Kotebel o los propios Psicotropia, capaces cada uno de ellos desde distintas vertientes del progresivo de completar grandes obras a la altura de cualquier banda internacional de renombre dentro del género.

http://spanishprogressiverock.blogspot.com/2008/01/psicotropa-grog.html

http://www.myspace.com/psicotropia

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Green Manalishi - 2007 - Unknown Force

2009-09-03T07:36:00.000-07:00

Gracias a Uxío y a una pequeña referencia a este grupo vasco llegue a la escucha de este, su segundo álbum, llamado Unknown Force. Si a uno no le dicen que esta banda opera dentro de nuestras fronteras de forma contemporánea, sin duda se creería que anda ante compases operados por unos ingleses de pelo largo, buena pegada, pantalones acampanados y buen gusto al mando de sus instrumentos setenteros. Ahí es nada, porque la realidad es mucho mejor que eso y cuando menos te lo esperes podrías disfrutar de su directo.

En Unknown Force hay un buen gusto exacerbado por el rock clásico, las voces melódicas y las lineas rockeras de gran vitalidad. El disco es supervitaminado y sin duda deja un grandísimo sabor de boca, fresco y rockerísimo, con una producción francamente cálida que beneficia a los temas que enganchan y van directo al corazón amante del rock clásico.

Es de estas bandas que te hacen seguir pensando que el rock duro y clásico es el estilo más vilipendiado de nuestra piel de toro, y es que hay por ahí fuera grandísimas bandas que merecen tener más atención por su gran calidad.

http://www.myspace.com/greenmanalishirock

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Blood Ceremony - 2008 - Blood Ceremony

2009-09-02T09:39:00.000-07:00

Con ese nombre no nos darán ninguna sorpresa estos canadienses si en su debut oimos claras y serias reminiscencias a Black Sabbath o Black Widow. La sorpresa agradable y que da grandes trazos de color es la presencia de la flauta, tocada por la vocalista, traida aquí y allí en una forma debida claramente a Ian Anderson. Con esos aderezos, decir que las canciones ya sea en su lado más enérgico y oscuro o en los trazos más pastorales, todos rezuman a Black Sabbath por los cuatros costados, tanto en el sonido de las guitarras como del bajo y la batería, como la voz ligeramente impersonal y entonación casi falsa. Los riffs y los tonos bajos y esos desarrollos baterísticos en plan jazzero son la marca de la casa.

Es agradable ver trabajos de este calibre y rotundidad en 2008, recreando una música ya alejada en el tiempo pero que ha envejecido realmente bien y sigue estando de plena actualidad. El sonido es bastante buena en su producción y lo más sobresaliente a mi modo de ver es la calidad de las composiciones, huyendo del protagonismo exacerbado de ningún instrumento, estando todo francamente bien equilibrado y con mucho brillo en el conjunto.

Algo de evolución y tintes más arriesgados serán bienvenidos si esta gente se embarca en una nueva producción musical, pero en este lado de la carretera cualquier cosa en este ambiente es bienvenida con alegría.

http://hard-rock-cafe.blogspot.com/2008/11/blood-ceremony-blood-ceremony-2008.html

http://www.myspace.com/bloodceremony

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Deep Purple - 1972 - Machine Head

2009-09-02T09:07:00.000-07:00

Para la vuelta al cole, que mejor que uno de los discos más grandes y legendarios de la historia del rock en todas sus vertientes, en este caso el clásico y duro. Deep Purple llegaron a su cima creativa con Machine Head viniendo de flirtear con el rock clásico, psicodélico y progresivo pasado por el filtro creativo de esos auténticos megalómanos que son Blackmore, Paice y Lord. De la mano de Ian Gillan y Roger Glover conseguirían el sonido que los mostraría al mundo como monstruos del rocanrol, capaces de todo en directo y encabritando a los mejores Zeppelin. Si no lo creen vayan al documento en directo más brutal de la historia, titulado Made In Japan.

Este disco es fundamental para los amantes del rock duro y clásico y también para los más metaleros, y no es nada desdeñable los ramalazos progresivos que, desde el blues o el rock duro, presenta este disco, tal vez un poco menos que en entregas anteriores. En los treinta y tantos minutos de Machine Head todo es clásico atemporal, desde el pelotazo sónico de Highway Star con uno de los solos más famosos de la historia, pasando por el himno rockero por excelencia de Smoke On The Water, el mejor blues de Lazy y la formidable Space Truckin'. Pictures Of Home y Maybe I'm A Leo son quizás clásicos de menor calibre pero que sonrojarían a cualquier melenudo setentero con ansias de triunfar. Es curioso como el tema elegido como single, Never Before, sea el más flojillo del disco.

Deep Purple en su cima creativa sin ningún género de dudas.

http://thehousesoftheholy.blogspot.com/2007/02/deep-purple-machine-head.html

http://www.deeppurple.com/

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Tabletom - 1979 - Mezclalina

2009-08-24T08:07:00.000-07:00

Cualquiera malagueño que se considere como tal conoce de una u otra forma a Tabletom, la mítica banda malagueña, ya sea de oidas, de asistir a sus incombustibles conciertos por la provincia, por el carisma de sus componentes, los hermanos Ramírez o ver más de una vez de juerga por las calles del centro al inigualable Rockberto.

Lo cierto es que yo soy de esos que siempre he disfrutado de ellos sin acercarme a su discografía ni de lejos. Es gracias a mi buen amigo Dani y a sus sesiones como DJ fanático que me acerqué a su disco La Parte Chunga y a su himno a la ciudad de Málaga. La curiosidad puede al fin conmigo y entonces descubro este disco, Mezcalina.

Mezcalina es esencialmente progresivo, jamás el combo mañagueño haría algo parecido en toda su extensa carrera en años (que no tanto en discos). Jamás serían tan atrevidos a mi parecer y tan rockeros, tan influenciados por los añejos 70 pero dejando entrever lo que más tarde llegaría a ser su sonido definitivamente malaguita. En tonos muy jazzísticos y con gran presencia de los vientos, como en el resto de sus aventuras compositivas, también encontramos partes muy rockeras y gratamente psicodélicas, donde Rockberto brilla con luz propia con su voz rota pero aún valídisima y perfecta para dar rienda suelta a los sueños de estos malagueños a finales de aquel siglo de oro.

Entiendo perfectamente como este disco está considerado una joya para muchos, porque desde hace unas semanas para mi también lo es. De lo mejor que se ha hecho en mi tierra, aquí al ladito mía.

http://luisan77.blogspot.com/2009/08/tabletom-mezclalina.html

http://www.tabletom.com

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Surfin' Bichos - 1994 - El Amigo De Las Tormentas

2009-08-24T07:46:00.000-07:00

El Amigo de Las Tormentas es el unico disco de Surfin' Bichos que he oido hasta el momento y la verdad es que me ha sorprendido gratamente. Me parece que es claramente protagonista la voz y las letras de este tal Fernando Alfaro, el cual escribe de forma muy introspectiva, onírica pero cercana a la vez. La música seguramente es cercana a lo que llamaríamos rock español independiente (etiqueta que me suena a guasa), y al parecer estos tipos fueron muy aclamados por la crítica y fueron abanderados del movimiento en la piel de toro. Creo que tienen un aspecto ruidoso en su rock bastante acertado y muy propio de principio de los 90, de los Pixies incluso algo nirvanero.

Algo que no me hace mucha gracia es la voz femenina metida aquí y allá, me parece que le hace perder energía y fuelle a las canciones, extremadamente antipersonal y del lado del pop que no me llama nada la atención. A pesar de eso las canciones me parecen muy interesantes, sobre todo Comida China y Subfusiles, El Amigo de Las Tormentas y Atracción Planetaria, De Sol a Sol.

Ya digo que no tengo mucha idea sobre esta banda pero me han resultado muy interesantes y desde ya me voy a dedicar a recopilar sus discos que no parecen muchos.

http://es.wikipedia.org/wiki/Surfin%27_Bichos

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Anekdoten - 2007 - Time Of A Day

2009-08-07T00:41:00.000-07:00

Anekdoten son de esas delicias que nacieron en los 90 en Escandinavia para recuperar el progresivo sinfónico de toda la vida, versioneando en sus inicios nada menos que a King Crimson. Con los años han llegado a definir un sonido realmente característico que en los primeros compases de cualquier pieza los identifica con la dulzura, con la apertura de abismos interiores y exteriores, con el encuentro con la melancolía y con la furia siempre desde el sentimiento y el alma.

En su último trabajo Time Of A Day consiguen alcanzar la belleza perfecta en forma de canciones. A veces me es difícil consignar lo que encierra este disco, es simplemente tan bello que es imposible de definir. El abuso del mellotron y los teclados vintage me flipa especialmente, el cello y la flauta son identificativos de esta banda, pero igualmente son brutales la base rítmica siempre omnipresente y muy protagonista y el uso de las guitarras cristalinas y acolchadas arpegiando al infinito o arrastrando riffs más pesados de herencia crimsoniana. La producción del disco es simplemente sensacional, las canciones están gratamente beneficiadas en todos los sentidos.

Realmente uno no deja de sorprenderse de escuchar nuevos talentos y música tan sobresaliente en este nuevo siglo. Y una vez más desde Escandinavia. 30 Pieces, A Sky About To Rain, son explosiones de la belleza más melancólica y brutal. El crescendo instrumental donde la compensación armónica y de volumen es sobrecogedora de Every Step I Take. Enigmática y onírica es The Great Unknown con una interpretación vocal mágica. In For A Ride me recuerda intensamente a los primeros Camel en cuanto a las teclas, siendo fan de estos últimos me reconozco entusiasta de esta canción, en la que el bajo tiene preponderancia y hace un trabajo estupendo. Prince Of The Ocean y Stardust And Sand son las más calmada del disco a lo largo de todo su recorrido y en ellas la voz tiene mucho protagonismo aportando gran profundidad con sus letras.

Anekdoten son una banda de 5 estrellas en la escena musical de nuestra época, sea en tono progresivo o en cualquier otro con tendencia artística.

http://pollovolante.blogspot.com/2008/07/anekdoten-time-of-day-2007.html

http://www.anekdoten.se/

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Jimi Hendrix - 1967 - Are You Experienced?

2009-08-01T05:42:00.000-07:00

Cualquier rockero de alma conoce al gran Jimi, y si no es así, debería morderse las uñas hasta que no lo conozca. Además de ser recordado como uno de los tipos que más contribuyó a la modernización de la guitarra, en su forma de tocarla, en la búsqueda y experimentación con nuevos sonidos, efectos, distorsiones, Jimi Hendrix tenía un talento para componer, fusionar e interpretar que estará vedado siempre al resto de los mortales. Porque Jimi tenía fuego dentro y necesitaba sacarlo. Y siempre se suele olvidar en general la maravillosa voz y la carnal forma de cantar que tenía.

Este es el disco de debut de la Experience y además de tener canciones fabulosas y suponer un devastador disco de debut en todos los sentidos, encontramos a un Mitch Mitchell estupendo a la batería y Noel Redding cumpliendo bastante bien con unas líneas de bajo clásicas pero efectivas. Aquí la Experience ya empieza a flirtear con esa mezcla de blues, los primeros ramalazos del rock duro que había de venir, la psicodelia pura y todo desde un prisma lleno de alma y gusto por la melodía. Temazos a enmarcar y recordar para toda la historia son Purple Haze, Manic Depression, Hey Joe, The Wind Cries Mary, Fire y Third Stone From The Sun, cuyo fraseo principal he oido decenas de veces en jams de multitud de bandas.

Uno de los discos esenciales para entender el rocanrol en toda su extensión.

http://eclipsedelalma.blogspot.com/2008/09/jimi-hendrix-are-you-experienced-1967.html

http://www.jimi-hendrix.com/

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Van Der Graaf Generator - 1975 - Godbluff

2009-07-29T12:27:00.000-07:00

Hace tiempo hice una reseña sobre H To He Am The Only One y lo nombré como mi disco preferido de Van Der Graaf Generator. Su reciente visita al Teatro Cervantes de Málaga me dio la excusa para revisitar sus discos y darme cuenta de que, efectivamente, Godbluff es una auténtica obra maestra, digna de ser monumentada y encandilada por todos los tiempos.

En tan sólo cuatro canciones, realmente épicas, profundas, sesudas, imbrincadas y sentidas como pocas, los reformados Van Der Graaf Generator, como siempre con Peter Hamill liderando el combo, firmaron uno de los mejores retornos de todos los tiempos allá en 1975. Undercover Man, Scorched Earth, Arrow y Sleepwalkers son auténticos estamentos que cuando se llegan a comprender te abren la mente a miles de momentos musicales, tempos, estructuras y vaivenes propios del progresivo.

Un Hamill inconmensurable y totalmente emocionate con esos altibajos, dramáticos, casi físico es el sentimiento que transmite a la hora de cantar, la instrumentacin es tan magnifica, con unos pasajes de teclado encantadores de la mano del propio Hamill y de Hugh Banton, uno de los tipos más sorprendetes que he visto nunca en directo, manejándose con los teclados y el bajo a pedales de forma indescriptible. El disco está lleno de melodías inquietantes, ahora paisajísticas, ahora vibrantes, ahora agresivas, ahora oníricamente dulces. Los vientos de David Jackson para dar el tono épico unas veces, otras acolchado y psicodélico. Guy Evans tampoco se queda atrás en su maestría a las baquetas, estando preciso e imaginativo a la vez.

Vibrante, una perfecta obra de arte de vanguardia para la época y de finura exquisita en la composición e interpretación. Sin duda, uno de los discos fundamentales del rock progresivo clásico y de todos los tiempos.

http://obratotal.blogspot.com/2008/03/van-der-graaf-generator.html

http://www.vandergraafgenerator.co.uk/

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The Screamin' Cheetah Wheelies - 1996 - Live Volume 1 & 2

2009-07-27T12:10:00.000-07:00

Los Screamin' Cheetah Wheelies eran una de esas bandas americanas hasta la médula, que desprendían efluvios sureños en cada nota y cada compás. Decir que los amarás si te gustan Lynyrd Skynyrd, los Black Crowes o Gov't Mule es algo evidente. Además, del regusto guitarrístico, la música llena de alma, los riffs cálidos y los momentos de jams más alucinados y electrizantes, tenemos la voz incomparable de Mike Farris, un tipo que sigue en solitario y al que tuve la suerte de contemplar en el Azkena 2009. Mike se dedica ahora a hacer soul rocanrolero de una forma sublime, en la que prima su voz y el mensaje religioso sobre el resto de elementos, pero eso es otra historia.

Donde los Cheetah Wheelies brillaban de verdad era en directo y eso queda testimoniado en documentos como éste, un bootleg que estimo debe ser del año 96-97, tras la edición de su magistral segundo disco llamado Magnolia, donde las versiones de las canciones son más extendidas, con más jams y momentos electrizantes y con un Farris encumbrado a frontman destructor.

Más blues sureño de los 90 para disfrutar a todo volumen.

http://hellyeahrocknroll.blogspot.com/search/label/SCREAMIN%27%20CHEETAH%20WHEELIES

http://www.myspace.com/cheetahwheelies

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Ritual - 2003 - Think Like A Mountain

2009-07-27T11:56:00.000-07:00

Como tantos otros llegué a la música de los suecos Ritual gracias a la nueva encarnación de los clásicos sinfónico progresivos Kaipa en este siglo XXI. Y esto es así porque en esos discos canta Patrick Lundström, cantante, guitarrista y alma de Ritual. Si escuchas cualquiera de las canciones en las que él cante entenderás perfectamente porque uso la palabra alma.

Este es el tercer disco de esta banda sueca, de lo mejor que han hecho junto a su último trabajo, The Hemulic Voluntary Band, del cual estaría hablando aquí sin ninguna duda porque es un discazo de progresivo, sino fuera porque Think Like A Mountain sin ser realmente mejor, a mi me remueve las entrañas. Ritual no hace un progresivo complejo, ni sibarita, es un grupo centrado en las canciones, en lo expresivo, usando sus ramalazos progresivos, su gusto por instrumentos acústicos y su buen hacer en arreglos armoniosos, sin muchos malabares pero lo suficientemente interesantes e imbrincados para mantener del oyente ávido y del que busca sensaciones más directas. Como digo, la voz de Patrick hace del conjunto algo verdaderamente especial, su peculiar timbre, su forma acolchada y acogedora se te mete en la cabeza y en los huesos. Auténticas delicias temas como la apertura de What Are You Waiting For, la maravillosa y trascendental Humble Decision, la más rockera y agresiva Explosive Paste, la flotante y onírica Mother You've Gone Much Too Long, el lado más folkie en Moomin' Took My Head y la acústica On y un pelotazo de canción como un pino bajo el título de Infinite Justice.

Estoy harto de decirlo, pero no sé que tiene Suecia que su música me destrona.

http://www.ritual.se

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The Decemberists - 2009 - The Hazards Of Love

2009-07-20T09:18:00.000-07:00

Me gusta como ha quedado la imagen de la portada. Este disco merece que todo lo referido a él sea grande. Me parece mentira estar escribiendo esto sobre un disco de una banda de la que me he reido sin tener ni puta idea de lo que hacía. Gracias a Débora y a un ratito a gustísimo en su casa de Edimburgo he tenido la enorme suerte de acercarme a esta banda y a la obra de Colin Meloy, un tipo que tiene una sensibilidad y un genio para escribir canciones y obras de arte en forma de música sólo destinado a los grandes.

Toda la obra de The Decemberists es más que apetecible para el que disfrute de los sonidos folk, con ramalazos de pop independiente, de historias sinceras y de sentimientos a flor de piel. Pero amigos míos, si os gustó The Crane Wife y lo que ese disco apuntaba en cuanto a lo progresivo, en The Hazards Of Love nos encontramos con la OBRA en mayúscula hasta ahora de la banda. Ojalá sigan por estos derroteros en futuras ediciones.

Centrando la música y la letra en un drama trágico sobre el amor con ciertos toques de ironía, romanticismo y aires de cuento, nos encontramos ante uno de esos viajes para los oidos y el corazón que se cruzan en nuestras vidas muy de cuando en cuando. Con muchísimo protagonismo para instrumentos como el acordeón y los hammonds, The Hazards Of Love tiene todas las señas de identidad de esta banda pero también se adentra en terrenos rocosos, en secciones de riffs poderosos y distorsionados y una sección rítmica muy potente a lo largo del álbum. Con esos altibajos y pendientes de todo tipo clásicas del progresivo sinfónico de imbrincada estructura, la voz de Meloy adereza todo el conjunto con su historia estremecedora y su buen gusto por la melodía. Sin que haya especial protagonismo de instrumentos salvo en contadas excepciones, el disco tiene una producción que raya en lo exquisito. El disco es para oirlo del tirón, pero los momentos en los que participa la voz femenina encarnando el personaje de Margaret son realmente para helar la espina dorsal.

Recomendado para cualqueir criatura humana sensible a la música y con ganas de que le pellizquen. Ojalá podamos verlos en directo.

http://lainfinitamelodia.blogspot.com/2009/07/decemberists-hazards-of-love-2009.html

http://www.decemberists.com/

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Rose Hill Drive - 2008 - Moon Is The New Earth

2009-07-16T08:21:00.000-07:00

El mundo del rock está de enhorabuena desde que los amiguitos de Rose Hill Drive decidieron juntarse en el instituto para dar rienda suelta a sus sueños y buenos gustos para juntarse en un garage de Boulder, Colorado, y con los años lograr que gente como un servidor siga pensando que el rocanrol es la música por excelencia y que mayores alegrías y sensaciones puede despertar. Ya es un rollo mi historia sobre como me dejaron boquiabierto sin conocerles de nada en aquella memorable edición del Azkena Rock Festival vitoriano, así que pasaré de esa movida para relataros lo que induce en mi interior el segundo disco de estos los hermanos Jake y Daniel Sproul y su compadre Nathan Barnes.

Si sabes de que va la cosa, no voy a decirte que te gustarán si te flipan Led Zeppelin o cualquiera de los power tríos setenteros enraizados en el hard rock bluesero por excelencia. Te diré que vayas a la tienda porque además de eso, el alma y la pasión que ponen estos tios al componer e interpretar sólamente esta reñido con su buen gusto para hacer canciones, construir ritmos básicos pero ardientes, destrozar las guitarras en un fuego eléctrico abrasador y hacer de la música un artificio mágica, lleno de sensaciones positivas y esperanzadores aunque traten todo tipo de temas. En este disco encontramos también algo de stoner, mucha más psicodelia que en el anterior y un buen gusto por las armonías vocales y por los arreglos incendiarios.

Todo en Rose Hill Drive suena a clásico pero con una producción brillante, siendo limpia o crudísima donde la canción lo exige, con una compensación perfecta en los instrumentos que te hace disfrutar de la maquinaría entera y temer que te arrolle como una apisonadora, las guitarras y bajos poderosísimos o hippiosamente psicodélicos y un ciclón a la altura de John Bonham tanto en sonido como en estilo.

Las canciones son un pelotazo de principio a fin, si acaso se echa de menos lo que esta banda es capaz de transmitir en sus increíbles directos, en los que la música prácticamente se hace carne abrasadora.

Rose Hill Drive son de las mejores bandas del mundo, si te gusta el rock de verdad no puedes perdértelas.

http://www.rockrockblog.com/2008/06/rose-hill-drive-moon-is-new-earth.html

http://www.myspace.com/rosehilldrive

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Mahavishnu Orchestra - 1973 - Birds Of Fire

2009-07-15T07:29:00.000-07:00

Dentro de mi escasa por no decir paupérrima sabiduría sobre jazz, sí me atrevo de mis propios gustos y de lo que encuentro de este estilo apasionante, y es su cruce en gran número de bandas y discos con el rock en diferentes facetas. La Mahavishnu Orchestra es una de las bandas que en este terreno más me llaman la atención y creo que contribuyeron a esa fusión sónica entre ambos mundos, siendo altamente espirituales y arriesgando en lo variado de las texturas, ritmos e interpretación, sin necesitar mensaje vocal para copar a uno de sensaciones.

Este segundo disco de la Mahavishnu sigue la senda del primero y sigue marcado por la destreza interpretativa y compositiva de uno de los guitarristas más orgánicos y místicos de la historia, que no es otro que John MacLaughlin, y por el violín de John Goodman. La sección rítmica y los arreglos de piano y teclados son igualmente importantes en el sonido de la banda, pero nada como las batallas y vaivenes de las guitarras y violines. El sonido de la Mahavishnu tiene algo especial, algo de tremendamente talentoso y dinámico, virtuoso a la vez que pasional, sin duda desprende algo mágico y trascendental.

Sinceramente es música para escuchar con el corazón y que el tiempo no podrá marchitar por su gran espiritualidad.

http://galope101.blogspot.com/2009/03/mahavishnu-orchestra-birds-of-fire-1973.html

http://www.johnmclaughlin.com/

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Dixie Dregs - 1975 - The Great Spectacular

2009-07-13T07:34:00.000-07:00

Los Dixie Dregs encarnan a la perfección lo que la música instrumental puede hacer llegar a sentir al oyente atento o casual. Mezclan el jazz, el country y el rock progresivo de manera fresquísima y directo haciendo de la escucha una lluvia de sensaciones muy agradable, luminosa y divertida. Las diferentes encarnaciones de la banda desde mediados de los 70 hasta nuestros días siempre han tenido a la figura de Steve Morse como estandarte. Steve ha sido nombrado a lo largo de la historia varias veces mejor guitarrista del mundo y este es su proyecto inicial, el cual resucita de cuando en cuando para algunas actuaciones en directo, siendo su principal ocupación actual su propia banda y ser guitarrista principal de Deep Purple (ya desde hace más de 10 años).

Este es el primer LP de los Dregs y en el se conforma lo mejor de su época inicial, en la que la guitarra de Morse no es tan excesivamente protagonista como en otro álbums posteriores. Aquí todos los instrumentos contribuyen con mucho peso específico al producto final, con unas bases rítmicas y estructuras interesantísimas y muy entretenidas. El disco es muy luminoso, se escucha con una facilidad pasmosa a pesar de su relativa complejidad. Yo pongo énfasis en el trabajo del violín que me parece estupendo, amo ese instrumento y su aparación en casi cualquier trabajo relacionado con el rock.

http://hzrdconspiracy.blogspot.com/2007/08/dixie-dregs.html

http://www.stevemorse.com

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Lagartija Nick - 2009 - Las Marcas De Mi Larga Duración

2009-07-09T08:21:00.000-07:00

De nuevo aprovechando la ocasión de que los veré relativamente pronto en el Sonorama 2009 de Aranda del Duero, relato mis impresiones tras un par de escuchas de Las Marcas de Mi Larga Duración. Las armas afiladas y directas empuñadas en los dos discos anteriores de Arias y cía están puestas de nuevo en alto en la última entrega de los granadinos Lagartija Nick. Esta formación se está convirtiendo en bastante estable y nos está dando muchas alegrías tanto en el estudio como en el escenario, parece que el cuarteto montado por Antonio Arias, su mujer Lorena Enjuto, el incombustible Erik y el menor de los Lapido ha encontrado su sitio y se encuentra cada vez más cómodo en él.

Todos los que amamos a esta banda encontraremos lo esperado en este nuevo disco. Los temas recurrentes a los que Arias lleva dando vueltas toda su carrera como las drogas, la grandeza y misterio del universo, la literatura, el cine y la ciencia ficción. Todas se siguen dando la mano en el entramado musical, casi místico, que despliegan los granadinos disco a disco. Si el ambiente opresivo y de oscuridad sigue estando presente, ahora también encontramos grandes dosis de luz y ambientes casi poperos y como siempre de psicodelia y furor punk primigenio. En este disco además encuentro que las canciones son mucho más concisas, directas, las ideas y arreglos son muy efectivos, van a la cara y sin remilgos, sin entretenimientos. Esta inmediatez lo hace muy fresco y revitalizante

Me encanta la canción que da nombre al disco en la que se hace una similitud entre un vinilo y una vida, francamente estupenda en el ambiente, gran homenaje al gran círculo negro. Un discazo para escuchar del tirón, llenarte de energía y dar gracias porque tipos como estos que llevan tanto tiempo en la brecha y encima son de nuestra tierra sigan haciendo música emocionante.

http://www.lagartijanick.com/

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High Tide - 1969 - Sea Shanties

2009-07-08T08:07:00.000-07:00

Un disco de locura para su época, facturado nada menos que en 1969, el debut de High Tide. Liderados y caracterizados por las batallas trepidantes de la guitarra de Tony Hill y el violín de Simon House, a pesar de que la producción no es lo mejor ni mucho menos, me gusta porque le da una sonoridad cruda y áspera que le da viveza y veracidad. Tenemos auténticas jams con luchas incensantes de guitarras y violines que batallan a lo largo y ancho de todo el disco, sobre todo en sus fases más trepidantes y chirriantes, sirviendo en el resto de ocasiones como soportes melódicos perfectos a las partes cantadas.

Este disco es seminal en cuanto a lo que ofrece en sonoridad de guitarras riffeantes y su intercalamiento con el violín en tramos claramente progresivos y psicodélicos, incluso metaleros para muchos. Estupendos momentos de mayor remanso con una ambientacion de violín estupenda sobre arpegios de guitarra y contemplacion mezclados con los momentos más rugosos y explosivos. La voz de Tony Hill a veces me recuerda mucho a Jim Morrison.

Una de esas joyas que andan ocultas y que sólo se puedan encontrar cuando se escarba bien en las raíces. Menudas raíces tiene el prog. Discos como este con 40 años tienen tal vigencia y poder que debería hacer sonrojar a más de un moderno.

http://peppermintstore.blogspot.com/2008/02/high-tide-sea-shanties.html

http://www.progarchives.com/artist.asp?id=1659

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Yes - 1972 - Close To The Edge

2009-07-06T08:56:00.000-07:00

El rock progresivo no sería el mismo sin Yes y sin este disco, obra cumbre y magna dentro del género y de la música popular en general. Música tan ancestral, tan espiritual, tan imbrincada a la vez que emocionante sólo puede cocerse cuando unos tipos están tocados por el genio y las musas. Anderson, Howe, Squire, Bruford y Wakeman consiguieron lo que muy pocos son o han sido capaces de hacer: meter magia en un trozo de vinilo.

Con tan sólo tres canciones a cual más épica, encontramos aquí todo el pastiche que significa rock progresivo sinfónico con todas y cada una de las letras. Close To The Edge, And You And I y Siberian Khatru, tres canciones que por sí solas dan a conocer mundos. Abre los oídos, deja a tu mente que vuele, que imagine y que sueñe con esos paisajes que pintan las guitarras cristalinas y zigzagueantes, el todopoderoso y rimbombante Rickerbacker, el dinamismo y feeling de los ritmos, la maestría y buen gusto de todos los teclados vintage de la época, la voz en falsetto agradable y onírica.

Uno de los discos más importantes del rock progresivo de todos los tiempos.

http://thehousesoftheholy.blogspot.com/2007/05/yes-close-to-edge.html

http://www.yesworld.com/

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Queens Of The Stone Age - 2000 - Rated R

2009-07-02T13:13:00.000-07:00

Restingido a todo el mundo, en todos los lugares, todo el tiempo. Eso se puede leer en la tapa del mejor disco del proyecto de Josh Homme tras el fin de Kyuss, aún teniendo en el barco al brutal Nick Oliveri. Los Queens son hoy día un fenómeno de masas y tal vez no muchos conozcan o sepan donde están sus raíces en el desierto de California. Lo cierto es que Josh Homme ha conseguido que sus argucias musicales con forma más experimental y psicotrópica aliñada con caldos más cercanos al mainstream haya llegado a estar en la cumbre del rock mundial por méritos propios.

Este es el segundo disco que facturaron y para mi gusto es el más acertado en cuanto a canciones, si acaso Songs For The Deaf es más visceral, sobre todo por la colaboración de Dave Grohl a las baquetas. Si con Rated R empezaron a ser reivindicados, con Songs For The Deaf se coronaron como grandes del rock internacional. En el caso de este disco estamos ante una suerte de stoner pasado por un filtro más ligero y experimental como decía anteriormente, desechando un poco la forma de cantar de John García e inclinándose por tonos más melodiosos y sutiles en el caso de Homme, porque cuando canta Oliveri le sale el punk que lleva dentro (sobre todo en Quick And To The Pointless). La cuestión es que nos encontramos ante canciones que sin ser excesivamente complicadas, tienen esos pequeños detalles que las llevan más allá y te hacen alucinar, manteniendo los tonos graves en las guitarras y en los punteos, pero desde un lado mucho más etéreo. Aunque aún sigue habiendo grandes huecos para pelotazos hardrockeros como con la inicial y vapuleante Feel Good Hit Of The Summer.

Tenemos en este disco de lo mejorcito de la discografía de los Queens, en su época inicial y actual, como la que abre el disco, The Lost Art Of Keeping A Secret, Autopilot, In The Face, Monsters In The Parasol o el impresionante corte final de I Think I Lost My Headache.

Es curioso como a medida que Kyuss se acercaba a su final sonaba cada vez más denso y más extremadamente stoner y como los Queens están haciendo el camino contrario, estando alejadísimos hoy día de la estética del desierto de aquellos 90 que tanto ha influido a cientos de bandas en todo el mundo. Seguramente sea eso lo que los hace realmente especiales.

http://downloadgraphy.blogspot.com/2008/08/queens-of-stone-age-rated-r.html

http://www.qotsa.com/

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Oasis - 1994 - Definitely Maybe

2009-06-30T08:27:00.000-07:00

Dejando de lado el marketing, la polémica y las estupideces de los hermanos Gallagher, no se puede negar que los dos primeros álbums de los de Manchester son de una gran factura, de grandes detalles y de canciones emocionantes y memorables. El paso de los años y las tonterías les pasarían mucha factura, aunque hoy día sigan estando a flote, nada tan chisposo y rocanrolero volverían a hacer desde su debut. Un disco suciete, con dosis de psicodelia y fragancia típicamente inglesa pusieron en el candelero a esta banda en medio mundo. Seguramente marcaron a mi generación como pocas bandas hicieron, siendo para muchos deleznables por su destructivas campañas publicitarias que nos bombardeaban en la radio y televisión por doquier.

Lo innegable son las canciones, la inspiración en los 60, el buen hacer de Noel en la composición y en la caradura y talante rocanrolero de Liam, que se metía en el bolsillo con su pose de malababa a cualquier chulito de la época. Live Forever, Supersonic, Slide Away, Up In The Sky, Cigarettes And Alcohol, Rock And Roll Star, Shakermaker...estos chicos no inventaron nada, pero lo hacían con mala follá y directos al corazón, y eso nos ganaba.

Que buenos recuerdos mientras lo oía el otro día en el coche.

http://oidosvirgenes.wordpress.com/2009/03/08/oasis-definitely-maybe-1994/

http://www.oasisinet.com/

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Hypnos 69 - 2006 - The Eclectic Measure

2009-06-24T09:42:00.001-07:00

Hypnos 69 es una banda ante la que me quedo sin palabras, son sencillamente acojonantes. A lo largo de todas sus entregas hasta la fecha, esta aún joven banda nos regala un mar de influencias que van desde el space rock, el rock más clásico, la psicodelia, algo de rock progresivo y ramalazos de stoner. En sus comienzos ya mezclaban todos esos ingredientes, pero eran más punzantes y rockeros. En la actualidad gozan de menos agresividad, pero de una grandeza y plasticidad sólo reservada a los verdaderos genios. The Eclectic Measure es un título perfecto para lo que nos ofrecen los hermanos Houtmeyers y sus compinches Tom Vanlaer y Steven Marx. El dinamismo, el buen gusto, la ambientación y lo rockerísimos que pueden llegar a ser convierten a este disco en una de las mejores piezas de artrock que he oido en mucho tiempo. Estos belgas son bastante underground como no podía ser de otra forma, ante esta música rockera y psicodélica, pero igualmente sesuda y compuesta desde la seriedad y el saber hacer.

Un viaje anclado en lo enigmático y en las sonoridades añejas y clásicas, interpretado con una maestría sin igual. Con el bueno de Steve Houtmeyers ha querido tocar la flor y nata de la escena desértica californiana, lo cual no me extraña lo más mínimo viendo el trabajo guitarrístico increíble. Lo mismo suena tan ambiental y lisérgico como el mejor Gilmour o muestra su abanico de riffs pasado por el fuzz a lo Page o Homme.

Lo dicho, muy grande Bélgica.

http://payasosenlalavadora.blogspot.com/2009/06/hypnos-69-eclectic-measure.html

http://www.myspace.com/hypnos69

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Baron Rojo - 1982 - Volumen Brutal

2009-06-15T11:14:00.001-07:00

Siguiendo una buena rutina que estoy adquiriendo, comento un nuevo discazo de una banda a la que voy a ver en directo en breve. En este caso, la ocasión es mucho más que especial porque además de ver a los míticos Black Sabbath bajo su cartel actual de Heaven & Hell, nada más y nada menos que podré asistir a la reunión de los míticos Barón Rojo en su formación original con los hermanos De Castro, Sherpa y Hermes Calabria. El fin de semana del Metalway promete simplemente por esas dos actuaciones, lo demás vendrá de gratis.

A lo que vamos. El rock duro más o menos multitudinario de este país sería diferente, no sé si mejor o peor, si no hubiese existido Barón Rojo, influyentes como ellos solos. Me quito el sombrero ante este pedazo de disco, redondo se le mire por donde se le mire y lleno de temazos de rock duro directos a la cabeza y al corazón, lleno de ritmo, guitarras vertiginosas y sección rítmica prodigiosa. Si echamos la vista atrás y vemos la historia, las condiciones de grabación, lo que rodeaba a la banda en aquellos primeros ochenta, la gente que participó de una u otra forma en el estudio, las actuaciones en vivo que dieron en Inglaterra, entendemos que lo único que podía salir de allí sólo podía ser grande. Grande como es Volumen Brutal.

Si tiramos como siempre de lo que realmente importa, y eso son las canciones, sólo hay una que me deja algo indiferente y esa es Dame La Oportunidad. Ahora miramos el resto y nos echamos a temblar. Siguen siendo hoy día, más de veinte años después casi todas aseguradas en cualquier concierto del Barón: Incomunicación, Resistiré, Los Rockeros Van Al Infierno, Las Flores Del Mal, Concierto Para Ellos, Hermano del Rocanrol, Satánico Plan...Barón Rojo encarnaron a la perfección el sentimiento de una parte de su generación, los amantes del rock duro patrio se identificaban a la maravilla con ellos y con sus letras, que a pesar de que alguna ha envejecido regular y te provocan una sonrisilla, es innegable que en su tiempo reflejaban muchos sentimientos aunados de rebeldía y pasión por la música.

Por eso y mucho más...larga vida al Barón!

http://www.elwater.cl/showthread.php?p=998579

http://www.baronrojo.net/

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Pearl Jam - 1994 - Vitalogy

2009-06-14T12:51:00.000-07:00

Para muchos este disco marca el fin del iniciático sonido grunge de la banda de Seattle. A mi la verdad es que me importa un carajo tal cosa, reconozco que llegue a Pearl Jam relativamente tarde, cuando publicaron Yield, a pesar de ser totalmente adecuados para mi generación y deber haberme reventado la cabeza junto a Nirvana. Como digo, todo eso me da igual. Para mi este disco de Pearl Jam es su obra cumbre y no creo que hayan hecho nunca nada tan completo, tan artístico y tan lleno de sentimientos encontrados. Si quitamos las aventuras o bromas sonoras repartidas en tres cortes del disco (sobre todo el insufrible final), creo que estamos ante uno de los mejores discos de los 90.

Y si no, baste echar un vistazo a la lista de temas (eliminando las tres chorradicas) y ecahrse a temblar con los temas más abruptos y demoledores, los más calmos e igualmente escalofriantes y llenos de vitalidad y sentimiento, algunos puro rock duro visceral, todo con unas pinceladas de buen gusto y sentido artístico. Last Exit, Spin The Black Circle!!!!, Tremor Christ, Nothingman, Corduroy, Immortality, Satan's Bed, Better Man, Whipping...No sé, me parece tan claro la brutalidad de la colección de canciones que cae por su propio peso.

Un discazo más que significativo para una generación.

http://russelitesmusic.blogspot.com/2009/06/vitalogy-pearl-jam-albummp3-download.html

http://www.pearljam.com/

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Rainbow - 1976 - Rising

2009-06-10T15:20:00.000-07:00

Este álbum es sin duda la cima artística del tándem, mejor o peor acompañado, que Ritchie Blackmore y Ronnie James Dio montaron a mitad de los 70 con el nombre de Rainbow. El también grandioso debut ya anticipaba lo que se muestra en este segundo álbum y en Long Live Rock 'N' Roll se comienza a percibir el giro comercial que Ritchie daría a la banda, con la consecuente marcha de Ronnie.

Rising es un disco que seguramente ha influido de forma enorme en la forma de entender el rock más duro, heavy metal o como se lo quiera llamar, de corte épico y fantasioso desde los 70 a nuestros días. Aquí encontramos las armas que Ritchie llevaba depurando en Deep Purple desde sus inicios pero con acercamiento claro a la música clásica y medieval. Todo ello pasado por el filtro del rock y con el aporte magistral de uno de los mejores cantantes de la historia, poniendo magia, ardor, dulzura, estremecimiento y una voz portentosa. Rising tiene todo para perdurar en la historia del rock como un disco enorme, pero sobre todo contiene en su quinto corte una de las canciones más épicas jamás escritas: Stargazer. Dream Theater acaba de editar hace poco una versión de este tema como bonus para la edición de su último disco y, he de decir que admiro enormemente el trabajo de los americanos, no le llega a la original a la suela de los zapatos en emotividad.

Los tres trabajos de Dio con Blackmore son para mi de lo mejor de su carrera, incluso mejor que lo que hizo después con Black Sabbath, y especialmente este disco es para enmarcarlo en oro blanco.

http://demons-eye.blogspot.com/2007/11/rainbow-rising-rainbow.html

http://en.wikipedia.org/wiki/Rainbow_(band)

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Poseidotica - 2008 - La Distancia

2009-06-09T14:32:00.001-07:00

Emparentados con el buen gusto, la psicodelia, el stoner y el progresivo con sed de desierto, los argentinos Poseidotica facturan en su segundo trabajo una auténtica obra maestra, y lo dijo sin remilgos ni tapujos. Un disco con tantos matices, tan fluido, tan lleno de altibajos, de ambientes magistralmente interpretados que te sumergen en un mundo totalmente onírico y ajeno a las sensaciones rutinarias. Este música totalmente instrumental está muy arraigada en el pasado, pero suena tan fresca y de verdad porque está grabada en directo en tan sólo un par de días, con una calidez y una veracidad abrumadoras. Aquí todo es narcótico, cuando desean serlo a drede de forma cristalina en los momentos ambientales más acolchados y mágicos y cuando se revuelven en riffs y en contrarritmos más densos y desérticos, demostrando que pueden rockear duro como nadie, pero dentro de la lisergia pura. El trabajo de todos los instrumentos es brutal, la sección rítmica y la guitarrística, sin tirar de artilugios técnicos de locura, sino ahondando en la composición lustrada y en el buen hacer. Hasta el theremin y los teclados análogicos tirados aquí y allá rezuman buen acierto y gusto.

Nunca me canso de oir este disco, tan actual y a la vez tan tradicional, lleno de recovecos y pasajes simbólicos que a la vez tiene una gran directividad y punzada. Mis preferidas son La Distancia, Sueño Narcótico, Tiempo y Espacio, Campo Magnética y la brutal Las Magnitudes, que cierra el disco de forma tan magistral que no puedo dejar de pensar en el próximo disco que nos dejen estos tipos. Además, el libreto es precioso y contiene un relato corto escrito por el bajista Martín Rodríguez también titulado La Distancia, que parece contener la historia que acompaña a la música contenida en el disco. No sabría decir qué fue antes, si el huevo o la gallina.

http://pitucasabierta.blogspot.com/2009/04/poseidotica-la-distancia.html

http://www.poseidotica.com.ar/

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2009-06-06 - Focus + Mezquita + Marujita - Festival del Lago de Bornos

2009-06-07T15:25:00.000-07:00

De vuelta de un fin de semana de los que marcan época, dispuesto a verborrear de las maravillas musicales y sensitivas vividas en el Castillo de Los Ribera de Bornos. Suponía que el fin de semana gaditano sería mágico, pero no hasta tal punto. Ante todo decir que este tipo de citas son algo imborrable de la memoria, poder disfrutar de un género tan complicado, tan underground y tan fuera de las masas es sólo posible porque unos pocos tipos mantienen la llama del rock andaluz y progresivo en el corazón y se arriesgan a montar tinglados como éste para traernos a los que no tuvimos la suerte de disfrutarlos en su momento de mayor esplendor a bandas como Imán Califato Independiente, Cai, Guadalquivir, Bloque...y este año a Focus y Mezquita.

La mágica noche abrió con el gaditano Loboblues que hizo lo que pudo con su guitarra y caja de ritmos para calentar un poco la noche y al poco animado y expresivo público hasta el momento con sus blueses instrumentales.

Marujita comenzó a poner la noche en su sitio y despertó grandes alabanzas y ganas de fiesta en un público mayorcito que empezaba a entregarse al jolgorio y al bailoteo. Este banda es apropiadísima para este festival, andando a caballo entre el rock andaluz con algún ramalazo de progresión en plan El Bicho y canciones más directas y aflamencadas en plan La Cabra Mecánica, de hecho su cantante se parece física e interpretativamente al Lichis en su fase más canija. Los 7 integrantes de Marujita dieron un estupendo concierto, demostrando además su acierto y buen hacer instrumental, sobre todo el dúo guitarrístico, con banjo y mandolina incluidos, y el tipo que se manejaba al piano con un dominio del ritmo latino estupendo. Las voces intercaladas de los dos cantantes, masculina y femenina, también eran muy acertadas y agradables. Encima tuvieron la suerte de que el mismísimo Thijs van Leer saliera a la palestra para una pieza con alta dosis de improvisación en la que tocó la flauta y sacó algunos de esos gorgoritos tan característicos que después volvería a brindarnos.

Focus dio un conciertazo de una magnitud realmente inenarrable para unos tipos como de Thijs van Leer y Pierre van der Linden, con tal bagaje musical y conciertos a sus espaldas. La banda se completa con dos pedazo de músicos de aupa, Bobby Jacobs al bajo, y un brillantísimo Niels van der Steenhoven a la guitarra. Me atrevo a decir sin pestañear que este ha sido uno de los mejores conciertos de rock progresivo que he asistido en mi vida. La conjunción, la magia que consiguen desprender estos cuatro tipos es emocionante a más no poder, en más de una vez se me aguaron los ojos ante la belleza de las piezas desmembradas en tan emblemático lugar. Sin duda, Thijs y Pierre han hallado en Niels a un tipo con un buen gusto y una maestría que hace olvidar al gran Jan Akkerman y dejar boquiabierto al respetable. Los mejores momentos para mi fueron Sylvia, Focus III y una versión acojonantísima de Eruption. Hocus Pocus y Harem Scarem supusieron los momentos más asalvajados y rockeros de una banda que suena potentísima, cojuntadísima y más que digna de presentar su nuevo material y capaces de recuperar sus piezas más antiguas y fundamentales para entender el progresivo europeo. Focus demostraron que su leyenda sigue viva y, para los que no tuvieron la suerte de disfrutarlos en su época de mayor esplendor, la actualidad es un bello e intenso reflejo de lo que fueron sin lugar a dudas. Destacar el trabajo de Pierre van der Linden, que a su edad se marcó dos solazos de locura con una potencia, habilidad y plasticidad acordes a su leyenda como batería, una auténtica gozada. Un concierto espectacular que no se me olvidará en la vida, tanto en lo musical como en lo sensible y personal.

A Mezquita no les había seguido la pista hasta unos días antes del festival, y he de decir que su primer disco supuso para mi una gran sorpresa de fusión de sinfonismo y flamenco, a la altura de Triana o Cai sin lugar a dudas, incluso con una mayor dosis de progresión que los anteriores, siendo mucho más atrevidos en lo rockero, progresivo y en el uso de teclados en el sentido más setentero (otro día lo rescataré para este blog). Su concierto sonó rockerísimo, con ausencia total de guitarras españolas, y con una interpretación y manejo de la instrumentación casi magistral. Me quedo con el recuerdo de la estupenda Recuerdos de Mi Tierra y la emocionantísima Ahora Que Somos Dos.

A buenas horas de la madrugada terminó este mágico Festival del Lago, que ojalá tenga larga vida y nos siga brindando la oportunidad de revisitar y sentir musica tan especial y de verdad durante muchísimo tiempo. Yo intentaré volver año tras año, aunque sea para revivir la felicidad que he sentido en este.

Larga vida a Bornos!

http://www.festivallagodebornos.com/

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La Vacazul - 2004 - Vienen Tiempos

2009-06-03T08:57:00.000-07:00

Nuestro viejo amigo del rock’n’roll y creador de este blog musical me lleva insistiendo y amenazando con que escriba sobre uno de los grandes discos de la poca destacable escena hardrockera española. No puedo permitir que escriba de esto, así que aquí tenemos.

La Vacazul es básicamente un grupo de rock liderado por la figura creativa de Jairo Zavala y Javier Vacas. Es uno más de los proyectos en los que está inmerso Jairo (no nos olvidemos de sus 3000 Hombres, el Depedro y las colaboraciones con multitud de bandas). Y de Vacas, pues me ahorro seguir porque es más de lo mismo o peor. “No pueden parar de crear”.

El álbum que presentamos fue el cuarto de su carrera, en 2004, y, a nivel de críticas y público, el de mayor éxito; no en vano estuvieron dos años dando vueltas para que alguna compañía les contratase. Empezando por el propio CD, que contiene una historia cómic sobre los tiempos que nos vienen, el disco es fascinante. Y coincido con la masa en cuanto a que este es su disco más redondo.

Es un disco mucho más maduro, muy de banda y muy directo y parece a veces que es (no por mala producción) un disco en concierto. Es decir, que no se han dejado nada y que suena totalmente hecho, como si estuviese muy bien ensayado. A veces pienso que es como una larga suite de 50 y pocos minutos. Las cuerdas y las baquetas adquieren su rol rockero de siempre, pero también me gusta que los teclados tengan su importancia y que no sólo sean meros acompañantes. No diría que es un disco extremadamente rockero, es algo más suave que lo anterior, pero se notan algunas pequeñas influencias sureñas.

Los temas fundamentales: “Vienen Tiempos”, “Mucho Mejor”, “Presidemente”, “Mi día”…. Hoy lo he vuelto a escuchar e igual con algunos álbumes quizá habría sacado otro orden para las canciones. “Mi día” suena a despedida. Y un álbum como “Vienen Tiempos” con la presentación cómic y todo, me pide el cuerpo que empiece directamente en el primer tema contándonos qué tiempos son los que vienen, pero bueno… ¡Siempre está el Winamp o similar para que reordenemos las listas de reproducción!

No os digo más. Están grabando su sexto álbum, quinto de estudio. Así que en cuanto acabe la gira de Depedro posiblemente tengamos buenas noticias que contar.

El vídeo, de no mucha calidad económica, “Chico Listo” fue grabado en las calles de la bella ciudad de Málaga. ¡Echadle un vistazo!

http://www.youtube.com/watch?v=QtspthOtKIs

http://www.lavacazul.com/
http://www.myspace.com/vacazul

Focus - 1973 - Focus III

2009-06-03T07:03:00.000-07:00

Ya que voy a verlos en el Festival de Bornos este mismo sábado, me parece un momento idóneo para hablar de una de las bandas más importantes del progresivo sinfónico setentero europeo de fuera de las islas británicas. Focus es una de las bandas más famosas que haya salido de Holanda y fueron uno de los grandes en fusionar el rock con la música clásica, haciendo del término sinfónico algo verdaderamente real. Siendo casi todas sus composiciones instrumentales, o cuando mucho empleando voces histriónicas e hilarantes, el núcleo duro de la banda son el teclista y flautista Thijs Van Leer y el grandioso maestro de las seis cuerdas Jan Akkerman.

En toda su discografía hay grandes discos y algunos más flojitos. De su gran trilogía Moving Waves, Focus III y Hamburger Concerto, me quedo con el de en medio porque me parece el más sublime de todos ellos. A pesar de tratarse de un álbum doble, no hay ni una sola canción que pierda el pulso durante toda la escucha, tratándose todos los temas desde aproximaciones muy sinfónicas, jams deliciosamente interminables con gusto a jazz, con especial atención a las estructuras y sonoridades clásicas y medievale, una compactación como banda buenísima y unos arreglos de aupa. La parte del león creo que se la lleva sin duda Jan Akkerman, que es capaz de demostrar de todo lo que es capaz en el terreno compositivo, interpretativo y de la improvisación. El sonido de su guitarra es muy visceral aún cuando suena cristalina, siendo gozoso todo el tiempo que se le oye. Los interludios de flauta también son gratamente recibidos, y he de decir que en algunas secciones de la increíble Anonymous Two me recuerdan a los mejores Jethro Tull.

Como digo, no hay ni una sola canción que se caiga de la maestría. La magnífica Round Goes The Gossip es la típica canción rockera de Focus en la que la compenetración entre instrumentos es genial. Love Remembered es más pastoral y la flauta de Thijs la completa protagonista. Sylvia es deliciosa, te hace sonreir y despertar con alegría con esos vaivenes rítmicos y la chirriante guitarra de Jan. Carnival Fugue revisita el terreno clásico y más tranquilo de la banda, al igual que Elspeth Of Nottingham se recrea de forma muy acertada en los sonidos medievales. Focus III es el tema de la saga Focus que más me gusta de todos sus discos. Y después tenemos los dos temas más brutales y de mayor recorrido en los que la banda se explayan con todos sus medios puestos en marcha para la composición y la interpretación para conseguir dos de los mejores temas sinfónico jazzísticos que haya escuchado jamás. Esos temas sonAnswers? Questions! Questions? Answers! y la brutal Anonymous Two.

Un disco excelente y clave del sinfonimos europeo. Ojalá en directo el bueno de Thijs y compañía me hagan disfrutar la mitad de lo que lo hago con este disco. El resto de ingredientes que se aderezarán para esta excursión son más que idóneos para que el viaje sea de los que no se olvidan.

https://thepiratebay.org/torrent/3414296/Focus_-_III_(prog-rock_1973)_mpc__340kbps

http://www.focustheband.com/

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2009-05-25 - WILCO, Málaga - Teatro Cervantes

2009-06-02T03:26:00.000-07:00

Tras unos desconcertantes y a la vez psicodélicos Akron Family, salieron a escena los Wilco. Cuyo nombre, proviene de una frase de soldados americanos de no sé que guerra: “I will accomplish”. Cumpliré. No nos creamos que proviene de “Wild Company”. Ilusos.

Dicho esto, el concierto estuvo repleto de fuerza desde el inicio hasta el final y fue francamente emocionante contemplar los desgarros de Jeff Tweedy sometidos al descontrol embriagador de sus componentes y compañeros enfilando los instrumentos. Hubo un recuerdo a Jay Bennet, excomponente de la banda que se metió en pleitos y denuncias, fallecido el mismo día del concierto. El Santi Campillo de la Huerta Americana.

Wilco en directo, afortunadamente, como muchas otras bandas americanas tiene un repertorio amplísimo, variado y tienen todavía algo que se le debe exigir al resto de bandas en directo, la capacidad de sorprender. En este caso, el setlist estaba hecho a mi gusto (quizá faltó California Stars). A Shot in the arm (para mí la gran canción), Via Chicago con la perfecta ejecución de tormentas en la carretera por los teclados y la batería camino de Illinois mientras los instrumentos se desdoblan), el baladón Hummingbird (aquí percibí que al bueno de Jeff se le iba un poco la voz), los clásicos: Jesus Etc, I’m the man who loves you, adelantos del nuevo álbum... En general, acabé altamente satisfecho, porque sobre todas las cosas, esta es una banda de directo y en el maravilloso teatro Cervantes de Málaga (por su enorme musicalidad) sonaron de 10. Para nada, poco emocionantes, fueron atronadores.

Un recuerdo a todos los que nos acompañaron desde la lejanía a la cercanía: Antonio, Ricardo, Josemaría, Luis y Blanca.

En un mes o menos, está ya su nuevo álbum: “Wilco (The Album)" con la empresa a sus espaldas...

http://www.wilcoworld.net/
http://wilcoclub.com/

Lagartija Nick - 2004 - Lo Imprevisto

2009-06-01T07:07:00.001-07:00

Uno de los discos que más me gustan de Lagartija Nick. Rememora la frescura, la dirección de sus mejores trabajos de antaño como el anfetamínico Inercia. La recuperación de Erik a las baquetas es fundamental, la potencia, la punzada que le da a todas las canciones desde ahí atrás es clave en el sonido visceral de la banda, abandonado del metal y volviendo a la psicodelia en tonos más poperos. Por primera vez aparece en los créditos del menor de los Lapido a las guitarras en Contar Lo Que No Puedo Contar, para ser a continuación el guitarrista principal hasta nuestros días. A Antonio Arias se le escucha muy suelto y como siempre dando rienda suelta a sus imaginacíon, a su capacidad onírica y de ciencia ficción prara hilvanar canciones y letras que hablan de amor, energía, cosmos, enigmas y matemáticas. Adoro la lisergia y mística que desprende Fulcanelli.

Grabado en El Refugio Antiaéreo de Los Planetas y colaborando ellos mismos en varios temas, se nota el giro radical de a tendencias más melódicas, más directas y menos escabrosas que en sus excursiones inmediatamente anteriores. La buena senda reiniciada en Lo Imprevisto continúa hasta nuestros días, pasando por el también muy bueno El Shock De Leia y acabando en su reciente Las Marcas De Mi Larga Duración.

Si Lagartija Nick no fueran de Granada y su ascendencia fuese extranjera, otro gallo nos cantaría y estaríamos hablando de una banda internacionalmente grande.

http://www.lagartijanick.com/

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2009-05-15 - Azkena Rock Festival - Sábado

2009-05-31T12:32:00.000-07:00

He tardado la tira en escribir esta crónica porque me daba una pereza infinita y porque en mi humilde opinión ha sido de los días más aburridos que he pasado en todos mis años azkeneros, y ya van unos pocos. Decir que mi llegada en solitario coincidió con los últimos temas de un Dan Auerbach realmente interesante, con una jovencísima banda y con dos baterías en el escenario francamente bien sincronizados! Me dio pena no haber llegado antes, porque por los últimos temas pareció ser un buen concierto de rocanrol sin tapujos.

En mi viraje a la otra banda decidí posarme sobre la loma verde a contemplar desde la lejanía el show de Woven Hand. Sin parecerme nada grandioso, encuentro sus discos entretenidos, y el directo fue cuando menos curioso, con ese sonido a caballo entre el folk, el metal algo gótico y esa forma de cantar que Edwards se gasta pasándose todo el concierto sentando. Me gustó bastante cuando sacó el banjo eléctrico, pero el concierto no pasó de discreto aunque tuvo algunos momentos de intensidad buenos.

Unos de mis objetivos del día era disfrutar de los New Christs y la verdad es que quedé complacido. Sin desmelenarse en demasía gozaron de un buen sonido y pusieron en práctica ese rock sucio pasado por tantas y tantas etapas que han dejado en el candelero una buena colección de canciones. Estuvieron bastante bien, con su pose netamente australiana, a pesar de que el público no acompañó mucho.

El mejor momento del día sería para Mike Farris y mis acompañantes volvieron para la ocasión para darme compañía y alegría. El señor Farris es conocido por estas latitudes por ser la voz de los magníficos y extintos Screamin' Cheetah Wheelies y ahora se dedica a cantarle a Dios desde el soul de piel oscura más profundo. Lo mismo que hizo Eli Paperboy el día anterior, lo consiguió el bueno de Mike (también lo hizo por la mañana en la plaza de la Virgen Blanca con toda la banda) acompañado de un elenco de músicos estupendos y unas estupendas coristas. La voz a este tío le sale del alma de forma desgarradora, con un feeling atronador y un pellizco insolente. La gente estaba en el bote antes de comenzar. Lo mejor del sábado sin duda.

Era la hora del bollo y del repostaje y cuando volvimos a Mendizabala los ya entraditos en años Molly Hatchet estaban afrontando la mitad final de su concierto. Se les veía bastante cómodos y sacando un buen sonido de su heavy rock de tintes sureños como la bandera que llevan por todos lados. Tuve la suerte de asistir a uno de los mejores momentos del festival cuando completaron de forma magistral uno de los mejores temas e himnos imperecederos del rocanrol americano, Freebird de los Lynyrd Skynyrd. La versión fue francamente impecable y demoledora, con toda su parte final de solazos aplicados de forma perfecta y electrizante. Yo bailé como un auténtico condenado.

El sorpresón del día para mi fueron The Soundtrack Of Our Lives. Sinceramente, no tenía ni puta idea de lo que hacían estos tios y creo que jugó a su favor totalmente, porque me llenaron de gratas sensaciones. Por un lado un gran regusto a rock clásico, pero con acercamientos a veces muy melódicos y poperos, a la par que cierta psicodelia y experimentación, con unos teclados que me gustaron mucho. Pero sobre todo, les vi convencidísimos en la defensa de sus canciones que debo decir que en algunos momentos me emocionaron bastante. Una grata sorpresa y un apunte para el descubrimiento.

Los shows de Fun Lovin' Criminals y Alice Cooper no interesaban a ningún componente de la expedición, así que fuimos a repostar y al bajar el concierto daba sus últimos coletazos. Pero nos dio tiempo a ver al tipo en camisa de fuerza, colgando en la soga y vestido de no sé qué pero con una espada y un bastón utilísimos para pinchar los globos de uno de los viejos trucos del rocanrol. Hombre, he de decir que no sonaba mal, que Poison es cuando menos entretenida, pero poco más. Este hombre no parece gozar de mucha voz a sus años, y los que le acompañan parecen buenos mercenarios pero no había mucha sangre ni dolor. A pesar de eso la mayoría de la gente lo flipaba.
Y allí nos quedamos para dar ver a los Toy Dolls que dieron un conciertazo sublime para los gustosos del punkrockeo hilarante, veloz y fresco. Yo me lo pasé pirata a pesar de no conocer ni uno sólo de los temas, y es que los pildorazos de tralla, melodía, bailoteo y solicos de locura eran más que suficientes para animar a los desenfrenados azkeneros antes de afrontar el fin de fiestas en las carpas del rockerío. Un buen sabor y una sonrisa de oreja a oreja para acabar este Azkena 2009.

Salud!

Giant Squid - 2009 - The Ichthyologist

2009-05-28T09:25:00.000-07:00

Los americanos Giant Squid son una banda realmente sorprendente, de las que abren nuevas visiones, nuevos gustos a partir de la fusión de antiguos y nuevos conceptos, llevándolos a consecuencias a veces casi extremas, pero con muchísimo acierto y altas pretensiones artísticas.

Podemos hablar de algo de post rock, de stoner, de sinfonismo, de metal, de psicodelia, de vientos y cuerda a lo King Crimson, paisajes y momentos de tendencias muy jazzísticas, de voces alucinadas a lo Pink Floyd o guturales metaleras que nunca llegan a ser molestas. En una amplia concepción, hablamos sin duda de rock progresivo. Estan los temas, los tiempos y las aproximaciones muy bien equilibrados entre las secciones más duras, las más ambientales y calmas para hacer de la escucha un viaje de sensaciones heterogéneas pero accesibles y muy bellas. A cada escucha percibo cada vez más lo ecléctico que este diso, aunque
todo esté enfocado bajo un prisma relativamente oscuro, ambiental, denso y enigmático incluso en los momentos más calmos, en gran medida opresivo, con una base rítmica potente y medida la mayor parte de las veces en que participa. Giant Squid ha conseguido con su segundo álbum una obra que creo perdurará muy bien y sirve de testigo a lo que entiendo como un progresivo atrevido que coge el pasado para revolverlo con algunas tendencias actuales y ofrece una obra grande e inspirada.

Me encantan Throwing A Donner Party At Sea y Sevengill, tienen prácticamente todo lo que Giant Squid ofrece en este disco completísimo, interesantísimo y lleno de matices sobrecogedores a cada nueva escucha, que se merece la atención de los oidos aventurados y ávidos de sensaciones. No puedo evitar que la preciosa portada me recuerde a la del debut de Year Long Disaster.

http://alexwaits.blogspot.com/2009/02/giant-squid-ichthyologist.html

http://www.myspace.com/giantsquid

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U.F.O. - 1974 - Phenomenon

2009-05-25T15:29:00.000-07:00

Después del abandono de Bolton y de un primer disco irregular y un segundo estupendo en el que flirtearon con el space rock y las canciones de larguísimo recorrido, U.F.O. se encontró con un jovencísimo y ya gran Michael Schenker que les marcaría para siempre y les llevaría a la leyenda y fama que ahora tienen. Este jovencito alemán que tocaba con los Scorpions compuso la mayor parte de este su tercer álbum, Phenomenon, que tiene himnos hardrockeros como Doctor, Doctor y Rock Bottom. Los discos que vinieron después durante toda la década de los 70 siguieron la senda marcada por este Phenomenon, pero quizá de manera cada vez menos fresca, más farragosa y tirando hacia al mainstream descaradamente antes de la marcha de Schenker para montar las primeras encarnaciones de su también famoso MSG.

Este disco es un estupendo ejemplo de por donde iban los tiros en el mundo del rock duro que empezaba a dar forma a lo que se llamaría heavy metal. Sin llegar a ser tan poderosamente influyentes como otros de sus conteporáneos, U.F.O. se merece un puesto de honor por tener canciones muy memorables. Este disco en concreto rebosa de buen hacer, buen gusto en las armonías y arreglos y una gran frescura y creatividad en la composición que se iría al garete con el paso del tiempo y la llegada de los 80. Me encanta de principio a fin y siempre lo escucho de una tirada, sin tirar de los clasicazos, el comienzo es estupendo con Oh My y el medio tiempo de Time On My Hands es encantador, por no hablar de la estupenda versión de Built For Comfort. Toda la banda está muy brillante, destacando un Schenker impecable y emocionante, echar una oida a Lipstick Traces.

Un disco fundamental dentro de la historia del rock melenudo.

http://ellaboratoriodeldiablo.blogspot.com/2008/06/ufo-phenomenon-1974.html

http://www.ufo-music.info

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The Muggs - 2008 - On With The Show

2009-05-24T02:22:00.000-07:00

Los mejores tonos del blues y el rock clasico puestos en forma de power trio que va a la yugular, con gusto por la melodía, el dinamismo, el riff y la calidez. On With The Show es el segundo disco de The Muggs, que retoma la senda del primero para afianzarse aún más y reivindicar los gustos más clásicos e imperecederos, al más puro estilo Detroit.

Váyanse a temazos como Just Another Fool para recibir un derroche de buen gusto de rock moderno con raíces blueseras cantado de forma espectacular, repletito de riffs y solos incendiarios con un sonido verdaderamente auténtico. Si quien bues más clásico se tira de un Curbside Constellation Blues lleno de feeling y una estupenda sección rítmica, que me sabe mucho a los remakes y blueses propios de los mejores Led Zeppelin. Potentísima es Down Below, que tira de riffs poderosos y coge parentela con el stoner en muchos momentos y no tiene nada que envidiarle a las mas rítmicas y directas canciones de Gov't Mule. Never Know Why basada en el riff, en el toma y daca y un un trabajo estupendo a la caja, se convierte en momentos de trance en la parte centrales con esos ambientales sobre el colchon rítmico. Con Get It On ya no hay remilgos y van directos a dejarse la piel.

Son de estas bandas que en directo deben destrozarte, poder y rocanrol.

http://svetlana69.blogspot.com/2008/05/muggs-2008-on-with-show.html

http://www.themuggs.com/

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Greenslade - 1973 - Bedside Manners Are Extra

2009-05-22T06:39:00.000-07:00

El piano, los juegos de teclados y las cortinas de mellotrones son los grandes protagonistas para conformar ambientes bastante luminosos y pastorales en el universo de esta banda particularmente en este, uno de sus mejores, si no el mejor de sus discos. El bajo retumbante tan clásico en la época da el soporte para los juegos de Greenslade y Lawson, y la voz melosa de este último cuando ocasionalmente canta, algunas veces de forma preciosa como en Sunkissed You're Not. A pesar de no encontrarse entre los grandes superheroes del progresivo setentero, este disco de Greenslade me parece encantador y dignísimo de ser escuchado y recuperado una y otra vez, no se hace para nada cansado y es muy redondo y conciso.

Es todo muy paisajístico y recurrente a los Yes menos experimentales y directos al grano. Aunque no haya guitarras, hay mucho más de Yes que de ELP. Incluso tenemos un trabajo estupendo de batería, con solo incluido, en la por momentos vertiginosa Drum Folk. Algo que para muchos será un defecto pero para mi es un encanto son los pequeños defectillos de producción, los detallitos ruidosos, me dan una sensación de veracidad que no puedo describir.

Otra joyita de los 70 para digerir con alegría y encima con una de esas oníricas portadazas de Roger Dean.

http://krautlove.blogspot.com/2009/03/greenslade-bedside-manners-are-extra.html

http://www.angelfire.com/music4/greenslade/

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2009-05-15 - Azkena Rock Festival - Viernes

2009-05-20T07:09:00.000-07:00

Alonso, Hale, Blanca y yo preparados para un viernes de rocanrol vitoriano. La cosa estuvo calentita desde el mediodía en la Plaza de la Virgen Blanca, donde Eli Paperboy Reed solito con su guitarra nos dejó claro que el soul y las voces negras no están asociadas a la raza sin solución. Menudo vozarrón y presencia tiene el amigo con 20 y pocos años.
Ya en Mendizabala llegamos con los Howlin' Rain un poco empezados y no hay cosa de la que más me arrepienta ahora en el mundo. De los mejores del festival sin duda alguna, con ese rocanrol de raíces sacado de la manga y puesto en el escenario con potencia, elegancia y un desgarro a la hora de cantarlo y afrontarlo que se metieron al público en el bolsillo claramente. El sonido del Hammond fue perfecto y las interpretación de las canciones con jams incluidas realmente escandalosas. La pena es que les dieran ese puesto de mierda y no pudiesen tocar al menos una hora. Los recomiendo encarecidamente al cualquier gustoso del rock clásico que ame la carne muy asada, y en directo aún más. Ya comenté aquí su magnífico segundo álbum Magnificient Fiend.

Cambio de escenario para encontrarnos con Elliot Brood, unos tios que mezclan el country, el bluegrass, sin bajo y con una base rítmica bastante monolítica. Estuvieron bastante entretenidos, con algunos momentos muy brillantes, pero tampoco me reventaron la cabeza. Viniendo como venía del otro escenario era muy difícil...

Dándonos la vuelta al poco rato nos encontramos con unos Dr. Dog con un estruendoso sonido, más culpa del técnico que de ellos mismos, y tuvimos que verlos bastante alejados no quedarnos sordos. Bajo un prisma algo más popero y melódico, estos tios tenían unas buenas canciones debajo del brazo pero tampoco me volví muy loco, pero una de las componentes de la excursión fue de los grupos que más disfrutó.
Tuvimos que obviar por razones logísticas y muy a mi pesar a los Fabulous Thunderbirds, pero estuvimos pronto de vuelta al Ron Asheton Stage (que bonito quedó el cartel con la tipografía de los Stooges) para ver desde la loma verde a Eli Paperboy Reed con toda una banda de soul al completo hacer vibrar al respetable de forma bastante sobrecogedora al ritmo de su poderosísima voz y de los vientos acompañantes. Fue un estupendo concierto, bastante sobrecogedor y animado que consiguió algo que en el Azkena es muy raro y difícil de conseguir, hacer un bis sin ser cabeza de cartel. El bueno de Eli tiene una prometedora carrera por delante si sigue interpretando de esta manera tan brutal. Al poco nos subimos a las tiendas a repostar para volver a ver a Bad Brains.

Pero sorpresa! Bad Brains se habían caido del cartel y hasta hace unos días no nos enteramos de quienes eran aquellos tipos, UK Subs, que descargaron un punkrock melódico con muchísimo oficio y con gran cara dura. Para Hale fue de lo mejor del festival y yo he de decir que lo pasé francamente bien y me parecieron uno de los siempre agradables contrapuntos que nos depara la organización del Azkena. Punkrock de verdad a una buena hora para despertar la mente y los músculos.
Vimos los primeros 25 minutos de unos Zombies bastante en forma para su edad, desgranando parte de su Odessey & Oracle, y con unas voces casi intactas creando esos coros y ambientes de teclado y piano tan característicos. Pero había que repostar para aguntar el tirón de después en buena forma.Ya de bajada tomamos buena posición para ver casi al completo el show de Soul Asylum, que sin parecerme nada esplendoroso, creo que estuvo a la altura de las circunstancias y me gustaron bastante sobre todo sus grandes temas del Grave Dancers Union. Hicieron un concierto bastante completo, vibrante y emocionante sobre todo Runaway Train y Black Gold.

Amiguitos, era la hora de los que llevamos tantos años soñando con los Black Crowes en el Azkena y no creo que nadie saliera de allí defraudado. Aunque ni Eddie Harsch ni Marc Ford estén ya en los Black Crowes, este tal Luther Dickinson a las 6 cuerdas no se puede decir que le vaya a la zaga en cuanto a maestría y buen gusto. Los hermanísimos Robinson y cía hicieron un conciertazo espectacular en el que sobre todo rindieron cuentas con sus dos primeros albums. Ahí queda el setlist para que se coman las uñas los que no pudieron ir:

Sting Me
Twice As Hard
Goodbye Daughters Of The Revolution
Hotel Illness
Soul Singing
Oh Josephine
Wiser Time
Thorn In My Pride
Poor Elijah - Tribute To Johnson (Medley)
Sister Luck
Jealous Again
Hard To Handle
She Talks To Angels
Remedy
Wounded Bird
- encore -
Thick N Thin

Lo mejor para mi fue la jam en Thorn In My Pride, ahí dejo un video con un trocito, ojalá hubiesen tenido más tiempo para dar aún más rienda suelta a ese tipo de momentos. Lo que nunca llegaré a entender es porque cojones no recuperan nada del By Your Side y del Three Snakes And One Charm, dos discazos exquisitos en los que flirtearon algo más que con sus raíces.

Después de este despiporre de rocanrol llegaban los japoneses Electric Eel Shock para demostrar que es muy difícil ser más frikis que ellos. Se saben todos los trucos, todos los gestos, todos los riffs y manías de los clásicos y lo dejaron en el escenario vapuleando sus canciones más directas e incendiarias. A mi me gustaron un montón, pero más me hubiesen gustado si hubiesen tocado más y hecho el tonto menos. Aún así me parecen una banda de la ostia.

Y eso fue todo el musiqueo sin contar lo que pusieron los djs en las carpas que nos mantuvo hasta las 6 de la mañana bebiendo y zumbando.

Para otro día dejaré el sábado.

Salud!

Truckfighters - 2007 - Phi

2009-05-18T13:37:00.000-07:00

Hace poco que vengo escuchando este disco y descubriendo a esta banda y me está gustando bastante. Tirando claramente de Kyuss y, aunque menos, un poco de Fu Manchu, estos tios se desenvuelven en tonos muy graves, con muchísimo fuzz, en un stoner que toma los pasajes mas densos y rudos y tambien los psicodélicos para desarrollar su sonido. Pero lo que más me gusta es que está lleno de momentitos y pinceladas progresivas en su manera de componer y estructurar las canciones y las melodías.

Es inevitable decir que desprende potencia y psicodelia por todos los costados, pero con una dosis de elegancia y preciosismo muy grandes. Que buena Suecia, como siempre. Realmente recomendables, la variable Chamilion en su largo contexto pasando por todos los paisajes sónicos que nos ofrece esta banda. Warhead es también otro temazo, instrumental muy potente y con estructura compositiva muy entretenida.

Más stoner para tenernos bien colocaditos durante un rato y soñar en mil dimensiones.

http://www.taringa.net/posts/musica/1118194/Truckfighters-(Stoner-Rock).html

http://www.truckfighters.com/

Salud!

2009-05-14 - Azkena Rock Festival - Jueves

2009-05-18T08:38:00.001-07:00

Más acompañado que nunca volvía al Azkena después de un año de ausencia tras 3 consecutivos. El jueves se antojaba como el día más flojo y efectivamente así fue.

Llegamos para el final de la actuación de los Burning, que si bien no son de lo que más me vuelve loco parecieron cumplir con su rocanrol sudoroso ochentero, de letras de borrachera, perdición y negrura, si bien el público parecía pasarlo bastante pirata.

White Denim protagonizaron de lo mejor momento del día. Tres tipos (aunque el bajista parecía tener 10 años) que se saben el rocanrol de memoria y lo ponen en práctica para mezclarlo, ponerlo del revés y hacer una serie de canciones enrevesadas que se salvan por su originalidad, su potencia y su descaro al ser interpretadas. La base rítmica era una locomotora a prueba de bomba y el concierto fue especialmente frenético. Estupendo, aunque para mi gusto la guitarra estuvo demasiado baja y no se apreciaba bien el mar de efectos, sobre todo wahwahs, en el que andaba naufragando.

The Freeks venían casi como los únicos del festival con la etiqueta del stoner colgada, no en vano cuentan con parte de la flor y nata de la escena desértica californiana. Para mi gusto fue lo mejor del jueves y fue una verdadera y agradable sorpresa disfrutar de mi querido Ruben Romano cantando de forma estupenda y manejarse bastante bien a la guitarra. Encima en el última tema cedió el micro y se puso a tocar la batería demostrando que es una auténtica máquina a las baquetas. Poderoso rock, con ramalazos claros del stoner, pero sobre todo con mucho sudor, rock y trasfondo de canción de autor.

The Breeders no me parecieron nada del otro jueves, como tampoco me lo parecen en mis escuchas de sus discos de estudio. Fue el momento elegido para ir a zampar algo a la tienda y a coger más ron.

Volvimos un poco antes de que acabaran The Breeders para volver a ver a Juliette y a su nueva banda. A la tipa no se le puede negar el carisma, la voz rocanrolera, la caradura, las ganas de hacerlo bien y la presencia perfecta para liderar a una banda, pero en esta ocasión creo que no le acompañaron demasiado las canciones. Recuerdo a sus Licks de hace varios años y el buen sabor de boca que me dejaron, que les deja a estos New Romantiques un poco mal. De todas formas el concierto estuvo bastante animado y la buena de Juliette de nuevo tuvo ganas de lanzarse al público (que no serían más de 10.000 almas) y dar un poco de caña. Se salvaron con el cierre de Speaking My Language.

Los Hardcore Superstars fueron tan inmensamente lentos en empezar y las nuestras eran tan escasas las ganas de verlos, que ahí se acabó nuestro festivaleo para el jueves. El día más flojo musicalmente hablando de todos los Azkena en que he estado, salvado por The Freeks y White Denim. Me quedé con las ganas de ver a Inspector Cluzo, que algunos comentarios parecen ponerlos bastante bien.

Para otro día dejo el viernes con los inmensos Howlin' Rain y los todopoderosos Black Crowes.

Salud!

Tenhi - 1999 - Kauan

2009-05-12T12:32:00.000-07:00

Puede ser que tuviera que mudarme a Escandinavia, no sé que me dan los de por allí pero me tienen muy pillado. Guitarras acústicas de arpegios cristalinos, arreglos exquisitamente labrados que se acomodan suavemente al colchón de teclados y de batería tan efectiva como relajante. Eso es lo que encontrarás al atravesar esta puerta que te lleva al oscuro y melancólico norte.

Tenhi es invierno y frio, otoño y tristeza, pero calma, envuelve todo eso en armonía, retazos modernos del folk del norte de Europa marcado por el frio, con detalles progresivos que lo suben de categoría a obra de arte por expresividad y emotividad. Muchos momentos tienen un aire gótico, también a causa de las voces casi fantasmales que se exhiben en algunos momentos. Vientos y violines puestos aquí y allá con mucha concisión y buen gusto. Aires medievales en muchos cortes, recordándome al trabajo de guitarra de Ritchie Blackmore en su aventura con su mujer. Es folk pero recubierto de una capa de virtuosismo minimalista que lo hacen casi épico, más que entrañable es intimista, música para soñar despierto.

Tenhi es corazón e invierno en estado dual y puro.

http://www.taringa.net/posts/musica/1468167/Tenhi---Kauan-(banda-folk-progresiva-oscura).html

http://utustudio.com/

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Wobbler - 2009 - Afterglow

2009-05-11T12:49:00.000-07:00

Trabajo estupendo el segundo de los escandinavos Wobbler. El mejor sabor de boca a retro prog que me ha dejado un disco últimamante. Compuesto por dos temas de larga duración lleno de momentos bombásticos, repletos de complejas estructuras teclados vintage de todo tipo, ritmos variadísimos y complejos, dominio de los ambientes y vaivenes, con un mayor protagonismo de las guitarras y apasionadas líneas vocales en lugares muy precisos. Lo tienen todo para recordar a los mejores Anglagard, incluso en los momentos mas suaves y pastorales, con uso de mucho instrumentos medievales y amplio abuso encantador del mellotron que tanto me trae de cabeza. Los dos temas principales están rodeados por 3 piezas de corte claramente medieval, maravillosas y mucho más concisas como prólogo interludio (estupenda guitarra acústica, en la que se escuchan los slides como si estuvieses delante) y epílogo. Este disco de alrededor de 30 minutos es una auténtica delicia para el oido y la mente. De lo mejor del retro prog de los últimos tiempos. Y de nuevo desde Escandinavia.

Es muy curioso saber que esta música aquí presentada en 2009 llevaba escrita desde el siglo pasado, mucho antes incluso que la música editada en su álbum de debut, el también gratísimo Hinterland. Ver para creer.

http://sometime-world.blogspot.com/2009/03/wobbler-afterglow-2009.html

http://www.wobblermusic.com/

Salud!

Savia - 2008 - Fragile

2009-05-07T04:07:00.000-07:00

A veces sí y a veces no, a veces la vida nos da la espalda y a Carlos Escobedo le ha debido de ocurrir.

Breve resumen no-wikipédico: Carlos Escobedo exfrontman de un pedazo grupo de metal, Sôber, monta su propia banda, Savia, en 2005 con la idea de crear algo desde el principio, aprovechando el máximo tirón popular al que habían llegado con su anterior banda, donde podría controlar absolutamente todo desde arriba hasta abajo. Ya son tres los álbumes: Insensible (2005), Savia (2006) y Fragile (2008) con escaso éxito popular (todo sea dicho).

Hablaremos de su último álbum, Fragile. Si bien, en Sôber, tocaban mucho sobre bases de metal más clásicas (Judas Priest) y letras presuntamente oscuras y malvadas pero de una calidad algo pobre, en este nuevo cambio de Escobedo, se aprecia una intensa apuesta por componer mejores textos. Le ha costado 3 álbumes y en este lo ha conseguido, aunque para ello haya tenido que aproximar su sonido más cercano al rock alternativo para darle credibilidad. Parece una tendencia natural, con el paso de los años, que los ayatolá del metal no le vamos a censurar. Nada más hay que comparar la evolución entre los primeros discos de Sober-Stoned y este.

Ahora vayamos al grano. Savia se ha apoyado en este álbum de elementos de todo tipo: su sonido Savia propio, textos muy interesantes, instrumentos de viento, pianos, momentos Maiden, coros al más puro estilo Pink Floyd… Juegan muy bien con las canciones con medios tiempos, entre baladas y agresivas declaraciones de intenciones, entre velocidad y pausa. Es un disco muy completo, para mí el mejor. Destacando: Bienaventurados, Fragile, Sólido, Otra oportunidad, Universo, Intoxicada, Porvenir.

Ya sólo queda escucharlo. Sin ninguna pretensión que escuchar un buen rato de música.

http://www.youtube.com/watch?v=2JHDk_i1Bmk

http://laguaridaheavy.wordpress.com/2008/06/11/savia-fragile-2008/

http://www.savia.ws

Indukti - 2005 - S.U.S.A.R.

2009-05-06T14:47:00.000-07:00

El progresivo polaco actual goza de buenísima salud, sino miren a lo lejos y contemplen a grupazos como Riverside o Lizard, unos cantando en inglés y otros en su lengua autóctona, pero emparentados en patria y en buen hacer. Estos Indukti están hermanados con los anteriores hasta tal punto que este, su disco de debut, participa el bueno de Mariusz Duda poniendo la voz en varios cortes.

Esto está inmerso en lo que llaman progmetal, pero para mi gusto tiene muchísimo de sinfónico y también muchísimo de psicodelia. El uso del violín es francamente acertado, y si no tiene momentos estelares, sí que contribuye con altísima nota al conjunto total, al ambiente, al sonido identificativo que destila esta banda. La batería es bastante más atrevida y quizá frenética que en Riverside y no hay para nada abuso del echo, sino unas guitarras más cristalinas en los arpegios y paisajes calmados y más pesadas y rotundas en los paisajes duros. El equilibrio conseguido es bastante personal y efectivo. El leit motiv introducido en los temas No 11812 y No 11811 es francamente estupendo y me encanta. Freeder también me parece una canción como la copa de un pino.

Su segundo trabajo debería estar al caer, si es la mitad de bueno que el debut estaremos ante otro gran disco.

http://pollovolante.blogspot.com/2008/12/indukti-susar-2005.html

http://www.indukti.com/

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Blue Cheer - 1967 - Vincebus Eruptum

2009-05-04T11:32:00.000-07:00

Dentro de mi profano saber en este mundillo del rock, escuchar este disco y recordar que está hecho en el 67 da mucho que pensar y mucha tinta daría para derramar. El sonido tan atronador de este trío tan reivindicado por cualquiera que tira de la música con raíces para descargar potencia es difícil de describir. Las guitarras son tan abrumadoramente distorsionadas, que roza lo inhumano, el stoner tiene que dar la mano a Dickie Peterson y los suyos una y otra vez, y Black Sabbath no puede más que darse un tirón de orejas si pensaban en ser los primeros en sonar como salidos del infierno.

Pero no creo que Blue Cheer quisiera sonar como salidos del infierno, creo que su rollo de mezclar blues y psicodelia en tonos tan graves como asoladores no tenía nada que ver con eso. Mucho de droga sí que debía de haber. En este disco está el número que les haría tan famosos y que hoy día siguen mostrando por ahí, en su enésima encarnación mientras defienden su último trabajo después de mucho tiempo, What Doesn't Kill You...Hablo evidentemente de su versión de Summertime Blues, una de las cosas más musculosas que seguramente se oían en aquella época y un auténtico vendaval de energía y distorsión. Tampoco hay que perder de vista otros temazos como Parchment Farm o la otra versión del disco en forma de Rock Me Baby.

Este disco es un clasicazo y sirve para comprender ciertas cosas ocultas aún para muchos. Sólamente por curiosidad y ver cómo se podía hacer sonar las guitarras de tal manera en aquellos años este disco es de más que merecida escucha.

http://demons-eye.blogspot.com/2008/02/blue-cheer-vincebus-eruptum-y-original.html

http://www.bluecheer.us/

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Gentle Giant - 1971 - Acquiring The Taste

2009-05-03T13:37:00.000-07:00

Es estupenda la sensación de tirar del hilo de algo que te gusta, te sorprende y te hace vibrar para descubrir que lo que esconde la madeja es todavía más increible y lleno de sorpresas que el hilo de oro inicial. Cuanto más ahondo en las raíces del movimiento progresivo setentero más entusiasmado me encuentro. Gentle Giant están vistos por crítica y público como una de las bandas más influyentes, experimentales, expresivas y atrevidas que han existido jamás. Para adentrarse en su mundo hay que ir sobre aviso, con las orejas muy abiertas y los prejuicios olvidados en el cajón.

La mezcla de rock duro, música clásica y medieval, discordancia, psicodelia, esos juegos corales de voces ahora convergentes ahora divergentes, tan imitadas, tan influyentes en el género, y una amalgama de instrumentos que, por su número y por su interpretación, asustarían a cualquiera, hacen de la música del gigante gentil una verdadera aventura auditiva. Es fácil entender que estos tipos no disfrutarán del éxito de otros de sus contemporáneos, porque francamente los encuentro mucho más arriesgados, extremistas, inconformistas. Cuando uno se hace al terreno que está pisando no puede hacer más que disfrutar y quedarse perplejo ante el atrevimiento, la maestría y el don de estos tipos, que al juntarse producían verdaderas obras maestras. Atentos a Pantagruel's Nativity, The House The Street The Room, Wreck como una de mis favoritas de todo su repertorio y Plain Truth.

Las líneas interiores del disco pueden sonar pretenciosas, seguramente lo son, pero hablan de honestidad, de ideas de vanguardia, experimentación y confianza plena en sus virtudes:

"Acquiring the taste is the second phase of sensory pleasure. If you've gorged yourself on our first album, then relish the finer flavours (we hope) of this, our second offering. It is our goal to expand the frontiers of contemporary music at the risk of being very unpopular. We have recorded each composition with the one thought - that it should be unique, adventurous and fascinating. It has taken every shred of our combined musical and technical knowledge to achieve this. From the outset we have abandoned all preconceived thoughts on blatant commercialism. Instead we hope to give you something far more substantial and fulfilling. All you need to do is sit back, and acquire the taste."

Discos como este son de los que marcan época, mentes y son realmente irrepetibles.

http://ilcantosospeso.blogspot.com/2008/02/gentle-giant-acquiring-taste-1971.html

http://www.blazemonger.com/GG/Gentle_Giant_Home_Page

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Mangala Vallis - 2002 - Book Of Dreams

2009-04-29T07:43:00.000-07:00

Mangala Vallis no inventan nada absolutamente nuevo en ninguno de sus hasta hora dos discos editados. Afincados en el retro prog más acérrimo, Yes y Genesis es los que verás al abrir su libro de sueños en las primeras ocasiones, pero todo hecho con una calidad, dedicación y luminosidad que hacen que sea un disco realmente disfrutable, entretenido y que apetece oir a menudo.

Tras la Overtura con pasajes de teclado únicamente empieza Is The End The Begging, un pedazo de tema en el que se presenta el sonido de la banda en todo su esplendor, dominando el espíritu yesesiano en las líneas y sonido del bajo y los teclados, con solos de guitarra punzantes y cristalinos al servicio de bellas melodías vocales. The Journey también se configura como otro temazo en el que no hay alardes tecladísticos pero sí que se configura un melodioso ambiente para que los licks de guitarra tengan más protagonismo. Days Of Light es realmente esponjosa y los saxos le dan un buen toque. Under The Sea es instrumental y es una de las canciones que más me gustan, siendo la más trepidante y la que tiene más momentos de teclado bombástico. El cierre del disco con A New Century tiene una combinación de piano y guitarra acústica me gusta mucho y me recuerda un poco a Spiral Architect de Black Sabbath.

Progresivo sinfónico de siempre hecho por italianos pero mirando a Inglaterra.

http://www.mangalavallis.it/

Salud!

Lake Of Tears - 1999 - Forever Autumn

2009-04-27T13:28:00.000-07:00

El otoño me fascina. Este disco es otoño enteramente, ni trampa ni cartón. Lake Of Tears son suecos, saben qué es el otoño, saben contarlo y hacértelo sentir. Dentro de que su estilo es más bien metalero y gótico a partes iguales, este disco está lleno de exquisitos momentos acústicos, delicados arreglos simplistas de cuerda, piano y teclados, y la voz de Daniel Brennare mantiene sus tonos a lo Hetfield, pero dentro de la dulzura y la melodía. Sin duda, lo peor de esta banda es la batería, desastrosamente lineal y aburrida, como en cualquier canción de ACDC. Pero ahí están las canciones estupendas, si uno consigue obviar la base percusiva y se queda con el resto.

Este es el disco que más me gusta de Lake Of Tears y el único que realmente recomendaría a cualquiera. Es realmente emotivo y te transporta fácilmente a las imágenes de su portada. Realmente estupendas son la introductoria So Fell Autumn Rain, la propia Forever Autumn, Lilytune y el final maravillosamente acústico de To Blossom Blue.

http://shaamaniac.blogspot.com/2008/08/lake-of-tears-forever-autumn-1999.html

http://www.lakeoftears.net/

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Alice In Chains - 1996 - MTV Unplugged

2009-04-25T05:38:00.000-07:00

Hay bandas a lo largo de la historia que han sido capaces de crear material que en soledad se defiende, que rebosa emotividad, que se testifica como fundamental sin necesidad de argumentos tal y como están almacenados en los discos. Alice In Chains consiguieron con este famosísimo concierto de la MTV llevar todas esas afirmaciones al extremo más exagerado que se pueda uno encontrar. De todas los conciertos que esta saga clásica haya visto en su historia, como este no se podrá repetir uno jamás.

Alice In Chains atravesaba la peor etapa de su carrera fruto de la intensa adicción del malogrado Layne Staley, una de las voces más desgarradoras y sentidas que jamás se haya visto en un escenario. Y es que cuando se canta de verdad, cuando se cantan las vivencias, los sufrimientos, los miedos y las esperanzas de uno mismo, el alma que se desprende de las interpretaciones no puedo hacer más que llenar a los que están alrededor.

La selección de canciones es perfecta, repleta del lado acústico que desarrollaron sobre todo en sus EPs SAP y Jar Of Flies, con un Jerry Cantrell y Mike Inez como auténticos maestros de sus instrumentos. Es emocionantísimo comprobar en el video como Layne se equivoca en Sludge Factory y grita un tétrico: "SHIIIIIT" y con toda la cara del mundo vuelven a empezar la canción.

La actuación más desgarradora y llena de sentimiento que podrás encontrar.

http://b-drivefar.blogspot.com/2009/04/alice-in-chains-mtv-unplugged-1996.html

http://www.aliceinchains.co m

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Calexico - 1999 - Roadmap

2009-04-21T15:42:00.000-07:00

El mundo creado en los discos de Joey Burns y John Copertino es francamente visual, uno parece inmerso en cualquier paisaje desértico estadounidense con dejarse llevar un poco. Es relativamente fácil caer hipnotizado ante la oleada y mezcla de folk acústico y experimental con esos tonos de mariachi y spaguetti western.

Las ilusiones creadas por estos tipos pueden ser difíciles de comprender y de alcanzar al poco de interesarse por ellas, es por eso que encuentro este EP grabado en las propias casas de sus protagnoistas realmente interesante para el acólito fronterizo. En él se encuentran los ingredientes que les han hecho famosos en todo el mundo y hacer de su Wavelab Studio un sitio de referencia y en el que más de uno quiere grabar y ser mezclado (sino atentos al bueno de Jairo Zabala y a su proyecto en solitario Depedro). Además, encuentro la colección de canciones mucho más directa y accesible, con muchos menos ornamentos y experimentaciones (excepto en los cortes finales), que pueden hacer que el oyente medio tire adelante y se atreva con otros caprichos. Excelentes son El Morro, la versión de Minas de Cobre y Glowing Heart Of The World.

Para pasearse a gusto por el desierto desde cualquier lugar del mundo, especialmente en carretera.

http://babeblogue.blogspot.com/2007/02/calexico-road-map-1999.html

http://www.casadecalexico.com/

Salud!

Jethro Tull - 1970 - Aqualung

2009-04-20T11:51:00.000-07:00

Jethro Tull es una de las más poderosas influencias y grandes valores del género progresivo a nivel mundial, la cabecera del folk mezclado con el progresivo, a pesar de que en su dilatada carrera han flirteado con una ingente cantidad de estilos. No es raro que para muchos ponerse a descubrir a esta banda puede erigirse en toda una proeza.

Esta es de mis discos preferidos y que contiene himnos que los hicieron famosos. Contiene ramalazos hard rockeros dignos de los sus poderosos rivales contemporáneos, las dosis perfectas de estructuras complejas compositivas y, por supuesto, numerosos momentos completamente folk con la flauta y la voz del maestro Ian Anderson marcando las señas de identidad claramente. Creo que es un álbum perfecto para empezar con los Tull, un disco que anda a caballo entre su blues folk iniciático, sus momentos más acústicos, las descargas de rock duro y las tendencias progresivas alrededor de cierto concepto central. Y si atendemos simplemente a las canciones uno no puede más que rendirse ante la majestuosa Aqualung, la estupenda mezcla de rock y folk de Cross Eyed Mary, las flautas hipnóticas de Up To Me y la intriga de My God. Los cortes acústicos de Mother Goose y Wondrin' Aloud también le dan cierto toque mágico al disco. Encima está el himno que supone Locomotive Breath.

Este es un disco clásico en la historia del rock, y puede convertirse en básico para cualquier alma rockera con sensibilidad hacia los ambientes pastorales que quiera emprender los primeros pasos hacia escenas un pelín menos accesibles.

http://www.taringa.net/posts/musica/1654963/Jethro-Tull---Aqualung.html

http://www.jethrotull.com/

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2009-04-17 - Jean Paul - Granada, Planta Baja

2009-04-18T02:36:00.001-07:00

Mi primera visita al mítico Planta granadino, buen trabajo que nos costó encontrarlo a los fans de los discos de los Rachels que nos habíamos entregado a la travesía desde Málaga para ver a Jean Paul presentar su primer disco en Granada, Manolo y Dani, otro batallón de mi ejército de compinches concierteros.

Yendo al quid de la cuestión, decir que el Planta es ese tipo de sitios, garitos, antros, que me encantan, un sótano al que bajar por una escalera con su buena dosis de oscuridad, su escenario un pelín levantado con sitio suficiente para que todo el mundo quepa sin demasiada holgura y predisposición en la gente a sobredosis de electricidad y otros insignes licores.

Raúl y cía nos dieron una gran noche, debidamente ataviados y con las armas afiladas y sedientas de sangre. Irónico comenzar con Fin, una de las mejores canciones escritas por Raúl, y la única, junto a El Mal Trago, en la que tiró de su teclado (una pena, debería prodigarse más en mi opinión). Fin quedó realmente estupenda, más parecida a la versión de Serpientes Y Martirios que la de Breve Historia Universal, y dejaba paso tras la retirada al segundo plano del teclado y el afine de guitarras correspondiente para otro temazo de poner los pelos de punta en la forma de Pasado El Tiempo. A partir de esas dos brutales canciones, el terreno quedaba alisado para que se desgranaran las cuatro primeras canciones en orden riguroso de Breve Historia Universal: Viéndolas Venir, donde ya todo estaba perfectamente engranado y sonaba a ángeles, especialmente el banjo y la hármonica, Mejores Días, me encanta como esta canción es capaz de describir un cuadro, una escena, un paisaje, esa brusca intensidad en el puente instrumental, Buscando Casa, con Raúl desprovisto de guitarra y escupiéndonos a la cara su desgarro, y la más vitaminada Inviernos, con ese estribillo que me mata y que sonó realmente rotunda y en el que el solo de Víctor fue estupendo.

Después volvíamos al piano para El Mal Trago, donde no pude evitar echar un vistazo entre el respetable para vislumbrar la cara del Maestro, al cual por cierto le dio las gracias Raúl durante el concierto. Mala suerte, no sucedió la esperada colaboración, otra vez será. Eso no quitó para la que la canción siguiese sonando estupenda, con Víctor tirando el solo de Lapido a la basura y haciendo otro a su estilo igualmente emocionante. Una pausa venía ahora para intercalar Breviario Del Caos, otra de las estupendas canciones de Serpientes Y Martirios, que animó a mover un poquito los pies y desperezar mi guitarra aérea. Después vino otra de mis preferidas del disco, Eureka!, donde Paco hizo malabares con el ebow para emular el violín, que quedó muy contudente marcando Popi desde atrás francamente bien. Otro momentazo a continuación con Menagerie, una de las canciones más descarnadas que he oido en cierto tiempo, donde los cambios de intensidad son los protagonistas y encima Paco hizo de nuevo malabares, en esta ocasión con un Theremin!!!. Era la primera vez que veía en persona uno de estos cacharros (siempre los vi más grandes, aunque en los 70 vete a saber si no los podían hacer más pequeños) y lo cierto es que te quedas alucinado con los soniquetes del espacio exterior que de ahí pueden salir. Para ir cerrando la primera tacada siguió la brutal Era Un Día, seguramente una de mis grandes preferidas, y para cerrar definitivamente Uno Más En El Exilio. Esta canción tiene francamente algo muy especial, lo nota la gente, lo notan los músicos, está en la canción. Hubo uno de esos momentos entrañables cuando a Raúl se le olvidaban las primeras estrofas, Paco le intentaba echar una mano y al final cantaban la segunda, y para que el resto de la banda entrase bien al estribillo echaba Raúl la mirada atrás y golpeaba el acorde final del verso con más fuerza. Paco hizo la parte de letra que le correspondía a Lapido en el disco (cuya chuleta por cierto tengo aquí delante) y quedó muy bien.

Tras el viejo truco del rocanrol se pegaron el gustazo de tocar El Colectivo, madre mía que canción más brutal y destructiva, después de oirla te quedas para el arrastre. Con el freno de mano echado al servicio de la intensidad emocional, con esa estructura repensada y estudiada para dar soporte a unos versos debastadores. Creo que la parte final es una verdadera obra de arte. El fin de fiesta quedaba ya claro que estaba reservado para La Orquesta Del Fin Del Mundo, y allí dieron todo lo que les quedaba dentro para culminar con una de sus canciones más eléctricas.

Fue todo un placer la visita para comprobar con los deberes hechos que estos tipos han conformado una pedazo de banda alrededor de Raúl y sus canciones. Ojalá este tipo de proyectos gozaran de más salud en nuestro país y pudieron llevar su directo a todos los rincones. Esas canciones (posiblemente tenga razón Raúl, las mejores que oimos nunca) lo merecen.

http://www.jean-paul.es

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Uriah Heep - 1972 - Demons And Wizards

2009-04-18T02:16:00.000-07:00

Este disco de Uriah Heep es otro de esos magníficos ejemplos de la amalgama creativa que existía a ambos lados del charco tomando elementos del rock duro, psicodélico, de grandes turbinas y con ramalazos progresivos encarnados en el empleo contundente de todo tipo de teclados vintage. Este es el Heavy prog que de alguna forma u otra protagonizaron bandas como Deep Purple, Atomic Rooster o mis queridos Uriah Heep.

La formación que nos legó Demons And Wizars, y otros discos grandisoso como Look At Yourself o The Magician's Birthday, es sin duda la más prolífica, compacta y que mayores alegrías ha dado a la banda en su dilatadísima historia, que dura hasta nuestros días. Aún hoy siguen girando exhaustivamente aunque de la formación clásica sólo quede el guitarrista Mick Box, y presentaron el año pasado un gran disco en la forma de Waking The Sleeper.

Demons And Wizards es de esos discos que cuando escuchas sabes que son especiales. Tiene ese no sé qué que lo convierte en mágico, encerrado en un ambiente terriblemente épico, nostálgico, sensible y poderoso. Ken Hensley llevaba por aquel entonces el mayor peso en la composición y su partida varios años después se notó sensiblemente en la producción lírica y compositiva de la banda. En este disco está sublime, con un arsenal de teclados puestas en marcha para crear esas texturas que hacen al disco tan característica, junto al trabajo de los malogrados Gary Thain al bajo (estupendas líneas muy protagonistas) y el gran David Byron, uno de mis vocalistas preferidos dentro del rock clásico, tan influyente y reconocido en nuestros por una gran cantidad de bandas que tira del sonido purpleheep para remendar sus señas de identidad.

Todas las canciones son maravillosas y el conjunto es perfecto, si quitamos la casi sobrante All My Life. El resto me siguen poniendo los pelos de punta cada vez que lo oido. Ese comienzo acústico de The Wizard, el viaje onírico con ese wah wah magnífico de Mick Box en Traveller In Time, el himno hardrockero por excelencia de la banda con Easy Livin', las mágicas Poet's Justice y Circle Hands son de las cosas más emocionantes que han creado estos tipos, Rainbow Demon tiene un uso del teclado increíble que se te mete en la cabeza y te hace ver alucinaciones, y Paradise / The Spell es el cierre perfecto para un disco mágico.

Aunque Uriah Heep no gozaron quizá de la misma brutal repercusión que sus iguales temporales y estilísticos, fueron realmente grandes y este disco es su monumento para la posteridad.

http://dunkel-inderholle.blogspot.com/2007/12/uriah-heep-demons-and-wizards-1972.html

http://www.uriah-heep.com

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Kamchatka - 2007 - Volume II

2009-04-14T14:31:00.000-07:00

Kamchatka son otro de esos ejemplos, en este caso de nuevo desde Suecia, de banda formada por tres melenudos que se empeñan en que el sonido setentero más rudo, distorsionado y con raíces blueseras y psicodélicas sea su marca de identidad. Hasta ahí no hay nada nuevo, porque hoy día cualquier sonido de la historia es reivindicado por multitudes de bandas a lo largo del planeta. Pero, amigos mios, a ver cuántas bandas hay por ahí sueltas que sean capaces de hacer retumbar y rechinar los dientes con la calidad que lo hacen estos tres.

Tenemos aquí el riff y el dinamismo, la psicodelia y las raíces blueseras como armas inteligentemente afiladas para crear unos temas de aupa, de entre medio y largo recorrido, que a cada escucha no hacen más que crecer en el corazón y en la mente. En este Volume II se vuelven incluso un pelín más progresivos y se emparetan un poquito más con la escena stoner. Who Am I es un pelotazo y el cambio en la canción es brutal, el uso del flanger en Breath consigue ese tono anticuado que me desencaja, en Enemy Maker y Sweet Relief encontramos voces profundas y teclados intrigante, pogonophonics podría estar firmada por mis amados Atomic Bitchwax, y encima Jigsaw tiene un tono crimsoniano que acaba de redondearme el disco. Estupendo final acustico lisérgico esas voces y multitud de capas de guitarra.

Cada día que pasa me gustan más. Y ahora acaba de salir el Volume III!!!!!

http://rock-from-hell.blogspot.com/2008/12/kamchatka.html

http://www.kamchatka.se/

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Abramis Brama - 2005 - Rubicon

2009-04-05T05:12:00.000-07:00

Poderosos son Abramis Brama porque llevan sus influencias con potencia, calidad de composición y un sonido contundentísimo. Enganchandos en la ola del stoner más retrógrado, están terriblemente orientados al riff hardrockero más setentero que te puedas encontrar, con algún deje psicodélico pero sobre todo influenciados por los primigenios Black Sabbath.

Estos suecos apuestan por su idioma así que en sus discos no entiendo un carajo de lo que dicen pero que bien está cantado todo, con una potencia y convicción a prueba de bomba. El único parche en inglés en su discografía es Nothing Changes, una revisión más que acertada de mucho de los mejores temas de sus primeros discos con letras en inglés.

Este disco, Rubicon, es su último trabajo y es quizá el más fino y mejor producido de todos, manteniendo todos los ingredientes que los han hecho conocidos en la comunidad que mira a los 70 como uno de sus referentes musicales. Menear la melena al viento es inevitable si te pones este disco, atento al temazo Drottning Av Is.

http://vagabundoespiritual.blogspot.com/2009/01/abramis-brama-rubicon-2005.html

http://www.abramisbrama.com/

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Quintessence - 1969 - In Blissful Company

2009-04-04T11:33:00.000-07:00

Quintessence desde UK hacían una fusión muy interesante de jazz, rock, psicodelia con muchísima influencia de la música oriental y más específicamente de la India. No estoy muy versado en estas lides, pero escuchando este disco acude una sensación muy agradable de espiritualidad, tranquilidad e intensidad. Hay mucho de jazz, muchas flautas y sitares y unas percusiones de espíritu muy oriental, pero el disco no está exento de buenas guitarras y riffs y muy buenos momentos baterísticos.

Las canciones son en general muy hipnóticas con un fuerte tono psicodélico. La voz es suave y poderosa y en casi todas las canciones parecen estar entonando un especie de mantra o cántico religioso (no dudo que muchos de ellos lo sean), como en Gange Mai o, clarísimamente, en Chant. Las canciones realmente que me dejan más satisfecho son Notting Hill Gate y, sobre todo, Midnight Mode.

Me quedo a la espera de seguir indagando por estos derroteros del indo raga, algo que ya había visto en los discos de los 80 de High Tide, pero que me parecen mucho mejores en estos británicos comidos con la cultura oriental.

http://www.taringa.net/posts/musica/1042583/Indo-Prog_Raga-Rock:-Quintessence---In-Blissful-Company-1969.html

http://www.mooncowhq.ch/Quintessence/index.htm

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The Steepwater Band - 2006 - Revelation Sunday

2009-04-04T02:23:00.000-07:00

Aquí está el "outlaw blues" del trío de Chicago. El tercer larga duración de estos tipos estaba predecido unos meses antes del EP Collision donde se adelantaba un poco el buen hacer que está encerrado en Revelation Sunday. Siendo dificil de superar su anterior y magnífico Dharmakaya, con el que se presentaron en Europa en el Azkena Rock Festival de 2005, en esta nueva entrega las mismas cartas están encima de la mesa pero tal vez de una forma más melódica y suave y menos salvaje. Eso no quita para que el sonido de las guitarras de Massey sea tan cálida, especial y chirriante como siempre y no haya sitio para los pelotazos bluesrockeros con tintes sureños de siempre, pero parece que hay más regusto melódico y coral que salvaje. La dupla rítmica como siempre de espanto, contundente y precisa y sirviendo un paisaje perfecto para que las canciones suenen perfectas, con unos arreglos precisos y un sonido a la vez crudo, auténtico y a veces cristalino.

Creo que no supera en calidad y dinamismo al Dharmakaya, pero sin duda Revelation Sunday es un discazo para todos los paladares gustosos de un buen rock clásico puesto en la escena actual con inteligencia, buen gusto y autenticidad.

http://svetlana69.blogspot.com/2009/02/steepwater-band-revelation-sunday-2006.htm

http://www.steepwater.com/

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The Atomic Bitchwax - 2006 - Boxriff

2009-04-02T14:00:00.000-07:00

Aquí volvían los Atomic Bitchwax de Keith Ackerman y Chris Kosnik, olvidándose definitivamente de Ed Mundell, demasiado ocupado con la reunificación de Monster Magnet, y aceptando a Finn Ryan como guitarrista y parte fundamental de la banda. Este disco se trata de un EP de tan sólo cuatro nuevas canciones que sigue presentando el sonido vitaminado, orgánico, casi físico y palpable, plagado de riffs y efectos psicodélicos al que nos tienen acostumbrados. Sin duda, esos son los ingredientes que hacen de ésta una de mis bandas favoritas y que nunca me canso de escuchar. Peligro si los llevo en el coche! Tiendo a pisar el acelerador bastante más de la cuenta!

Es curioso comprobar como la sustitución de Mundell por Ryan no sólo no ha afectado en nada a la producción y estilo de las nuevas composiciones (ya quedó demostrado en el anterior álbum T.A.B. III, en el que participó de forma íntegra), sino que éste último es capaz de emular a su predecesor e incluso darle una personalidad especial a los antiguos temas, a pesar de seguir conteniendo su carácter espacial y estratosférico. Este hecho queda más que demostrado en el disco en directo que acompaña al EP que recoge una actuación en Seattle del año 2005.

Oyendo este documento en directo, un servidor se tira de los pelos al pensar que estos tipos estuvieron en la sala Vivero hace 3 ó 4 años y uno se enteró a la semana siguiente del evento. Y es que el trío se muestra con un dinamismo y contundencia envidiables. El sonido es fresco y afilado y la sucesión de temas instrumentales apabullantes como Ice Pick Freek, The Cloning Chamber o Stork Theme con temas cantados por Kosnik como Hey Alright, Gettin'Old o Birth To The Earth es realmente acertada. Suenan impresionantes los solos y parafernalias sonoras de Ryan sobre la monolítica sección rítmica de Kosnik y Ackerman (a veces parece tener 4 brazos para aporrear timbales!). Cualquiera que escuche algún tema de estos señores y no sienta como se le retuercen las tripas con el impacto sonoro y no le puedan las ganas de entrar en movimiento, es que no es de este mundo. Y encima se atreven a comenzar el concierto con la II parte de Shine On You Crazy Diamond y hacer la versión más acelerada y sustancial sin perder un ápice de feeling del Maybe I'm A Leo de Deep Purple (anda! esa también la hacemos nosotros!).

http://www.taringa.net/posts/musica/1350081/(Stoner)-Atomic-Bitchwax,Boxriff.html

http://www.theatomicbitchwax.com/

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Atomic Rooster - 1970 - Death Walks Behind You

2009-03-31T15:21:00.000-07:00

Atomic Rooster es de esas bandas tan fundamentales como perdidas en el vendaval de los años, que en aquel principio de los 70 abrían las puertas del rocanrol a los ambientes más oscuros, duros, psicodélicos y protoprogresivos. Liderados por los hammonds de Vincent Crane, tras su primer y homónimo álbum, el ilustrísimo Carl Palmer dejaría la formación para montar uno de los primeros supergrupos de la historia de la música popular, ELP. Con la guitarra y la voz de John DuCann y el reemplazo en los tambores de Paul Hammond, el gallo atómico firmó su mejor, más épico y más influyente disco de su carrera.

Death Walks Behind You está repleta de anatemas rockeras de tinte oscuro donde el hammond es el claro protagonista, se lleva la parte del león y firma el sonido y ambiente conseguido. A caballo entre el progresivo, el blues y el rock que se empezaba a encarar hacia sonidos más duros, este disco de Atomic Rooster sirve para entender qué se cocía en el Reino Unido en esos finales de los 60. La psicodelia y el rollo siniestro se dan la mano en este disco, de manera más sinfónica pero con un talante parecido al de los primeros Black Sabbath, dandose la mano con los más ambientales Deep Purple o los más mágicos Uriah Heep.

Canciones imprescindibles son Death Walks Behind You, Tomorrow Night y I Can't Take No More

Descansen en paz Vincent Crane y Paul Hammond, la muerte siempre anda detrás nuestra.

http://doaltodasvertentes2.blogspot.com/2009/01/atomic-rooster-death-walks-behind-you.html

http://www.atomic-rooster.com/

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Howlin Rain - 2008 - Magnificient Fiend

2009-03-30T07:39:00.000-07:00

Pero claro, como me atrevo a dudar cuando miro el cartel del Azkena Rock Festival y no veo esos cartelazos de otros años, si realmente siempre sé que, entre esos ahora mismos desconocidos, hay unas bandas como la copa de un pino. Y mi primer acercamiento a algunos de esos desconocidos es concedido a Howlin Rain. Bendita la hora.

Si me acerco un poco más veo que por ahí andan Eckert y Robinow de Drunk Horse ahora comprendo todo un poco mejor, pero en la vida me hubiera imaginado una música tan llena de alma, de dulzura, que rezuma a rock clásico. El hammond-b3 llena todo el disco y le da unas texturas a 70 que te dejan para el arrastre, lo mismo puedes oir a los Black Crowes o a los Allman Brothers en cualquier pasaje, dando rienda suelta a auténticas jams llenas de sentimiento y a canciones de largo recorrido. Magnificient Fiend es su segundo álbum, menudo discazo, me quedo a la espera de hacerme con su primer trabajo, que como sea la mitad de bueno me comienza a prometer un Azkena 2009 de esos que son memorables.

La portada recuerda a la del debut de Year Long Disaster, pero un poco más clarita y menos psicotrópica.

http://lacomadreja69.blogspot.com/2008/02/howlin-rain.html

http://www.howlinrain.com

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The Answer - 2006 - Rise

2009-03-29T11:49:00.000-07:00

Un día de hace ya algunos meses (ya parecen años...), si no recuerdo mal, en el previo de un partido de rugby en Teatinos, mi amigo Sergio y yo estábamos enzarzados en nuestra típica conversación sobre descubrimientos musicales cuando me asaltó con su clásico: "¿Has oído a The Answer? Son buenísimos!". Según él eran unos rockeros clásicos al más puro estilo Bad Company, pero más asalvajados. "Bueno, les daré una escucha", le dije yo.

Qué bueno. Mientras buscaba el disco me llevé una sorpresa en internet al comprobar que estos tipos estaban en UK de gira con Rose Hill Drive, mi banda fetiche y preferida del momento!

Bueno, pues Rise, el disco debut de estos británicos, es de alto standing. No es apto para el que busque novedades sónicas o texturas experimentales. Esto es rock clásico puro y duro, sonido rotundo, pero también sensual y muy pero que muy sureño en algunos momentos.

La voz de Cormac Neeson me recuerda gratamente en la mayoría de los temas a Chris Robinson, canta con desgarro, sensualidad y con mucho descaro. Algunas canciones, como Under The Sky, Come On Follow Me o Into The Gutter son rock duro hipervitaminado que traen a la cabeza a los explosivos Bad Wizard. Hay momentos para más reposo con un resguto sureño repleto de slides en temas como el bluesero Memphis Water, la fantástica Preachin', una de mis preferidas, y el final más que acertado de Always.

Las guitarras suenan poderosas cuando deben y muy afiladas y llenas de tono sobre todo en los slides y en muchos de los solos. La producción es bastante acertada porque la espontaneidad y la frescura de los temas están muy presentes a lo largo de todo el disco. El único pero es que en algunos momentos, aunque pocos, me resuenan un poco a ese rock "aerosmithiano" que tan poca gracia me hace, incluso con algún guiño a Buckcherry, nuevos héroes del rock duro americano más glamouroso.

Para los gustosos del rock de siempre, The Answer es una banda muy a tener en cuenta y si pisaran tierras más cercanas al sur (ala, siempre Madrid y Barcelona, y al resto que nos den morcillitas) no dudaría en pasarme a disfrutar con ellos.

http://reinodemondongo.blogspot.com/2008/04/answer-rise-edicin-especial-2cd.html

http://www.theanswer.ie/

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Extreme - 1992 - III Sides To Every Story

2009-03-29T01:48:00.000-07:00

Tienes 16 años, el amor inunda tu corazón, los problemas del mundo se abren ante tus ojos, empiezas a entender muchas cosas que la inocencia no te ha dejado entrever con anterioridad, te rebelas contra el mundo aunque tienes esperanza, tu novia es una acérrima fanática de este disco y te graba una cinta de 90, donde aún caben otras dos maravillosas canciones como Racing In The Streets de Bruce Springsteen y Wish You Were Here de Pink Floyd. Y está todo dispuesto para que vayas escribiendo por las mesas, pizarras y paredes frases como "Hey kid wanna have some fan, choose a side and here is your gun", "someone said give peace a chance and that's all that we're saying". Eres pequeño y te dejas llevar.

Aquellos hermosos y dolorosos días pasaron hace mucho aunque los recuerdo vivamente. Hoy sigo oyendo este disco y sigo cantándolo como si me fuera la vida en juego, como si el ritual no pudiese completarse si no entono ese coro o silbo ese solo de locura, si no comparto ese redoble o ese acorde de piano. Este disco es alma para mi, y si intento valorarlo objetivamente además sale ganando por goleada con respecto a sus antecesores y sus posteriores ediciones. Extreme aquí dejan de hacer reir, de hacer bromas con su extraordinaria música, han madurado y se han dado cuenta de que ante su gran audiencia tienen muchas cosas que decir, tienen que aportar su granito de arena para intentar cambiar el mundo y a sí mismos. El disco habla del mundo y de las tres versiones de él, la tuya (cruda y pesada), la mía (dulce y acolchada) y la verdad (sublime, monstruosa y llena de esperanza).

Este disco es para oirlo, leerlo y sentirlo, si tienes prejuicios y no te sientes preparado, mejor dejarlo en un estante, material o virtual, pero si te pica la curiosidad no lo dudes porque podría cambiarte la vida.

http://shooto-hard-rock.blogspot.com/2008/01/extreme-iii-sides-to-every-story-1992.html

http://extreme-band.com/

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Camel - 1973 - Camel

2009-03-28T13:34:00.000-07:00

Camel es de esas bandas por las cuales uno se enamora de la música y, más concretamente, del rock progresivo. Es de esas bandas que te hace experimentar cosas especiales con su música, mi tan citada característica del teletrasnporte, de mandarte a dar un viaje sensorial, que te muerde la fibra y te arrebata. Aunque para muchas integristas del género hay bandas más fundamentales e influyentes, es innegable lo buenos y sensibles que son primeros álbums de los 70. Este concretamente, puede que no sea el mejor en cuanto a calidad de composición, interpretación o riesgo, pero es el disco que personalmente más oigo y más me encadila por su frescura, impacto e inmediatez. Desde principio de Slow Yourself Down al final de Arubaluba, uno de mis temas preferidos de todo su amplio repertorio, el álbum esta muy lleno de energía, de teclado maravillosos entregados por Peter Bardens, con un sentido progresivo y feeling jazzístico muy atractivos y que llevan en volandas a todos los temas, junto a los juegos cristalinos y líneas melódicas del maestro Andy Latimer, cada vez más alma de la banda conforme avancen los años.

Desde hace muchos años, la ecuación Camel igual a Andy Latimer es una certeza abrumadora, y los últimos discos bajo el sello del camello han seguido brillando con una gran luz. Es una pena que desde hace algún tiempo el bueno de Andy sufra de una grave enfermedad de la que parece que poco a poco va saliendo. En él tenemos a un gran precursos de un sonido propio y reconocible, a caballo entre el progresivo y el jazz, con una aproximación al instrumento muy personal. Ojalá pueda recuperarse y seguir componiendo música tan grande como la que nos ha regalado hasta hoy.

http://www.cilicus.blogspot.com/2008/02/camel-1973-1-camel-bonus.html

http://www.camelproductions.com/

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Deluge Grander - 2006 - August In The Urals

2009-03-28T07:17:00.001-07:00

Este es un disco fantástico para debutar en este mundo del progresivo sinfónico contemporáneo. Aquí encontramos algún componente de una de las sorpresas del año 2008, Birds And Buildings, que practican un progresivo más arriesgado y extremo compositiva e interpretativamente, de también gran calidad. Deluge Grander tira más del sinfónico de siempre, con una gran carga de piano y de atmósfera, siendo quizá más liviano en el terreno interpretativo pero más melodioso, más armónico, más calmo.

Es este un disco para escucharlo en un día de calma y sosiego, aunque no está exento de momento trepidantes, es más bien contemplativo, con mucho esquema de guitarra a lo Steve Howe y temas de larga duración. La apertura con más de 20 minutos de Inaugural Bash está repleta de bellas sensaciones, en diferentes tempos y ambientes que fluyen perfectamente entre ellos sin ningún aporte vocal. La canción que da nombre al disco también tiene pasajes realmente bellos y paisajísticos, quizá al principio el tono de voz empleado es demasiado narrativo y grave, sin convencer mucho, pero al poco cala profundo y me llega a recordar a la voz de los Noekk, que realmente me encanta. Abandoned Mansion Afternoon es la canción más oscura del disco, y curiosamente es la que menos me llama la atención, me parece la más plana y que menos sobresaltos ofrece al oyente. Sin embargo, Squirrel nos presenta a una banda más dinámica, también llena de cambios de teclados y pianos por doquier. The Solitude Of Miranda cierra el disco de forma perfecta y mucho más concisa que los temas anteriores.

Un pedazo de discazo para el sinfónico de toda la vida hecho en nuestros días, esperemos que se siga prodigando tanto este proyecto de Deluge Grander como el de Birds And Buildings, buenos exponentes de la creatividad musiquera de la actualidad. En abril parece que saldrá su nuevo disco, The Form Of The Good.

http://progrocktr.blogspot.com/2009/03/deluge-grander.html

http://www.delugegrander.com

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The Cure - 1989 - Disintegration

2009-03-26T15:29:00.000-07:00

Con este empiezo a reponer todos los posts que me han eliminado por contener un enlace a una descarga directa. Este disco de The Cure es de los que te marcan cuando eres un peque y empiezas a descubrir el maravilloso mundo de la música. Recuerdo como escuchaba sin parar la cinta de mi hermano del Mixed Up y como al tiempo mi amigo Andrés me grabó un cassete copiado de su hermano con las diez primeras canciones de este disco (cinta de 60, disco de 70 minutos). Recuerdo como si fuera ayer exactamente las notas en la que se cortaba Homesick, la penúltima canción del disco y lo último que cabía en la cinta.

The Cure para mi son mucho más que una experiencia religiosa. Es posible que sea el grupo del que soy más fetiche, más seguidor ensimismado, más coleccionista. La figura de Robert Smith es para mi como letrista y compositor una profunda influencia en mi forma de entender y hacer música. En este humilde espacio hablo de discos que me gustan y esto no me gusta, es parte de mi vida. Este disco es lo más perfecto, surrealista, bajado del cielo, que jamás podrá hacer Robert Smith y compañía. El alma, el dolor, el mundo de los sueños que se vislumbra al oir este disco es algo que queda fuera del mundo de las palabras, que es imposible explicar. Si prestas atención desde la apertura de Plainsong a los últimos compases de Untitled, es posible que alcances a comprender como se puede estar cerca del cielo a través de la música. Como leí alguna vez por ahí, este disco es "unearthly", es de otro mundo. Sigo llorando como el primer día mientras lo oigo y los recuerdos que lo acompañan son tan vívidos que me hacen sentir como si volviera a tener 15 años.

The Cure, una de las bandas más influyentes de los 80 en todo el rock alternativo que estuvo por venir, y que hoy día siguen coleando y haciendo discos decentes.

http://sadsongsfordirtylovers.blogspot.com/2008/07/cure-disintegration.html

http://www.thecure.com

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The Mars Volta - 2003 - De-loused In The Comatorium

2009-03-25T08:11:00.000-07:00

Es curioso como una banda de las características de The Mars Volta puede tener tanta repercusión en los medios y ser un fenómeno relativamente importante en el negocio musical de los tiempos que corren. Creo que, sin duda, este énfasis viene derivado de que su nacimiento es desencadenado por la disolución de At The Drive-In y la libertad de aires que supuso para Omar Rodríguez y Cedric Bixler.

The Mars Volta a lo largo de todos sus álbums editados hasta la fecha han demostrado que no tienen ataduras, que no tienen límite ni se ruborizan ante nada, son autoindulgentes y hacen lo que les da la gana. Realmente son muy difíciles de clasificar, pero uno no se equivocará al decir que son netamente progresivos en el sentido más amplio de la palabra, del género y del estilo. Sus discos son una completa aventura, llegando a ser tan extremos como calmos, punzantes como somnolientos, pero todo tiene un aire a nuevo, un olor a riesgo, a frenesí. Punk, jazz, ritmos latinos, sinfonismo, psicodelia, electrónica, ambientes espaciales, hardcore...de todo puede encontrarse en un viaje con estos tipos, que puede antojarse por momentos un verdadero desafío para la mente y el oido. Para muchos, The Mars Volta encarnan el verdadero espíritu del rock progresivo en este siglo, ya que no parecen poner trabas a su creatividad y a su expansión en los terrenos compositivos, aunque tomen toda la influencia anterior, su música parece ir un punto más allá. La voz de Cedric es sin duda unos de los puntos identificativos de la banda, tanto para bien como para mal, sus singulares tonos y su expresividad en la interpretación son sobrecogedores.

De-Loused In The Comatorium probablemente es el disco más accesible de los americanos, envuelto en una historia sobre un amigo en coma que finalmente fallecería. Encontramos gran parte de lo que se nos puede ofrecer en toda su discografía pero quizá en un tono más amigable que, por ejemplo, su última entrega, el mucho más complejo y extremista rítmica y compositivamente The Bedlam In Goliath. El disco es para escuchar del tirón y con la oreja bien afinada y al tema, pero he decir que me parecen estupendas el comienzo de Son Et Lumiere+Inertiatic Esp y Eriatarka.

http://rock-privado.blogspot.com/2008/04/2003the-mars-voltade-loused-in.html

http://www.marsvolta.com/

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Jean Paul - 2009 - Breve Historia Universal

2009-03-19T15:32:00.001-07:00

Y sé que más de uno me dirá: "Ay Miguelito, escuchas a ese Raúl y compañía porque son los músicos de Lapido", y yo no podré negar que mi interés inicial partía de esa idea. Pero almas mías, dejaros caer por el myspace de Jean Paul, cerrad los ojos, apagad la luz y prestad atención a una canción como Fin, tan perfectamente hilvanada, tan emocionante, tan memorable. A partir de ahí, si os queda algo de fibra sensible, sólo podréis querer más. Porque Jean Paul es alma, es carne, es vida puesta en el asador, es íntimo y real, pero también onírico e imaginario, un mundo de sueños descarnados, de choques contra el muro de la realidad, de llanto, de interioridad.

El protagonista de esta película es sin duda Raúl y sus textos, pero estar rodeado de esos pedazo de granadinos musiqueros que son Víctor Sánchez, Popi González y Paco Solana ha dotado a la música de un punto espléndido, de unos pasajes ambientales, de una elegancia sin soberbia, que dan al conjunto global el clímax perfecto. Me encantan el dominio de la banda de los silencios, de los huecos, de los arreglos preciosos y precisos, sin más pretensión que aportar belleza a la canción.

El disco es cojonudo de principio a fin, para escucharlo reposado y sin prisas, para paladearlo y soñarlo. No puedo más que dar las gracias porque haya gente como estos tipos que se atrevan a autoeditarse con este puñado de canciones en los tiempos que corren, que no distribuyan su disco y sólo lo vendan por correo y en los conciertos. Gente así es por la que merece seguir oyendo y creyendo en la música. Ojalá no se cansen y sigan pudiendo hacer cosas tan bellas como esta.

Si me centro en las canciones en sí mismas, sólo podría añadir estupideces, porque de lo buenas que son hablan ellas solas, sólo enmarcaré mis favoritas en dos días que llevo de escucha. Y son Mejores Días (es de esos temas que me hacen ver cosas, imaginar escenas, vislumbrar paisajes...soñar), Inviernos (me encanta el solo de Víctor, se podría haber prodigado más en otros temas!), Fin (aunque me gustaba más la versión de Serpientes Y Martirios), El Mal Trago (con ese solazo de José Ignacio, reconocible a millas de distancia), Uno Más En El Exilio (regrabada con banjo y con una voz de José Ignacio que parece agudísima comparada con la de Raúl) y la impresionante tríada final con Eureka (una canción perfecta!), Menagerie (ya me puso los pelos de punta en el concierto de la Sala El Tren y en el disco sigue haciéndolo) y El Colectivo (descripción terrible de una gran cantidad de seres humanos e inmejorable final para un disco).

No lo dudes, si escuchas a Jean Paul no sé si serás más feliz, pero seguramente te sientas más vivo. Espero poder verlos en Granada en abril en la presentación del disco, y ojalá tengan la oportunidad de acercarse a Málaga. Gracias Rául y cía.

http://www.jean-paul.es

http://www.myspace.com/jeanpauljoue

Salud!

2009-02-13 - Los Coronas - Madrid, Sala El Sol

2009-02-15T13:02:00.001-08:00

Y Los Coronas abrieron las puertas del mar y Madrid no podía hacer más que inundarse...
La mitad (o dos tercios, aún no lo veo claro) de Los Loco cumplimos una pequeña etapa de la primera fase en nuestro camino para empezar a ser una banda de surf rock. Hale y yo nos plantamos en Madrid para rebautizarnos, ahora con las lecciones repasadas, después de aquella descomunal y calurosa tarde en el Azkena Rock Festival de hace dos años en el que conocimos a Los Coronas.
La Sala Sol estaba completamente llena, sold out absoluto, nosotros pudimos conseguir entrar gracias a que Hale estuvo despierto y tuvo la idea de llamar al gran Escri para que nos reservara un par de entradas (nunca jamás dejéis de oir a sus Kickout (http://www.myspace.com/kickoutband) y a sus Riot City Sinners (http://www.myspace.com/riotcitysinners)). Como no podía ser de otra forma Fernando, David, Javi y Loza nos dieron el baño de cine, surf, rock y reverberación que veníamos buscando. También estaba Evgeni el ucraniano a la trompeta y a la gaita, dándole el auténtico spanish flavour, pero todos sabemos que es lo que de verdad importa!

La parroquia estaba entregada desde el primer momento y estos tipos lo dieron todo, la fiesta fue grande pero grande, el sonido fue impecable, se oía todo de escándalo, los cacharritos vintage de los 60 estaban calientes calientes y dieron todo lo que se esperaba. Está claro que los que más disfrutan con estos chiringuitos son Fernando Pardo y David Krahe, auténticas almas del proyecto, repartiéndose solos, riffes y marejadas de todo tipo siempre cargadas del oleaje más reververado que existe en España. Pero, amigos, estos tipos no podrían hacer nada de nada si no tuvieran arropándolos en un auténtico bastión rítmico a Roberto Lozano, una locomotora a la batería, capaz de sacarle unos matices a la caja que te quitan el hipo, y al bajista soldado del rocanrol español, el Señor Don Javier Vacas, delante del cual hay que quitarse el sombrero una y otra vez.

Hubo presencia de los grandes temazos (mi amadísima Supertubos) y también representación de su último trabajo, El Baile Final De Los Locos Y Los Cuerdos, al que aún no le hemos podido echar la garra, pero que según lo oido en directo parece que será más ligerito que el gran Caliente Caliente. El remate final fue lo mejor de todo, con ese jueguecito de guitarra entre David y Fernando, tocando el uno la del otro y haciendo ese riffazo grande! Y sobre todo el finiquito final tras el viejo truco del rocanrol en el que nos ahogamos con Maremoto (Loza que grande eres!) y Go Kato Go!!!! Ahí os dejo el video para que sepáis qué son Los Coronas y el viaje que os espera!

Además, este alborozo nos sirvió a Hale y a mi para quedarnos en la mente con las tres etapas que deben seguirse si uno quiere alzarse con la fuerza y el poder del surf rock. Primero: conocer y entender el surf rock. Segundo: versionear a los grandes del surf rock. Tercero: HACER surf rock propio. También es muy importante alzar el puño y el dedo cada vez que se dice algo! Grandes lecciones del aún más grande Fernando Pardo. En esas trataremos de estar!

Un abrazo al Escri! Y que le sirvan una Mahou!

http://www.loscoronas.com/

Salud!

2009-01-27 - Van Der Graaf Generator - Málaga, Teatro Cervantes

2009-01-27T15:04:00.000-08:00

A veces en la vida uno vislumbra claramente momentos únicos, que sabe que con casi total seguridad no volverán a repetirse y con un vil afán trata de aferrarse a ellos y vivirlos con la máxima intensidad. Con la música pasa muy a menudo, y suele pasar que uno se encuentra descubriendo ciertas cosas que sabe que no podrá disfrutar en directo porque el tiempo no perdona y no mira nunca atrás. Con Van Der Graaf Generator le ocurre esto mismo a una gran multitud de personas alrededor del mundo, admiradores y cultistas de uno de los más influyentes actos del género que desde el año 78 hasta nuestros días han disfrutado de sus discos y jamás se imaginaron que Peter Hamill y cía decidirían reunirse para seguir componiendo y deleitarnos con su ingente talento.

El Teatro Cervantes se perfilaba como un lugar perfecto para el ahora trío y, efectivamente, todo salió a pedir de boca. La maquinaría está engrasadoa como si estos amigos estuviesen en la veintena de edad, la compenetración y la intensidad que consiguieron en escena sólo habla de músicos como la copa de un pino, con una expresividad y capacidad al alcance de pocos. Guy Evans es una auténtica locomotora a las baquetas, con ese estilo a medio camino entre el jazz y el rock que lo hace tan peculiar y tan perfecto para las composiciones que destilan Hamill y Banton. Un Hugh Banton portentoso, capaz de realizar un trabajo inconmensurable con los teclados a la vez que toca el bajo con los pies de una forma sensacional, sin duda se lleva la parte del león en la interpretación musical. Hamill se muestra mucho más cómodo también en los teclados, siendo más reservado su papel novedoso con la guitarra, aunque también me sorprendió en diversos momentos con su capacidad para cantar a la vez que hilaba con las seis cuerdas. Y su voz...madre mía...cualquiera que oiga una canción de los Generator no puede más que quedar impactado por la interpretación de Hamill, ahora susurrante, ahora enervada, siempre vibrante y con una intensidad dramática inolvidable. A tantos y a tantos ha influenciado en todos los estilos.

Esta reunión en el siglo XXI no es sólo un mero recordatorio, sino que se basa en la consecución de nuevas canciones y así nos presentaron Interference Patterns en un inicio brutal, Lifetime en una versión más corta que la original, la vibrante y rockerísima All That Before y We Are (Not Here) para finalizar antes del primer bis, de lo mejor sin duda de Trisector.

Además tuvimos el placer inmenso de disfrutar de temas que son clásicazos y que fueron interpretados de forma increíble como Lemmings, Scorched Earth, Man-Erg o In The Black Room. Casi dos horas de emoción nos brindaron estos tipos a un público de media de edad bastante alta, como no podía ser de otra manera, en un Cervantes que estuvo al final bastante aceptable de público y llenó al menos el patio de butacas y los palcos. Es increíble ver como estos tios siguen disfrutando con esa pasión y defendiendo estas canciones que son tan vitales, salidas de las entrañas, que rozan la oscuridad para volver con vida de ella, con un Hamill realmente fascinante y magnético. Es increíble como se las apañan sin David Jackson en los vientos en temas en los que su aportación era muy importante, saliendo del paso sin que nadie se acuerde de él.

Una de las mejores experiencias musicales que seguramente podré tener en la vida. Gracias a Mario por prestarme su cámara para esas fotos. Se me olvidaba mencionar que andaba algún que otro insigne musiquero español por el teatro, como Jota de Los Planetas y Javier Ojeda de Danza Invisible.

http://www.vandergraafgenerator.co.uk/

Salud!

Gov't Mule - 1998 - With a little help of our friends

2009-01-02T04:35:00.000-08:00

En primer lugar, desearos que tengáis un feliz año a todos los lectores y oyentes de la buena música que se propone en este lugar lleno de luces y arenas movedizas. Dicho esto, toca escribir.

Hoy propongo, la escucha, la escucha, la escucha y la escucha de una de las mejores bandas de rock nacidas en los 90, los Gov't Mule (Government Mule) liderados por el simpático y anchete Warren Haynes (guitarra y voces). Él y Allen Woody (al bajo) participaron en la refundación de una de las bandas setenteras por excelencia, The Allman Brothers, a finales de los 80. Es a raíz de la naturaleza, dígamos, poco aburrida de Warren por lo que decide a medias con Woody, montar una banda en los descansos de los Allman del tipo de los power-trios de rock de los 60 como Cream, Hendrix Experience... a lo que se suma el batería Matt Abbs. Editan "Gov't Mule" ['95] y "Live from Roseland Ballroom" ['96] y en ese momento Woody y Haynes abandonan los Allman para centrarse en su nuevo proyecto que les da para multitud de giras y directos. Editan "Dose" ['97] y posteriormente graban el álbum en directo que es la base de esta entrada: "With a little help from of our friends" ['99] con la ayuda de amigos como: los Black Crowes, Parliament/Funkadelic, miembros de los Allman... en el día de fin de año del '98.

Los antecedentes nos definen. Gov't Mule es una banda de directo y, quien haya tenido la oportunidad de verlos tocar sabrá que, son una constante improvisación sobre el escenario, una jam session donde la simpleza y la rigidez no están de la mano. Este directo está formado por un pack de 4CDs con canciones que superan los 20 minutos, con versiones y reversiones alucinantes de bandas como Black Sabbath, Neil Young, Free, Traffic, Jimi Hendrix... donde las canciones parece que no se acaban (¡y no queremos que se acaben!). Me quedo sin palabras para describir a esta banda. Lo siento.

Ya hoy en día suman una buena cantidad de discos y directos, pero han sufrido la maldición que otras bandas han tenido en el puesto del bajista. Durante una gira en 1999 fallecía Adam Woody y el grupo tuvo que optar por seguir de modo acústico para finalizar la misma. Y actualmente acaban de reemplazar en Septiembre de este año a Andy Hess por Jorgen Carlsson.

http://www.mule.net/

http://www.taringa.net/posts/musica/1857046/Gov_'t-Mule---Live___With-A-Little-Help-From-Our-Friends.html

Jean Paul - 2007 - Serpientes Y Martirios

2008-12-28T03:44:00.000-08:00

Jean Paul es el proyecto liderado por Raúl Bernal, al que algunos conocerán como teclista de José Ignacio Lapido. En una andadura que comenzó allá por el 2000, ha sido desde que Raúl se afincó en Granada cuando ha comenzado a modelarse de forma apropiada el aspecto actual de Jean Paul, y rodeándose del resto de músicos del maestro Lapido, Víctor Sánchez, Paco Solana y Popi González, andan por los campos de batalla de los escenarios españoles dejando los rastros de sangre y tristeza que se acumulan en sus canciones.

Jean Paul es una banda por y para que Raúl cante, no hay grandes artificios, ni instrumentaciones, están unos textos de escándalo y su voz grave llenándolo todo. Las canciones son semiacústicas y basadas en el folk americano y la canción francesa, con un trasfondo meláncolico y existencialista muy fuerte. Esto es lo que encontramos en su única entrega hasta la fecha, autoeditada y grabada en 2007, el EP Serpientes y Martirios, que puede oirse casi en su totalidad en su myspace y adquirirse en sus conciertos. A principios de 2009 aparecerá su primer larga duración, grabado en Motril, y que seguro que continuará por los derroteros marcados en este primer trabajo.

7 canciones que no salen de mi coche desde aquel concierto en Granada junto a Vetusta Morla. 7 canciones que me ponen los pelos de punta. Era Un Día pone las cosas claras nada más empezar y es una de mis favoritas con frases brutales que dibujan un paisaje y una situación cotidiana al borde del abismo. Pasado El Tiempo me recuerda un poco a ciertas canciones de Nacho Vegas por la forma en que está arpegiada la guitarra que inunda la canción y me parece una canción de amor bestial y descarnada. Fin es posiblemente la más currada y mejor canción del EP (aquí enlazo también el video), dominada por el piano de Raúl y donde los coros de Zahara ponen los pelos de punta. Breviario Del Caos también es estupenda porque pone el contrapunto luminoso al disco, aunque no sea precisamente animoso lo que cuente, da esperanzas dentro del desorden vital. Hay Hombres vuelve a ser profundamente intimista y reposada y de nuevo Zahara pone unos toques de voz muy especiales, sobre todo en el puente instrumental, precioso e intenso. Y de regalo tenemos dos canciones más que parecen grabadas hace más tiempo sólo por Raúl, la estupenda Lagartos, perfecta para cortarse las venas, y la más animada y un poco más vitamínica En El Exilio, que cierra el CD de forma perfecta .

A qué esperas para oírlos, si tienes una fibra viva en el corazón estoy seguro de que latirá con fuerza.

http://www.myspace.com/jeanpauljoue

Salud!

Mogwai - 2008 - The Hawk Is Howling

2008-12-20T10:10:00.000-08:00

Aprovechando que voy a verlos en directo en el malagueño Teatro Cervantes a principios del año que viene, dejo por aquí estas impresiones de una de las bandas que me parecen más interesantes del rock experimental contemporáneo.

Aquellos que decidieron llamar a esto postrock seguramente no tendrían muchas bazas o argumentos en su mano de no existir la banda escocesa conocida como Mogwai. Desde su Young Team de finales de los 90, estos tipos han marcado una tendencia y forma de hacer las cosas que ha sido copiada, simulada o tomada como inspiración por una cantidad realmente ingente de bandas.

En esta última entrega, The Hawk Is Howling, todo son perfectos ejemplos de lo que llevan haciendo más de 10 años, de forma que los fans de Mogwai no van a encontrar ninguna sorpresa ni experimento excesivo. Está la fiereza, la suavidad, los altibajos constantes, los cambios melódicos, la instrumentación precisa, sin agobios, en los momentos adecuados, todo medido con precisión para ser anguloso o cristalino, todo dispuesto para alcanzar esos ambientes y clímax que los hacen característicos. Como casi todos sus trabajos, todo es plenamente instrumental y poner el disco en el reproductor puede convertirse en el inicio de un intenso viaje.

Algunos han hablado de inmovilismo después de escuchar el disco (lo cual hablando de Mogwai se me antoja algo quimérico) pero yo creo que a veces esa tan buscada evolución no tiene que ser forzada. Siempre he pensado que lo realmente importante son las canciones, la fibra de la que están hechas y la forma en que se interpreten. Por eso, creo que este es un gran disco de una gran banda.

http://www.mogwai.co.uk/

Salud!

MClan - 1997 - Coliseum

2008-11-30T15:26:00.000-08:00

Hoy toca hablar de algo irremediablemente cotidiano. Bandas con infinitas virtudes, buenísimas canciones, alejadas de la comercialidad y la carrera de las listas de éxitos, multitud de reconocimientos por parte de la crítica más ilustre; pero con problemas para subsistir económicamente porque su círculo de admiradores (aunque duros) es muy reducido. Día clave. Entran en contacto con un productor que les hace variar un poco estilos, voces, enfoque y los hacen de oro. Consecuencias: gritos de fans cabreados por “venderse” y explosión de la banda en el mercado nacional de ‘hits’.

Eso parece que ocurrió con los Mclan post-Coliseum. Aunque no me importe que tengan su éxito y no por ello los vaya a demonizar, sí es cierto que hay matices entre los primeros Mclan y los actuales. Coliseum, el álbum grabado en 1997 en Toronto, es hoy por hoy una de las piezas de coleccionistas más importantes del rock en español. Influenciados seguramente por la reapertura del hueco de mercado para con el rock (muy del sur de Norte América) que hicieron los Black Crowes en esa década, es fácil detectar las similitudes entre sí. Un álbum que desde el inicio se sabe que va a conjugar los mejores esquemas del rock de toda la vida: baterías dando palos endiablados, letras ácidas, riffs que llegan a doler por su crudez, sonido de teclado melódico y gravitatorio y sobre todo la enorme voz de uno de los tipos más grandes, Carlos Tarque.

Temas de todo tipo, desde los espectaculares y apoteósicos: “Deja que lo muerda”, “Maxi ha vuelto”, “Algo más fuerte”, pasando por los nostálgicos: “Vuelve”, “Tarde”, “Nacional 120” y “Dónde está la revolución” (¡Salud Ruta N y Ricardo!) para acabar comprobando que desde los tejados todos los gatos son pardos. Me cuesta muchísimo no dejarme llevar por la emoción para convencer con la razón de la calidad de este álbum. Te gustará si te gusta el rock cantado en español y bandas internacionales como: Allman Bros, The Black Crowes, Gov’t Mule. En definitiva, el sonido del buen rock setentero americano. Este disco cerraba una época gloriosa de la banda junto con su primer álbum, Un buen momento (1995) y ha generado un sinfín de nuevos grupos a su vez influenciados en estos dos álbumes: Ron Vudú, 69Revoluciones, Sol Lagarto…

En el anecdotario, un hecho que cambió el transcurso de la banda. Hubo un accidente de tráfico en el transcurso de esta gira en el que resultaron heridos gravemente dos componentes: Iñigo Uribe (teclados) y Juan Antonio Otero ‘Oti’ (batería). Oti estuvo de baja sin saber si volvería a apretar las baquetas, aunque se recuperó unos meses después. Lo de Iñigo fue más grave y la banda decidió no esperarle para el siguiente disco (el que causó los gritos de los fans), “Usar y tirar”. Sólo mencionan un “agradecimiento especial”… Posteriormente, se pudo recuperar para la música de los madrileños 69 Revoluciones.

¡¡¡Sírvanos!!! ¡Whisky, cerveza será lo mejor! (y que le pongan un ron-cola a Migue xD)

www.m-clan.ws

Jose Ignacio Lapido - 2008-11-28 - Málaga, SalaVivero

2008-11-30T05:29:00.000-08:00

El Maestro y su banda de visita por Málaga para presentar Cartografía dos años y medio después de la última vez (bueno, eso fue lo que le apuntó El Errante al propio José Ignacio, pero habría que tirar de archivo jeje). Cuando ya parecía que el granadino no iba a traernos su nuevo disco en directo por estas tierras, nos da la sorpresa y anuncia el bolo. Yo me enteré en ese viaje trepidante que hice con Mario y Hale hace un mes para ver la presentación del libro de Jordi Vadell sobre las letras del Maestro (con mini actuación acústica de mis paisanos, Dos Mil Locos, grandes rocanroleros) y para asistir a lo que prometía ser un bombazo: la presentación de Cartografía en Granada. Ese concierto ya lo comenté en este mismo medio, y sinceramente creía que esa actuación sería irrepetible, tanto por calidad, como por longitud de repertorio. Una vez más me equivoqué, un clásico mio totalmente atemporal. Al parecer en la recta final de la presentación del disco, José Ignacio y sus muchachos están repitiendo este concierto por donde quiera que van.

A pesar de que la Sala Vivero estuvo un poquito fría y algo desangelada, quizás demasiado grande para albergar este tipo de bolos, es cierto que la gente respondió y estuvo animando bastante, cosa que a medida que avanzaba el concierto se veía reflejado en las caras de los tipos que andaban encima de las tablas. A mi me parece que esta gente cada vez disfruta más desgranando el universo personal de José Ignacio delante de la gente, se les ve motivados hasta en las peores plazas y con una gran complicidad. El sonido estuvo francamente bien, se escuchó perfectamente el rhodes y el hammond de Raulito Bernal (por cierto, cuanto más escucho el EP de Jean Paul más maravilloso me parece), que suele ser el más perjudicado en estos encuentros eléctricos, y el resto de trupe, Víctor, Paco y Popi estuvieron estupendos como siempre. Me encantó la línea de bajo de Paco para el final apoteósico de Qué Fue Del Siglo XX.

No nombró el setlist porque el que lea esto seguro que ya lo conoce (bueno, dejo una foto...), pero vuelvo a hacer notar que Cartografía en directo es un pelotazo y que Lapido tira cada vez más descaradamente hacia el pop de los 60 y el blues más castizo. Sino échenle una escucha al sonido de su nueva guitarra durante los riffs más añejos.

Espero que eso que se rumorea por ahí sobre el final de la edición de más discos por parte de José Ignacio no sea más que un bulo o que, si acaso, este hombre se eche atrás y nunca se canse de regalarnos sus coplas. Sabemos que es alguien que nunca dejará de hacer canciones, pero esperemos que no se canse de sacarlas a la luz debido a lo complicada que está hoy día la dichosa industria cultural de este país.

Muy graciosa de recordar la típica interlocución público-José Ignacio, con esa mala follá que le caracteriza como buen granadino ilustre que es, a la pregunta del Errante de "¿En qué consiste el truco, José Ignacio?", la respuesta del Maestro no pudo ser más suya... "En comer poco". Quiera o no quiera, hasta en su subsconciente él se considera un tipo maldito.

Gracias a Mario y a Blanca por las fotos, compañeros incombustibles en las noches eléctricas.

http://www.joseignaciolapido.com

Salud!

Quique González y La Aristocracia Del Barrio - 2008-11-13 - Málaga, Sala Vivero

2008-11-14T14:54:00.000-08:00

El bueno del señor González lleva consiguiendo desde hace un tiempito hacerse un hueco entre los que de verdad influyen, entre los que de verdad sabes que no te van a defraudar, entre los que de verdad son verdaderos maestros, entre los que de verdad son clásicos del rock nacional. Su voz y su forma de hacer las cosas es ya totalmente propia, no necesita ninguna comparación ni apoyo de nadie.

Su banda actual, La Aristocracia del Barrio con el mago Javi Pedreira y Karlos Arancegui, es la más duradera que ha tenido en toda su carrera y con ella consigue varias cosas: acercarse definitivamente al rock americano más clásico de los Petty, Dylan, sonar realmente crudos, sin trampa ni cartón ni adornos o arreglos coloristas, y rozar de forma muy tangencial lo alternativo y psicodélico gracias a los mil trucos de Pedreira, un guitarrista de portentosos recursos y mayor ffeling, y la forma de tocar de Karlos. Jacob lleva siendo un crack desde siempre, le da un buenísimo sustain y feeling a las líneas de bajo, y no tenía nada nuevo que descubrir en él.

Todo lo anterior, nos lo volvieron a demostrar el jueves en la Sala Vivero, al que acudí con la más nutrida representación de amigos malaguitas en mucho tiempo, y en las que se celebraba el 10º aniversario de la carrera del madrileño sobre las tablas. Un setlist elegido por la gente en la web sólo podía depararnos un auténtico aluvión de temazos, unos realmente fieles a los originales, otros llevados al lado más rockero, otros con un perfil más minimalista, pero casi todos con variaciones en cambios de ritmo, de volumenes y en forma de ser tocados. Quique cada vez está más cómodo cantando a medida que pasan los años y se atreve a hacer muchas cosas en pleno directo, a veces le traiciona un poco el ímpetu, pero desprende, y de qué manera, cómo le sangran todas esas canciones por dentro. Perfecto Quique, todo un caballero del rocanrol.

Como siempre, después de ver a algunas bandas tantas veces en directo, es un aútentico placer encontrarte cara a cara con canciones que nunca has oido en directo, y lo del jueves fue una montaña rusa. Piedras y Flores, Palomas En La Quinta, Pájaros Mojados, Avión en Tierra tocada por Quique en total soledad para delicia del amigo Sergio el Errante, y en la que se tuvo que dejar la piel para llevarla a buen término con la guitarra, Se Nos Iba La Vida, Calles De Madrid, El Campeón...en fin, un dislate al no poderse predecir que iba a ocurrir en el escenario en ningún momento. Evidentemente, tampoco faltaron los grandes clásicos Salitre, La Ciudad Del Viento, Kamikazes Enamorados, Pequeño Rocanrol, una versión más rockera y con compases arrastrados de Cuando Éramos Reyes...Ese es el tipo de concierto que debería estar dispuesto a llevar a cabo cualquier banda digna, capaz de repasar cualquier punto de su discografía sin ningún drama, de forma fiel o adaptando los sonidos, las texturas, y llevándola a nuevos terrenos. Una deliciosa maravilla. Una esperanza y un atisbo de certeza de que Quique seguirá en el camino de las buenas canciones, del rock crudo y de verdad, por mucho tiempo. Gracias a Mario por las fotos!

http://www.quiquegonzalez.com/

Salud!

Tempest - 2001 - Balance

2008-11-11T12:33:00.000-08:00

Tempest son una banda afincada en California, pero su alma Lief Sorbye es de Oslo, y eso marca y se nota. Aquí se encuentra, en mi opinión, uno de los mejores ejemplos actuales de mezcla de rock con el folk del norte de Europa. Y hablo de rock y de folk en mayúsculas, porque están igual de presentes las guitarras eléctricas más zigzagueantes, que los violines, flautas y whistles más tradicionales. Y además está Lief y su voz.

Llevan 20 años en la brecha y siguen firmando temas realmente atroces en autenticidad, belleza y armonía. La banda es una maquinaria perfectamente engrasada y de habilidades magníficas a la orden de estupendas canciones, muchas de ellas tradicionales, algunas llevadas a aguas más rockeras, y otras perfectamente defendidas en su augusticidad.

Muy difícil encontrar sus discos por ahí a no ser que los encargues. Ojalá viniesen más y a un mayor número de emplamientos en Europa, porque sin duda un concierto de estos tipos debe ser mucho más que una fiesta. Fíjense en la hermosa colección de mandolinas de Lief Sorbye...la envidia de Jimmy Page!!!

http://www.tempestmusic.com/html/lief.html

Con Balance consiguieron uno de sus mejores discos, sonando realmente maduros, arriesgando en algunos tramos y amarrándose a las raíces en otros, pero siempre estando estupendos y, sobre todo, sonando auténticos. La envidia de más de unos pocos que dicen que hacen rock celta...

http://tinyurl.com/6rwr5p
Password: folkyourself.blogspot.com

http://www.tempestmusic.com

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2008-11-07 - Vetusta Morla+Jean Paul - Granada, Sala El Tren

2008-11-08T00:41:00.000-08:00

Una excursión de nuevo a Granada por segunda vez en menos de un mes a visitar la Sala El Tren. Llegamos un pelín tarde, pero gracias a Dios el concierto de Jean Paul sería relativamente largo a pesar de ser sólo los teloneros de Vetusta Morla, pero es que los de Tres Cantos no tienen aún tantas canciones en la mochila como para dar un show de proporciones adecuadas a ese precio.

La cuestión es que Jean Paul, alias Raúl Bernal más amigos, me sorprendieron muy gratamente. Las escuchas anteriores a través de su myspace me habían dejado muy buenas sensaciones y éstas se confirmaron gratamente en directo. Para el que no lo sepa, Raúl Bernal es el teclista de la banda de Lapido, que además se rodea del resto de componentes en este proyecto, con Popi González a la batería, Víctor Sánchez a la guitarra y Paco Solana a los coros y guitarra acústica. También andaban por allí completando la formación un bajista y un tipo haciendo de multinstrumentista con banjo y acordeón!!!

El sonido que consiguieron fue bastante bueno a mi parecer, las canciones desde ahí arriba son todavía más carnales y devastadoras, drama puro saliendo de la gravísima voz de Raúl, que se convierte sin duda en el alma dominadora de las canciones. El acompañamiento y los arreglos brillan intensamente en su simplicidad, con esas notas que Víctor nos brindaba como pequeños rayos de luz. El banjo y el acordeón también le van perfectos a esta raza de canciones que Raúl nos regala. Se les vio muy compenetrados y con ganas de hacerlo bien y llevar todo a buen término. Al final me hice con su EP Serpientes y Martirios (y de regalo dos cervezas para El Peatón), y a la espera me quedo de hacerme con su primer larga duración que debería estar a puntito de caramelo para salir. Ojalá tengan suerte, podamos disfrutarlos durante mucho tiempo y no sean vilipendiados por el asqueroso business musical de este país.

Vetusta Morla parecen haberse convertido en un fenómeno de ciertas proporciones en muy poco tiempo de vida, y yo creo que el rock español debe estar de enhorabuena. Porque si escuchas el disco a las primeras de cambio te convence, a las segundas te oprime, y a las terceras te encanta. En directo todo eso se cumple con un plus más. Desgranaron su Un Día En El Mundo en más o menos una hora y la gente se queda seca de más. El sonido fue buenísimo, los juegos de guitarras cristalinos planearon y se hicieron su sitio, y la banda sonó compactísima sobre una buena base rítmica. Pero, que quieren que les diga, a pesar de que las canciones son buenas, creo que este grupo sería probablemente otro más del montón...si no estuviese Pucho. Este tipo podría estar tocando con una filarmónica detrás y, a pesar de ello, él solito llenaría el escenario. Maldita sea, que voz más maravillosa tiene. Sólo por oir Año Nuevo o Copenhague merece la pena vivir un poquito más.

A ver si no se malean con tanto éxito, parecen que hacen sold out donde quiera que van, y siguen por esa senda de buenas canciones, que fundamentalmente es en lo que consiste todo esto del rocanrol para conseguir lo que ellos están consiguiendo. Convertirse en especiales y brillar con luz propia.

http://www.vetustamorla.es/

http://www.myspace.com/jeanpauljoue

Salud!

Extreme - 2008-10-31 - Madrid, La Riviera

2008-11-02T01:14:00.000-07:00

El viernes cumplí uno de esos sueños que de los que poco a poco voy cumpliendo a lo largo de mi vida y que cuando era un mozuelo jamás creía que podrían realizarse. Para alguien que cuando tenía 16 añitos y escuchaba día tras día una disco que le sacaba de sus casillas, de una banda que sabía que ya no existía y que probablemente jamás podría ver en directo, de la cual escribía sus frases por doquier en cualquier pizarra, y se hartaba de chillarlo por la calle con su novia y de llorarlo en la soledad de su habitación, lo del viernes era simplemente un ritual, un sacramento.

Así me hicieron sentir Nuno, Gary, Pat y Kevin el viernes. Extreme es una auténtica apisonadora, sus canciones hablan ya por sí mismas y su defensa encima de las tablas no sería siquiera necesaria para explicitar los grandes que son. Pero, amigos mios, en directo Extreme son mastodónticos, y no lo digo ya porque Nuno Bettencourt sea una guitarra hecho hombre y eclipse a cualquiera que se le acerque, es que la banda es compacta, es brillante y te engancha como si fuese la peor de las drogas.

El sonido estuvo bastante bien y el tema vocal fue de aúpa, tanto Gary que estuvo soberbio, como Nuno y Pat a los coros. Precioso, emocionante y brutal. Aunque sobrase Ghost y ese piano precioso de Nuno, de la última entrega Saudades de Rock y excusa para la reunion, y hubiese echado mano de más temas del III Sides To Every Story, creo que la selección de canciones estuvo acertada y me pareció muy bueno el semimedley de temas del primer disco.

Las sensaciones eran encantadoras durante todo el concierto. Y encima ellos parecían pasarlo igual de bien o más que los que abarrotábamos la Riviera. Uno no puede dejar de pensar cómo tios tan compenetrados en el escenario, con esa pinta de amigachos pudieron separarse en el 1996 dejándonos medio huérfanos a más de uno. Ojalá no se cansen y sigan haciendo discos.

Aquí pongo un enlace a un montón de videos del concierto gracias a esos cacharros celulares que no nos dejan en paz ni de día ni de noche:

http://www.youtube.com/watch?v=hVWQsbqDtpg

http://www.extreme-band.com/

Salud!

Jose Ignacio Lapido - 2008-10-18 - Granada, Sala El Tren

2008-10-19T03:23:00.001-07:00

No sé cuantas veces he visto ya al Maestro y su banda en directo, jugando fuera o en casa, acústico o directo, presentando todos sus discos en solitario. Pero es que de nuevo lo vuelve a hacer, ponerme en pie, a saltar gritando de forma que al día siguiente tenga la garganta a punto de estallar. Es francamente emocionante ver a este tipo una y otra vez sobre las tablas, con su vida consagrada al rocanrol, fiel a su estilo y a sus canciones.

Cuando apareció a mitad de año su ya quinto disco, Cartografía, tenía un poco de miedo porque su carácter más acústico, íntimo, podrían hacerlo más difícil de defender en directo. No podía estar más equivocado. El Maestro ayer jugando en casa me demostró que la banda puede ejecutar el papel perfectamente y hacer que las canciones den de sí todo lo que encierran en su interior. De Cartografía se hicieron todos los temas a excepción de Largo De Contar y Cuando Se Apaga La Luz, absolutamente todas las restantes, brillando con luz propia Cuando El Ángel Decida Volver, En Mil Pedazos, Nunca Se Sabe y Algo Me Aleja De Ti.

El concierto, además de servirnos para disfrutar de Cartografía en directo, nos reservaba unas pocas perlas, como ese comienzo desolador de Demasiado Tarde, una de las mejores canciones de Lapido que en mi opinión representan su carrera y forma de hacer música de manera perfecta. Otras perlitas que oía por primera vez en directo fueron Me Voy, indiscutible que no debió quedarse este tema como cara B, En Mi Mente, interpretada magníficamente con un trabajo de Víctor encomiable a los coros, y como siempre los momentos ceroinómanos con Zapatos De Piel De Caimán, La Noche Que La Luna Salió Tarde, Esta Noche y Qué Fue Del Siglo XX. Destacar que parece que por primera vez interpretaron la remodelada Sigue Estando Dios De Nuestro Lado que, aunque consigue despertar mi nostalgia y arrancarme la sonrisa y la lágrima a partes iguales, me parece muy inferior a la que conseguían desplegar los Cero en sus actuaciones. Por cierto, magnífica la nueva adquisición de Lapido, una Gibson negra preciosa, para ejecutar esos temas más blueseros y darles ese puntito que no puede conseguir su SG color vino.

En fin, una nueva noche con el Maestro tan redonda como siempre. No puedo olvidarme de que el día fue intensamente lapidiano, con la presentación por la mañana del ensayo titulado En Cada Lamento Que Se Hace Canción que versa sobre las letras de José Ignacio y está escrito por el ilustre Jordi Vadell, miembro de la lista de correo El Poeta Eléctrico (http://www.elpoetaelectrico.com), donde el analísis y la pasión están mezcladas en grandes dosis para conformar una amena y muy informativa lectura. La presentación estuvo estupenda, con bastante gente en la sala Val Del Omar (uno no puede dejar de pensar en Antonio Arias y sus Lagartija Nick), la presencia de Jordi y el propio José Ignacio, y una más que acertada actuación de Juan Antonio y Toni de los malagueños Dos Mil Locos (http://www.dosmillocos.com) interpretando 3 canciones del Maestro en riguroso acústico para los allí reunidos, Tiros, Rincones Secretos y La Antesala Del Dolor. Por supuesto, me hice con las firmas de todos ellos en sus ediciones respectivas. Un día para guardarlo y revisitarlo a menudo.

http://www.joseignaciolapido.com
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Super 400 - 2004 - Blast The Message

2008-10-11T08:46:00.000-07:00

Kenny, Joe y Lori son Super 400, el power trío del nuevo milenio, como a ellos les gusta nombrarse. Aquí no hay ni trampa ni cartón, rock and roll castizo, lleno de soul, con un gusto por las melodías y los arreglos directos y cálidos, con una dulzura que mata de espanto. Las raíces de estos tipos son tan claras y son sonido tan espiritual y lleno de fuerza que es imposible no cautivarse con ellos.

Los conocí también en uno de mis viajes con Hale al Azkena, convirtiéndose en otra más de las razones por las que amo ese festival.

Aquí dejo su segundo álbum Blast The Message, un auténtico placer para el oido, la mente y el alma.

http://www.megadownload.net/download/rs/25279292/super_400_-_blast_the_message.zip

http://www.super400.com/

Salud!

2008-08-21 - Sex Museum en la Feria de Málaga

2008-08-22T09:24:00.000-07:00

Cuando pienso en Sex Museum sólo puedo maldecirme por no haberlos conocido antes. Estos tipos llevan más de 20 años llevando el rocanrol por bandera. Auténticos triufadores de la escena underground rockera de siempre, los he descubierto tras conocer uno de los proyectos paralelos de Fernando Pardo y Javi Vacas, Los Coronas, en el Azkena Rock Festival de 2007.

Ayer jueves tuve la suerte de desperezarme en el sofá y echarle ganas para ir al Real de la Feria. Gracias a Dios. Vaya pedazo de concierto. Si en sus discos ya se deja entrever de lo que va la cosa, en directo esto es harina de otro costal. Los hermanos Pardo hicieron el amor con la música durante dos horas, mantenidos por el soldado del rocanrol Javi Vacas proyectando fusilazos con su bajo y con un baterista de espanto, el mexicano Jota. Marta Ruiz pone la elegancia y los pildorazos de hammond, haciendo de la experiencia algo realmente mágico. De las canciones que conozco tocaron auténticos temazos como I've Lost My Faith, Wassa Massa, Flying High, Two Sisters y la increiblemente vitamínica I Enjoy The Forbidden, aparte de marcársela con un Neil Young y un poco de Deep Purple.

Esto convencido de que si estos tipos hubiesen nacido en un país anglosajón otro gallo les cantaría. Es magnífico ver a estos tipos que después de más de 20 años aún siguen peleándose con la carretera y dando conciertazos como éste, en un lugar relativamente hostil, llevándose al público de calle y en el bolsillo. Al final el puesto de camisetas estaba petado de gente y yo me hice con su último trabajo, Fifteen Hits That Never Were, donde revisitan sus grandes "éxitos".

Sex Museum suenan a todo el rock de siempre, pero sobre todo suenan a ellos mismos, son realmente cautivadores, pero sobre todo son desenfrenados, bombásticos y zigzagueantes. Me encantan.

Larga vida a Sex Museum!

http://www.sexmuseumrock.com/

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Wicked Minds - 2006 - Witchflower

2008-08-17T03:04:00.000-07:00

Segundo trabajo editado de los italianos y segundo pelotazo al corazón. A los gustosos del rock más clásico con raíces setenteras, esta revitalización del gran sonido de aquel momento sólo puede saberle a gloria bendita. Y no es que el resultado una vez oidos los 12 temas de este Witchflower sea diferente al que aportaba su anterior From The Purple Skies, es que simplemente te dejan con la satisfacción de las cosas bien hechas, con intensidad, sin apremios, con la certeza de que el disco lo tiene todo para poder ser escuchado una y otra vez a lo largo del tiempo con la seguridad de que va perdurar con una calidad indiscutible.

Todo vuelve a estar diametralmente presidido por los mellotrones y hammonds del bueno de Paolo, aunque en esta entrega hay mucha más carga guitarrística y riffeante a la hora de liderar muchos temas, eso sí dejando bastante hueco a procesiones más acústicas entre los temas de largo desarrollo que siguen abundando en el álbum. Sin duda vuelven a ser muy regocijantes los pasajes instrumentales marca de la casa con solazos tanto de teclado como de guitarras que se mezclan llevando los temas a momentos más que álgidos. La voz sigue siendo clónica a la de David Byron de Uriah Heep y, que quieren que les diga, a un servidor le suena como si el británico bajase de los cielos a recitar versos.

Las canciones son simplemente para enmarcarlas, de nuevo con ese aire psicodélico, ahora luminoso y cristalino, ahora enigmático o casi siniestro, ahora contundente y groove, pero sonando siempre elegantes y con una producción perfecta, ni le sobra ni le falta absolutamente nada.

El buen rock está de enhorabuena una vez más.

http://link-protector.com/262443/
http://link-protector.com/262444/

http://www.wickedminds.net/

Jose Ignacio Lapido

2008-08-17T02:33:00.000-07:00

Para muchos conocido como "El Maestro", José Ignacio García Lapido lideró desde la penumbra con su guitarra y sus artes compositivas a la mítica banda granadina 091 durante los 80 y los 90 del pasado siglo. Tras parir algunos de los mejores discos del rock patrio y desmembrarse la banda tras su "Último Concierto" hace más de 10 años, José Ignacio decidió embarcarse en un viaje en el que cantaría sus propias canciones. Enamorado del blues y del rock americano más clásico, sus tonadas hablan sobre los clásicos temas de amor, desesperanza, muerte y rebeldía siempre desde la estética del perdedor, con un profundo sentido de la ironía y, por qué no decirlo, un trasfondo a veces de esperanza.

Esta considerado por muchos artistas patrios como uno de los mejores letristas españoles de rock, como por ejemplo, los ya veteranos Manolo García o Loquillo, o los más contemporáneos Quique González, Amaral o M-Clan.

El ejercicio del canto nunca será el fuerte del mayor de los Lapido, y más si se le compara con el magnífico chorro de voz del frontman de los Cero, José Antonio García, "El Pitos". Pero es su derroche de sinceridad, pasión y actitud rocanrolera lo que hace que, de una vez por todas, él mismo sea el más adecuado para cantar sus letras, siendo por otro lado tan extremadamente personales.

Con diferentes texturas guitarrísticas a sus trabajos anteriores y con una aproximación más suave a las canciones llega en 1998 el primer disco en solitario, "Ladridos del Perro Mágico". Un disco rocanrolero perfectamente equilibrado entre canciones muy movidas como "Roto", "Furioso Con El Mundo" o "El Dios De La Luz Eléctrica" y medios tiempos maravillosos como "Ladridos Del Perro Mágico" o "Cuando Las Palabras Vuelvan Del Exilio". Las canciones son simplemente redondas y con una calidad extrema tanto musical como líricamente, aunque se le note un cierto vértigo a la hora de cantar. En la gira de presentación El Maestro contaría con dos guitarristas más, además de sí mismo, para centrarse más en la tarea de las voces. Sería la última vez en trabajar con su hermano menor Víctor, que ya le acompañó en los últimos discos de los Cero, dejándonos solazos inspiradísimos y vertiginosos que el propio José Ignacio no podrá emular en el futuro (baste con oir el solo final del primer tema del Ladridos, "Hablando En Sueños" o la también onírica "Como Acaban Los Sueños" de los Cero).

La siguiente edición de José Ignacio vendría en 2001 en forma de miniLP, "Luz De Ciudades En LLamas" (homenaje a los años '60 según sus palabras) en el que seguiría el camino empezado con su primer album, pero tal vez esta colección de canciones respira con un poco más de brillantez y alegría. De nuevo alternando entre temas más movidos y medios tiempos, este EP nos deja joyas como "Luz De Ciudades En LLamas", "Alguien Vendrá" y la maravillosa y bluesera "Piedras Y Palos", magnífico tema para comenzar los conciertos de la gira de presentación del disco.

El siguiente disco no se hizo esperar demasiado llegando en 2002 en la forma de "Música Celestial", irónico título para este album en el que se aprecia un giro hacia un sonido más americano y se aproxima a la suavidad y templanza en las guitarras alejándose de sonidos más duros (aunque siempre queden temas como "Noticias Del Infierno" o "Nadie Besa Al Perdedor") y ceroinómanos. Para muchos su mejor trabajo y donde la pluma del Maestro hace auténticos prodigios en temas como "Hasta Desaparecer", "El Carrusel Abandonado", "Demasiado Tarde" o "No Queda Nadie En La Ciudad". Esta gira, al igual que la anterior, vería a José Ignacio rodeado del gran Víctor Sanchez a la guitarra y de un Antonio Lomas inconmensurable a la batería. Estos tipos formarían un gran núcleo sobre el que el Maestro obtendría sus mayores triunfos sobre los escenarios y cuyo esfuerzo y saber estar darían en Octubre de 2005 el fruto de un nuevo y magnífico disco, "En Otro Tiempo, En Otro Lugar".

Después de una intensa búsqueda de discográfica y tras toparse con todas las puertas cerradas, José Ignacio decide autoeditarse y fundar Pentatonía Records. Este es su disco más calmado, más intimista y más compacto de todos. los viejos temas de siempre son tratados con una mayor cercanía y tal vez con menos artificio metafórico que en anteriores entregas. La voz de José Ignacio está libre ya de cualquier miedo y canta sin tapujos y en la medida de sus posibilidades con un gran acierto. Un gran plus de este album es la incorporación del Hammond más clásico en todos los temas, cortesía del murciano Raúl Bernal, que elevan la sensibilidad de los temas por las nubes. El Lapido más clásico e intimista en "La Antesala Del Dolor", "Bellas Mentiras", "De Espaldas A La Realidad" o "Más Difícil Todavía" y dándose vueltas de tuerca a sí mismo en maravillas como "Cuando La Noche Golpea El Corazón", "Rincones Secretos", "Agridulce" o la propia "En Otro Tiempo, En Otro Lugar".

Hasta 2008 no saldría a la luz "Cartografía", el nuevo fruto discográfico de Jose Ignacio y su banda. Y digo su banda porque es la que más continuidad ha tenido en todos estos años, con la incorporación de Paco Solana al bajo al poco tiempo de editarse su álbum anterior. Jose Ignacio sigue en la misma vena compositiva de siempre recogiendo su propio testigo y ahondando un poco más en los medios tiempos, arreglos desnudos y una clara tendencia a poner el silencio en grandes pedestales. Además, se atreve con nuevos registros vocales y giros constructivos un poco inesperados en él, lo cual es muy de agradecer para el oyente acérrimo. La presencia de Raúl Bernal es ya abrumadora, y en muchas canciones toma incluso mayor protagonismo que las guitarras. Es un disco que no sorprenderá al fan de Lapido, pero le seguirá conformando y confirmando como uno de los mejores artífices de su banda sonora vital. Uno no puede más que quitarse el sombrero ante temazos como "Cuando El Ángel Decida Volver", "Escala De Grises", "En Mil Pedazos", "Nada Malo" o "Nadie Sabe".

Como se ha dicho por ahí, estoy de acuerdo en que es un disco monstruosamente defendible en acústico, pero que tal vez tenga sus dificultades con las válvulas ardiendo detrás. Espero tener la oportunidad de ver el show pronto y comprobarlo.

Sigue así Maestro!!!!

Live - 1999 - The Distance To Here

2008-07-22T07:43:00.000-07:00

Sin duda los discos de los americanos Live llegan al alma. En todos ellos encontramos melodías que por sus texturas, melancolía, espiritualidad, fiereza o ganas de vivir, tocan la fibra sensible del más pintado. Y es que Ed Kowalckzyk tiene una de las formas más completas y polifacéticas de cantar al amor en todas sus posibles vertientes y colores.
Seguramente uno piensa que de recomendar uno de sus discos sin pensarlo dos veces habría que citar su exitoso segundo álbum, Throwing Copper, con el que dinamitaron records de ventas en Estados Unidos, y dejaba auténticas joyas del rock adulto como Lightning Crashes, Selling The Drama o I Alone.
Pero a mi personalmente, The Distance To Here es un disco que desde la primera vez que lo oí me pone la carne de gallina. Se me saltaron las lágrimas la primera vez que oí Run To The Water sin entender siquiera lo grandioso de su letra, se me rizan los cabellos con la voz de Ed en Dance With You o We Walk In The Dream.
Es un disco que tiene la producción justa, los temas están arreglados pero sin la devastación de su álbum V o la crudeza de Throwing Copper. Creo que es su mejor obra sin duda, y creo que tardarán mucho en repetir algo parecido, sobre todo viendo sus últimos discos.

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Riverside - 2005 - Second Life Syndrome

2008-07-20T15:11:00.000-07:00

Riverside son desde hace varios años una de las grandes esperanzas del movimiento progresivo europeo. Los polacos han compuesto hasta la fecha tres álbums realmente buenos, donde se combinan los ambientes y los riffs en un tono oscuro, meláncolico, fantasmagórico, todo dentro de un esquema realmente sinfónico. Muchos los encuadran dentro del progmetal, pero para mi son mucho más sinfónicos que otra cosa.
Aparte de los colchones de teclados y una base rítmica realmente compensada, lo que verdaderamente me encanta de esta banda es por lo que me recuerda a los Anathema de sus mejores años. La voz de Mariusz Duda es realmente cautivadora y enganchante, y el sonido de guitarra de Piotr Grudzinski es una marca de identidad clara desde el primero a fin de los discos.
Este en concreto es el que más me gusta de los tres que tienen publicados hasta la fecha, destacando enfervorecidamente los temas Conceiving You, I Turned You Down y Second Life Syndrome, realmente magníficos. Además, tuve la suerte de verlos en directo cuando telonearon a Dream Theater en Atarfe y dejaron una más que buena impresión, sobre todo teniendo en cuenta que los allí reunidos (jeviatas de toda la vida) no se esperaban nada de aquello.

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Led Zeppelin - 1975 - Physical Graffiti

2008-07-18T11:23:00.000-07:00

Uno de mis discos preferidos de una de las más grandes bandas de todos los tiempos. Creo que le tengo tanto cariño porque fue uno de los primeros albums de los dioses ingleses que oi, pero es que además son más de 80 minutazos de auténtico rocanrol zeppeliano en todas sus posibles vertientes y variantes.

Formado por canciones de varias épocas que de otra forma seguramente no habrían visto la luz, el hecho es apreciable tanto en la diferente producción de las canciones, la poca unidad o cohesion que muy apreciable a veces entre ellas, y sobre todo es remarcable el cambio en la voz de Robert Plant. Dicen que sufrió una operación en sus cuerdas vocales durante aquellos años, cualquiera sabe.

A pesar de todo ello, la colección de canciones es estupenda y resulta tan ecléctica que es muy fácil quedar enganchado a la escucha de principio a fin a pesar de la longitud del trabajo.

Qué decir de la portada, totalmente maravillosa en su edición de vinilo, con sus diferentes carpetas y ventanucos donde apreciar mogollón de escenas a cual más variopinta. Hay incluso interpretaciones sobre el tipo sentado en la escalera con un par de perros negros y las dos puertas del edificio, uno más luminosa y otra más oscura. Adivinad en cual de las dos puertas está situado el individuo en cuestión, que podría ser John Bonham...
Estupendo!!!

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Depeche Mode - 1989 - 101

2008-07-08T12:30:00.000-07:00

Pop electrónico por aquí??? Depeche Mode es eso y mucho más. Después de casi treinta años en la brecha, y de pasar por multitud de pintazas diferentes a cual peor, es imposible no darse cuenta de que los chicos de Basildon esconden mucho más detrás de esa máscara.

Sin duda, de no ser por oirlos gracias a mi hermano jamás estaría escribiendo esto y jamás me habría parado a oir obra tan emocionante. Porque 101 es uno de los directos más alucinantes que jamás he oido, que me hacía temblar hasta los tuétanos con 14 años y lo sigue haciendo hoy día. La película filmada por Anton Corbjin es igualmente emocionante y entrañable.

Esta lista de temas en sus álbums originales pueden sonar desfasados y deshinchados para el buen amante del rock con mayúsculas o minúsculas, pero atendiendo al concepto de la canción, a su temática y a su ambiente, es justo decir que Depeche Mode hicieron grandes canciones desde principios de los 80. Lo que vendría después tampoco tiene desperdicio con discazos como Violator o Songs Of Faith And Devotion.

Ahí queda eso!

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Yawning Man - 2005 - Rock Formations

2008-07-05T04:45:00.000-07:00

Conocí este disco hace un par de años, al verlo referenciado en uno de los Azkena Rock Festival a los que he tenido la suerte de ir con mi buen amigo Hale. Este el primer disco de estudio de Yawning Man (y único hasta la fecha), una banda que al parecer lleva desde los 80 dando la brasa en los desiertos de California. Existen historias de todo tipo a su alrededor sobre que tocaban con un generador en medio del desierto. Sus componentes Mario Lalli, Alfredo Hernández y Gary Arce son fundamentales en la escena stoner californiana formando parte de bandas tan fundamentales como Kyuss, Fatso Jetson, Orquesta del Desierto, y ayudar a grabar a Brant Björk su gran "Jalamanta".
Yawning Man hacen jams instrumentales bastante psicodélicas, en directo parece que maratonianas, con guitarras llenas de reverb y tremolos, ambientes envolventes, etéreos y densos. Son francamente sorprendentes y una delicia para la escucha.
Tendré la oportunidad de verlos en el Azkena de este año, y son sin duda uno de los grandes atractivos del festival para contar con mi presencia este año.

En palabras del bueno de Brant Björk en el 2002:
"Yawning Man was the sickest desert band of all time. You’d just be up there in the desert, everybody’d just be hanging, partying. And they’d show up in their van and just, mellow, drag out their shit and set up right about the time the sun was goin’ down, set up the generators, sometimes they’d just go up there and drink beers and barbecue. Sometimes it would be a scene; sometimes it would be very intimate. It was very casual and loose and everybody would like, while they’re playing, everyone would just lounge around. They were kinda like a house band. It wasn’t militant like Black Flag. It was very drugged, very stone-y, it was very mystical. Everyone’s just tripping, and they’re just playing away, for hours. Oh, they’re the GREATEST band I’ve ever seen"

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King Crimson - 1974 - Red

2008-06-29T03:19:00.000-07:00

Estamos sin duda ante uno de los grandes pilares del rock progresivo de todos los tiempos. Para algunos King Crimson son de los primeros pioneros del estilo, o al menos, los primeros en poder hacerlo comercializable después de telonear a los Rolling Stones presentando su maravilloso In The Court Of The Crimson King.
Después de mucho vaivenes en la formación, estamos ante su época más estable, con el eterno Robert Fripp junto a una sección rítmica de espanto formada por Bill Bruford y John Wetton, Éste último es uno de los músicos de los 70 que por más bandas importantes ha pasado, dejando en todas el sello inconfundible de sus líneas de bajo y su personal voz.
Red es un disco inconmesurable, que en cinco canciones viaja por diferentes puntos de vista del progresivo. Desde el más heavy de la homónima Red, a la improvisación de Providence o el sinfonismo de Starless. Un disco fundamental para entender mucho del progresivo más duro y enérgico que tanto se prodiga en nuestros días y que ha influido a prácticamente todo aquel que se ha dejado llevar por la aguas del rock más imbrincado y complejo.

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http://www.king-crimson.com/

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Migue

Rush - 1976 - 2112

2008-06-25T08:12:00.000-07:00

Rush es posiblemente la banda más importante que haya salido de Canadá. Este powertrío de lo más poderoso surgió a comienzos de los 70. Muy cercanos al sonido clásico hardrockero y protoprog, muy influenciados por Led Zeppelin, dieron al poco tiempo rienda suelta a tribulaciones más progresivas y a sus más grandes discos a mi modo de ver de mediados de los 70. En los 80 se dieron una vuelta de tuerca a sí mismos reinventándose casi por completo, introduciendo sintetizadores y percusión electrónica, con canciones más cortas aunque no por ello muy radiables pero manteniendo la calidad en la composición y la interpretación en niveles altísimos. Ya en los 90 vuelven al sonido hardrockero de los inicios pero con un sonido totalmente moderno y mucha menos carga de electrónica. Siguen todavía en la brecha editando álbums de calidad después de más de 30 años juntos. Un auténtico lujo.

Este disco es posiblemente una de sus obras cumbres y uno de mis preferidos. La tremenda canción 2112, que habla sobre viajes espaciales en galaxias distantes donde los monjes del templo de Sirinx guardan la esencia de la música, es una auténtica maravilla y un auténtico himno a pesar de lo zigzagueante de su estructura.

En este disco mezclaron a la perfección esa posición hardrockera basada en los riffs directos, con unas composiciones que van creciendo y complicándose, propias del progresivo de la época. Lo hacen entretenidísimo, lleno de matices, cambios de ritmo y, sobre todo, muy buenas canciones. La voz de Geddy Lee está como siempre soberbia y manteniendo esos registros imposibles. Musicalmente es brutal, siendo los tres músicos magníficos y con una compenetración que da miedo.

Son una de mis grandes espinas en cuanto a conciertos se refiere.

http://lix.in/cc0f1f

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